title: Historia de la tecnología musical

text: La evidencia de los instrumentos musicales egipcios se remonta al período predinástico, cuando los cánticos funerarios desempeñaban un papel importante en La religión egipcia. Existen registros de la utilización, en etapas sucesivas, de todas las categorías de instrumentos musicales: percusión, viento y cuerdas. Los instrumentos de percusión incluían tambores de mano, cascabeles, castañuelas, campanas y el sistro. Los instrumentos de viento incluían flautas (dobles y simples, con lengüetas y sin ellas) y trompetas. Los instrumentos de cuerda incluían arpas, liras y laúdes.  Algunos instrumentos, como los címbalos y las campanas, los hydraulis y las flautas de Pan fueron introducidos en la época ptolemaica. Desde Oriente Medio, ya en la etapa del Imperio Nuevo, se introdujeron la lira y el laúd, este último construido con dos tipos de materiales (caparazón de tortuga o madera) sobre la base de dos diseños diferentes.


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text: La civilización del valle del Indo tiene esculturas que muestran instrumentos musicales antiguos, como la flauta de siete agujeros. Se han recuperado varios tipos de instrumentos de cuerda y tambores de Harappa y Mohenjo Daro mediante excavaciones realizadas por Sir Mortimer Wheeler.


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text: Según las Escrituras, Jubal era el padre de arpistas y organistas (Génesis 4: 20–21). El arpa estaba entre los principales instrumentos y el favorito de David, y se menciona más de cincuenta veces en la Biblia. Fue utilizado tanto en ceremonias alegres como tristes, y su uso fue ""elevado a su máxima perfección bajo David"" (1 Sam. 16:23). Lockyer agrega que "fue la dulce música del arpa lo que a menudo despojó a Saúl de su melancolía (1 Sam. 16: 14–23; 18: 10–11). Cuando los judíos estaban cautivos en Babilonia, colgaban sus arpas y se negaron a usarlas mientras estaban en el exilio, antes formaban parte de los instrumentos utilizados en el Templo (1 Kgs. 10:12). Otro instrumento de cuerda de la clase de arpa, y también utilizado por los antiguos griegos, fue el lira. Un instrumento similar era el laúd, que tenía un gran cuerpo en forma de pera, cuello largo y diapasón con trastes con tornillos de cabeza para afinar. Las monedas que exhibían instrumentos musicales, la moneda Bar Kochba Revuelta, fueron emitidas por los judíos durante la Segunda Judía Rebelión contra el Imperio Romano de 132-135 dC Además de esos, estaba el salterio, otro instrumento de cuerda al que se hace referencia casi treinta veces en las Escrituras. Según Josefo, tenía doce cuerdas y se tocaba con una pluma, no con la mano. Otro escritor sugirió que era como una guitarra, pero con una forma triangular plana y ensartada de lado a lado.


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text: Entre los instrumentos de viento utilizados en el período bíblico estaban la corneta, flauta, trompa, órgano, pipa y trompeta. También había trompetas de plata y el oboe doble. Werner concluye que de las mediciones tomadas de las trompetas en el Arco de Tito en Roma y de las monedas, que ""las trompetas eran muy agudas con un cuerpo delgado y un sonido estridente"". Agrega que en "War of the Sons of Light Against the Sons of Darkness", un manual para la organización militar y la estrategia descubierta entre los Rollos del Mar Muerto, estas trompetas ""parecen claramente capaces de regular su tono con bastante precisión, ya que se supone que sonarán bastante señales complicadas al unísono" ". Whitcomb escribe que el par de trompetas de plata fueron creadas de acuerdo con la ley mosaica y probablemente se encontraban entre los trofeos que el Emperador Tito trajo a Roma cuando conquistó Jerusalén. Agrega que en el Arco elevado al victorioso Tito, ""hay un relieve esculpido de estas trompetas, que muestran su forma antigua"" (ver foto)


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text: La flauta se usaba comúnmente para ocasiones festivas y de luto, según Whitcomb. ""Incluso el hebreo más pobre se vio obligado a emplear dos flautistas para actuar en el funeral de su esposa"". El shofar (el cuerno de un carnero) todavía se usa para fines litúrgicos especiales, como los servicios del Año Nuevo judío en las comunidades ortodoxas. Como tal, no se considera un instrumento musical sino un instrumento de simbolismo teológico que se ha mantenido intencionalmente en su carácter primitivo. En la antigüedad se usaba para advertir del peligro, para anunciar la luna nueva o el comienzo del sábado, o para anunciar la muerte de un notable. ""En su uso estrictamente ritual, llevó los gritos de la multitud a Dios"", escribe Werner.


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text: Entre los instrumentos de percusión había campanas, platillos, sistrum, tabret, tambores de mano y panderetas. El tabret, o timbrel, era un pequeño tambor de mano utilizado para ocasiones festivas, y se consideraba un instrumento de mujer. En los tiempos modernos fue utilizado a menudo por el Ejército de Salvación. Según la Biblia, cuando los hijos de Israel salieron de Egipto y cruzaron el Mar Rojo, "" Miriam tomó un timbre en sus manos; y todas las mujeres salieron tras ella con timbales y con danza"."


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text: En la antigua Grecia, los instrumentos de toda la música se pueden dividir en tres categorías, función de cómo se produce el sonido: cuerda, viento y percusión. Los siguientes fueron algunos de los instrumentos utilizados en la música de la antigua Grecia: En la "Eneida", Virgilio hace numerosas referencias a la trompeta. La lira, el kithara, los aulos, los hydraulis (órgano de agua) y la trompeta llegaron a la música de la antigua Roma.


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text: Los romanos pueden haber tomado prestado el método griego de 'notación enchiriádica' para guardar su música, si es que usaron alguna notación. Cuatro letras (en notación inglesa 'A', 'G', 'F' y 'C') indicaron una serie de cuatro tonos sucesivos. Los signos de ritmo, escritos sobre las letras, indicaban la duración de cada nota. El arte romano representa varios instrumentos de viento de madera, metal, percusión e instrumentos de cuerda. Los instrumentos de estilo romano se encuentran en partes del Imperio donde no se originaron, e indican que la música fue uno de los aspectos de la cultura romana que se extendió por todas las provincias. Los instrumentos romanos incluyen: Una serie de instrumentos musicales utilizados más adelante en la música europea medieval fueron influenciados por los musicales árabes instrumentos, incluido el rabel (un antecesor del violín ) de la "rebab" y la Naker de "naqareh." Muchos instrumentos europeos tienen raíces en instrumentos orientales anteriores que fueron adoptados del mundo islámico. El rabāb árabe, también conocido como el violín con púas, es el primer instrumento de cuerda con arco conocido y el antepasado de todos los instrumentos de arco europeos, incluidos el rebec, la lyra bizantina y el violín.


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text: Las versiones arrancadas e inclinadas del rebab existían una al lado de la otra. Los instrumentos inclinados se convirtieron en el rebec o rabel y los instrumentos punteados se convirtieron en la cisterna. Curt Sachs vinculó este instrumento con la mandola, el kopuz y el gambus, y nombró la versión inclinada rabâb.


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text: El oud árabe en la música islámica fue el antepasado directo del laúd europeo. El oud también se cita como precursor de la guitarra moderna. La guitarra tiene raíces en el oud de cuatro cuerdas, traído a Iberia por los moros en el siglo VIII. Un antepasado directo de la guitarra moderna es la "" (Guitarra morisca), que estaba en uso en España en 1200. En el siglo XIV, simplemente se la conocía como guitarra.


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text: El origen de los instrumentos musicales automáticos se remonta al siglo IX, cuando los hermanos persas de Banū Mūsā inventaron un órgano hidroeléctrico utilizando cilindros intercambiables con clavijas, y también una máquina automática para tocar flautas que usa energía de vapor. Estos fueron los primeros instrumentos musicales mecánicos automatizados. El flautista automático de los hermanos Banu Musa fue el primer dispositivo musical programable, el primer secuenciador musical, y el primer ejemplo de tecnología de música repetitiva, impulsado por sistemas hidráulicos.


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text: En 1206, el ingeniero árabe Al-Jazari inventó una banda de autómatas humanoides programables. Según Charles B. Fowler, los autómatas eran una " banda de robots " que realizaba "más de cincuenta acciones faciales y corporales durante cada selección musical". También fue la primera caja de ritmos programable. Entre los cuatro músicos autómatas, dos eran bateristas. Era una caja de ritmos donde las clavijas ( levas ) chocaban con pequeñas palancas que operaban la percusión. Se podría hacer que los bateristas tocasen ritmos diferentes y patrones de batería diferentes si se movieran las clavijas.


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text: Durante la era de la música medieval (476 a 1400), las melodías sencillas utilizadas para las canciones religiosas eran principalmente monofónicas (una sola línea, melodía no acompañada). En los primeros siglos de la era medieval, estos cantos fueron enseñados y difundidos por la tradición oral ("de oído"). La música medieval más antigua no tenía ningún tipo de sistema de notación para escribir melodías. Mientras Roma intentaba estandarizar los diversos cantos a través de vastas distancias de su imperio, se necesitaba una forma de notación musical para escribir las melodías. Se introdujeron varios signos escritos sobre los textos del canto, llamados "neumes". En el siglo IX, se estableció firmemente como el método principal de notación musical. El siguiente desarrollo en notación musical fue "neumes elevados", en el que los neumes se colocaron cuidadosamente a diferentes alturas entre sí. Esto permitió a los neumes dar una indicación aproximada del tamaño de un intervalo dado, así como la dirección.


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text: Esto condujo rápidamente a una o dos líneas, cada una representando una nota en particular, que se colocaron en la música con todos los neumes relacionados con ellas. La línea o líneas actuaron como punto de referencia para ayudar al cantante a determinar qué notas eran más altas o más bajas. Al principio, estas líneas no tenían un significado particular y, en cambio, tenían una letra colocada al principio que indicaba qué nota estaba representada. Sin embargo, las líneas que indican C central y la F un quinto debajo lentamente se hicieron más comunes. La finalización del personal de cuatro líneas generalmente se atribuye a Guido d 'Arezzo (c. 1000-1050), uno de los teóricos musicales más importantes de la Edad Media. El sistema de notación neumática, incluso en su estado completamente desarrollado, no definió claramente ningún tipo de ritmo para el canto de notas o la ejecución de melodías. El desarrollo de la notación musical hizo que fuera más rápido y fácil enseñar melodías a nuevas personas, y facilitó la difusión de la música a largas distancias geográficas.


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text: Los instrumentos utilizados para interpretar música medieval incluyen versiones anteriores, menos mecánicamente sofisticadas, de una serie de instrumentos que continuaron siendo utilizados en la década de 2010. Los instrumentos medievales incluyen la flauta, que estaba hecha de madera y se podía hacer como un instrumento de soplado lateral o extremo (carecía de las complejas llaves de metal y almohadillas herméticas de las flautas de metal de la era de 2010); la grabadora de madera y el instrumento relacionado llamado gemshorn ; y la flauta de pan (un grupo de columnas de aire unidas). La música medieval usaba muchos instrumentos de cuerda pulsada como el laúd, mandore, gittern y salterio. Los dulcímeros, similares en estructura al salterio y cítara, fueron arrancados originalmente, pero fueron golpeados por martillos en el siglo XIV después de la llegada de la nueva tecnología que hizo posible las cuerdas de metal.


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text: También se usaron cuerdas arqueadas. La lira arqueada del Imperio bizantino fue el primer instrumento de cuerda arqueada europeo registrado. El geógrafo persa Ibn Khurradadhbih del siglo IX (m. 911) citó a la lyra bizantina como un instrumento inclinado equivalente al rabāb árabe e instrumento típico de los bizantinos junto con el "urghun" (órgano), "shilyani" (probablemente un tipo de arpa o lira) y el "salandj" (probablemente una gaita). El hurdy-gurdy era un violín mecánico que usaba una rueda de madera rosinada unida a una manivela para "inclinar" sus cuerdas. Los instrumentos sin cajas de sonido como el arpa de mandíbula también fueron populares en la época. Las primeras versiones del órgano, el violín (o vielle ) y el trombón (llamado sackbut ) existieron en la época medieval.


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text: La era de la música del Renacimiento (c. 1400 a 1600) vio el desarrollo de muchas nuevas tecnologías que afectaron el desempeño y la distribución de canciones y piezas musicales. Alrededor de 1450, se inventó la imprenta, lo que hizo que las partituras impresas fueran mucho menos costosas y fáciles de producir en masa (antes de la invención de la imprenta, toda la música anotada se copiaba laboriosamente a mano). La mayor disponibilidad de partituras impresas ayudó a difundir los estilos musicales más rápidamente y en un área geográfica más grande.


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text: Muchos instrumentos se originaron durante el Renacimiento; otros eran variaciones o mejoras de instrumentos que habían existido previamente en la era medieval. Los instrumentos de latón en el Renacimiento fueron tradicionalmente tocados por profesionales. Algunos de los instrumentos de metal más comunes que se tocaron incluyen: Instrumentos de cuerda incluidos: Instrumentos de percusión incluidos: Instrumentos de viento de madera incluidos:  Durante la era barroca de la música (ca. 1600-1750), se desarrollaron tecnologías para instrumentos de teclado, lo que condujo a mejoras en los diseños de órganos de tubos y clavecines, y al desarrollo de los primeros pianos. Durante el período barroco, los constructores de órganos desarrollaron nuevos tipos de tubos y cañas que crearon nuevos colores tonales. Los constructores de órganos crearon nuevas paradas que imitaban varios instrumentos, como la viola da gamba. El período barroco se considera a menudo como la "edad de oro" de la construcción de órganos, ya que prácticamente todos los refinamientos importantes del instrumento llegaron a su punto máximo. Constructores como Arp Schnitger, Jasper Johannsen, Zacharias Hildebrandt y Gottfried Silbermann construyeron instrumentos que mostraban una artesanía exquisita y un sonido hermoso. Estos órganos presentaban acciones mecánicas clave bien equilibradas, que le daban al organista un control preciso sobre el discurso de la tubería. Los órganos de Schnitger presentaban timbres de caña particularmente distintivos y grandes divisiones de Pedal y Rückpositiv.


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text: Los constructores de clavecines en el sur de los Países Bajos construyeron instrumentos con dos teclados que podrían usarse para la transposición. Estos instrumentos flamencos sirvieron como modelo para la construcción de clavecines de la era barroca en otras naciones. En Francia, los teclados dobles se adaptaron para controlar diferentes coros de cuerdas, haciendo un instrumento más flexible musicalmente (p. Ej., El manual superior se podía poner en una parada de laúd silencioso, mientras que el manual inferior se podía parar con coros de cuerdas múltiples, para un sonido más fuerte). Los instrumentos de la cima de la tradición francesa, de fabricantes como la familia Blanchet y Pascal Taskin, se encuentran entre los clavecines más admirados y se utilizan con frecuencia como modelos para la construcción de instrumentos modernos. En Inglaterra, las firmas Kirkman y Shudi produjeron clavecines sofisticados de gran poder y sonoridad. Los constructores alemanes ampliaron el repertorio de sonido del instrumento agregando coros de dieciséis pies, agregando al registro inferior y dos coros de pie, que agregaron al registro superior.


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text: El piano fue inventado durante la era barroca por el experto fabricante de clavecines Bartolomeo Cristofori (1655–1731) de Padua, Italia, quien fue empleado por Ferdinando de 'Medici, Gran Príncipe de Toscana. Cristofori inventó el piano en algún momento antes de 1700. Mientras que el clavicordio permitía un control expresivo del volumen, con pulsaciones de teclas más fuertes o más fuertes creando un sonido más fuerte (y viceversa) y notas bastante sostenidas, era demasiado silencioso para grandes actuaciones. El clavecín produjo un sonido suficientemente fuerte, pero ofreció poco control expresivo sobre cada nota. Presionar una tecla de clavecín más fuerte o más suave no tuvo ningún efecto en el volumen del instrumento. El piano ofreció lo mejor de ambos, combinando volumen con control dinámico. El gran éxito de Cristofori fue resolver, sin ningún ejemplo previo, el problema mecánico fundamental del diseño del piano: el martillo debe golpear la cuerda, pero no permanecer en contacto con ella (ya que una tangente permanece en contacto con una cuerda de clavicordio) porque esto humedecería el sonar. Además, el martillo debe volver a su posición de reposo sin rebotar violentamente, y debe ser posible repetir la misma nota rápidamente. La acción de piano de Cristofori fue un modelo para los muchos enfoques de las acciones de piano que siguieron. Los primeros instrumentos de Cristofori eran mucho más fuertes y tenían más sostenimiento que el clavicordio. Aunque el piano fue inventado en 1700, el clavicordio y el órgano de tubos continuaron siendo ampliamente utilizados en conciertos de orquesta y música de cámara hasta finales de 1700. Le tomó tiempo al nuevo piano ganar popularidad. Sin embargo, en 1800, el piano generalmente se usaba en lugar del clavecín (aunque el órgano de tubos seguía usándose en la música de la iglesia, como las misas).


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text: Desde aproximadamente 1790 en adelante, el piano de la era de Mozart experimentó enormes cambios que condujeron a la forma moderna del instrumento. Esta revolución fue en respuesta a la preferencia de los compositores y pianistas por un sonido de piano más potente y sostenido, y fue posible gracias a la Revolución Industrial en curso con recursos tales como alambre de piano de acero de alta calidad para cuerdas y fundición de precisión para la producción de hierro. marcos. Con el tiempo, el rango tonal del piano también aumentó de las cinco octavas del día de Mozart al rango de más de 7 que se encuentra en los pianos modernos. El progreso tecnológico temprano debía mucho a la firma de Broadwood. John Broadwood se unió a otro escocés, Robert Stodart, y un holandés, Americus Backers, para diseñar un piano en el caso del clavicordio, el origen del "gran". Lo lograron alrededor de 1777. Rápidamente se ganaron una reputación por el esplendor y el tono potente de sus instrumentos, con Broadwood construyendo unos que eran progresivamente más grandes, más fuertes y más robustos.


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text: Enviaron pianos a Joseph Haydn y Ludwig van Beethoven, y fueron la primera empresa en construir pianos con un rango de más de cinco octavas: cinco octavas y un quinto (intervalo) durante la década de 1790, seis octavas en 1810 (Beethoven usó el extra notas en sus trabajos posteriores), y siete octavas para 1820. Los fabricantes vieneses siguieron de manera similar estas tendencias; Sin embargo, las dos escuelas utilizaron diferentes acciones de piano: Broadwoods eran más robustos, los instrumentos vieneses eran más sensibles.


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text: La instrumentación de Beethoven para orquesta agregó flautín, contrabajo y trombones al final triunfal de su Sinfonía n.º 5. Un flautín y un par de trombones ayudan a generar tormenta y sol en la Sexta. El uso de Beethoven de flautín, contrabajo, trombones y percusión sintonizada en su Novena Sinfonía amplió el sonido de la orquesta.


title: Historia de la tecnología musical

text: Durante la era de la música romántica (c. 1810 a 1900), una de las formas clave en que las nuevas composiciones se dieron a conocer al público fue mediante la venta de partituras, que los amantes de la música aficionada tocarían en casa en su piano o en grupos de música de cámara, como cuartetos de cuerda. Los saxofones comenzaron a aparecer en algunas partituras de orquesta del siglo XIX. Si bien aparece solo como instrumentos solistas destacados en algunas obras, por ejemplo, la orquestación de Maurice Ravel de las "imágenes en una exposición" de Modest Mussorgsky y las "danzas sinfónicas de" Sergei Rachmaninoff, el saxofón se incluye en otras obras, como Boléro de "Ravel", Sergei Prokofiev 's Romeo y Julieta Suites 1 y 2. El euphonium se presenta en algunas obras románticas tardías y del siglo XX, generalmente interpretando partes marcadas como "tuba tenor", incluyendo "The Planets de" Gustav Holst y "Ein Heldenleben de" Richard Strauss. La tuba Wagner, un miembro modificado de la familia de los cuernos, aparece en el ciclo "Der Ring des Nibelungen de" Richard Wagner y en varias otras obras de Strauss, Béla Bartók y otros; tiene un papel destacado en la Sinfonía n.º 7 de Anton Bruckner en mi mayor. cornetas aparecen en el ballet "Swan Lake de" Pyotr Ilyich Tchaikovsky, "La Mer de" Claude Debussy y en varias obras orquestales de Hector Berlioz.


title: Historia de la tecnología musical

text: El piano continuó experimentando desarrollos tecnológicos en la era romántica, hasta la década de 1860. En la década de 1820, el centro de innovación en la construcción de pianos se había trasladado a París, donde la firma Pleyel fabricaba pianos utilizados por Frédéric Chopin y la firma Érard fabricaba los utilizados por Franz Liszt. En 1821, Sébastien Érard inventó la acción de doble escape, que incorporó una "palanca de repetición" (también llamada "balanza" ) que permitía repetir una nota incluso si la tecla aún no había alcanzado su posición vertical máxima. Esto facilitó la reproducción rápida de notas repetidas, un dispositivo musical explotado por Liszt. Cuando la invención se hizo pública, según la revisión de Henri Herz, la acción de doble escape se convirtió gradualmente en estándar en los pianos de cola, y todavía se incorpora a todos los pianos de cola actualmente producidos. Otras mejoras del mecanismo incluyeron el uso de revestimientos de martillo de fieltro en lugar de cuero o algodón en capas. El fieltro, que fue presentado por primera vez por Jean-Henri Pape en 1826, era un material más consistente, permitiendo rangos dinámicos más amplios a medida que aumentaban los pesos de los martillos y la tensión de las cuerdas. El pedal sostenuto, inventado en 1844 por Jean-Louis Boisselot y copiado por la firma Steinway en 1874, permitió una gama más amplia de efectos.


title: Historia de la tecnología musical

text: Una innovación que ayudó a crear el sonido del piano moderno fue el uso de un fuerte marco de hierro. También llamado "placa", el marco de hierro se asienta sobre la caja de resonancia y sirve como el baluarte principal contra la fuerza de la tensión de la cuerda que puede superar las 20 toneladas en un gran moderno. El marco de hierro fundido de una sola pieza fue patentado en 1825 en Boston por Alpheus Babcock, combinando la placa de metal del pasador de enganche (1821, reclamada por Broadwood en nombre de Samuel Hervé) y barras resistentes (Thom y Allen, 1820, pero también afirmó por Broadwood y Érard). La mayor integridad estructural del marco de hierro permitió el uso de cuerdas más gruesas, más tensas y más numerosas. En 1834, la firma Webster & Horsfal de Birmingham sacó una forma de alambre de piano hecha de acero fundido ; Según Dolge, era "tan superior al alambre de hierro que la empresa inglesa pronto tuvo el monopolio".


title: Historia de la tecnología musical

text: Otros avances importantes incluyeron cambios en la forma en que se colga el piano, como el uso de un "coro" de tres cuerdas en lugar de dos para todas las notas excepto las más bajas, y la implementación de una escala con cuerdas excesivas, en la que las cuerdas son colocado en dos planos separados, cada uno con su propia altura de puente. La estructura de acción mecánica del piano vertical fue inventada en Londres, Inglaterra en 1826 por Robert Wornum, y los modelos verticales se convirtieron en el modelo más popular, también amplificando el sonido.


title: Historia de la tecnología musical

text: Con la música del siglo XX, hubo un gran aumento en la escucha de música, ya que la radio ganó popularidad y los fonógrafos se usaron para reproducir y distribuir música. La invención de la grabación de sonido y la capacidad de editar música dieron lugar a nuevos subgéneros de la música clásica, incluidas las escuelas de composición electrónica acústica y Musique concrète. La grabación de sonido también fue una influencia importante en el desarrollo de géneros musicales populares, ya que permitió que las grabaciones de canciones y bandas se distribuyeran ampliamente. La introducción del sistema de grabación multipista tuvo una gran influencia en la música rock, ya que podía hacer mucho más que grabar la actuación de una banda. Utilizando un sistema multipista, una banda y su productor musical podrían sobregrabar muchas capas de pistas de instrumentos y voces, creando nuevos sonidos que no serían posibles en una actuación en vivo.


title: Historia de la tecnología musical

text: La orquesta del siglo XX fue mucho más flexible que sus predecesoras. En la época de Beethoven y Felix Mendelssohn, la orquesta estaba compuesta por un núcleo bastante estándar de instrumentos que rara vez se modificaba. A medida que pasaba el tiempo, y a medida que el período romántico vio cambios en la modificación aceptada con compositores como Berlioz y Mahler, el siglo XX vio que el compositor prácticamente podía elegir la instrumentación. Los saxofones se usaron en algunas partituras de orquesta del siglo XX, como las Sinfonías 6 y 9 de Vaughan Williams y "la Fiesta de Belshazzar de" William Walton, y muchas otras obras como miembro del conjunto orquestal. En la década de 2000, la orquesta moderna se estandarizó con la instrumentación moderna que incluye una sección de cuerda, instrumentos de viento de madera, instrumentos de metal, percusión, piano, celeste e incluso, para algunas obras del siglo XX o XXI, instrumentos eléctricos como guitarra eléctrica, eléctrica. bajo y / o instrumentos electrónicos como el Theremin o el sintetizador.


title: Historia de la tecnología musical

text: La tecnología de música eléctrica se refiere a instrumentos musicales y dispositivos de grabación que utilizan circuitos eléctricos, que a menudo se combinan con tecnologías mecánicas. Ejemplos de instrumentos musicales eléctricos incluyen el piano eléctrico electromecánico (inventado en 1929), la guitarra eléctrica (inventada en 1931), el órgano Hammond electromecánico (desarrollado en 1934) y el bajo eléctrico (inventado en 1935). Ninguno de estos instrumentos eléctricos produce un sonido que sea audible para el intérprete o la audiencia en un entorno de actuación a menos que estén conectados a amplificadores de instrumentos y gabinetes de altavoces, lo que los hizo sonar lo suficientemente alto como para que los intérpretes y la audiencia los escuchen. Los amplificadores y altavoces están separados del instrumento en el caso de la guitarra eléctrica (que usa un amplificador de guitarra ), bajo eléctrico (que usa un amplificador de bajo ) y algunos órganos eléctricos (que usan un altavoz Leslie o un gabinete similar) y pianos eléctricos. Algunos órganos eléctricos y pianos eléctricos incluyen el amplificador y la caja del altavoz dentro de la carcasa principal del instrumento.


title: Historia de la tecnología musical

text: Un piano eléctrico es un instrumento musical eléctrico que produce sonidos cuando un intérprete presiona las teclas del teclado musical estilo piano. Al presionar las teclas, los martillos mecánicos golpean cuerdas o dientes metálicos, lo que genera vibraciones que se convierten en señales eléctricas mediante captadores magnéticos, que luego se conectan a un amplificador de instrumento y un altavoz para emitir un sonido lo suficientemente alto como para que el artista y la audiencia lo escuchen. A diferencia de un sintetizador, el piano eléctrico no es un instrumento electrónico. En cambio, es un instrumento electromecánico. Algunos pianos eléctricos primitivos usaban longitudes de cable para producir el tono, como un piano tradicional. Los pianos eléctricos más pequeños usaban astillas cortas de acero, dientes de metal o alambres cortos para producir el tono. Los primeros pianos eléctricos se inventaron a fines de la década de 1920.


title: Historia de la tecnología musical

text: Una guitarra eléctrica es una guitarra que utiliza una pastilla para convertir la vibración de sus cuerdas en impulsos eléctricos. La pastilla de guitarra más común utiliza el principio de inducción electromagnética directa. La señal generada por una guitarra eléctrica es demasiado débil para activar un altavoz, por lo que se amplifica antes de enviarse a un altavoz. La salida de una guitarra eléctrica es una señal eléctrica, y la señal puede ser alterada fácilmente por circuitos electrónicos para agregar "color" al sonido. A menudo, la señal se modifica utilizando efectos electrónicos como reverberación y distorsión. Inventada en 1931, la guitarra eléctrica se convirtió en una necesidad ya que los guitarristas de jazz buscaban amplificar su sonido en el formato de banda grande.


title: Historia de la tecnología musical

text: El órgano Hammond es un órgano eléctrico, inventado por Laurens Hammond y John M. Hanert y fabricado por primera vez en 1935. Se han producido varios modelos, la mayoría de los cuales usan barras deslizantes para crear una variedad de sonidos. Hasta 1975, los órganos de Hammond generaban sonido al crear una corriente eléctrica al girar una rueda de metal cerca de una pastilla electromagnética. Se han fabricado alrededor de dos millones de órganos de Hammond, y se ha descrito como uno de los órganos más exitosos. El órgano se usa comúnmente y está asociado con el hablante Leslie. El órgano fue originalmente comercializado y vendido por Hammond Organ Company a las iglesias como una alternativa de menor costo al órgano de tubos impulsado por el viento, o en lugar de un piano. Rápidamente se hizo popular entre los líderes profesionales de la banda de jazz, quienes descubrieron que el sonido de un órgano de Hammond que llenaba la habitación podía formar pequeñas bandas, como tríos de órganos, que eran menos costosas que pagar a una gran banda entera.


title: Historia de la tecnología musical

text: El bajo eléctrico (o bajo) se inventó en la década de 1930, pero no tuvo éxito comercial ni se utilizó ampliamente hasta la década de 1950. Es un instrumento de cuerda juega principalmente con los dedos o el pulgar, por el punteo, golpeando, haciendo estallar, tocando, tocando, golpes, o recoger con una púa, a menudo conocido como un pico. El bajo es similar en apariencia y construcción a una guitarra eléctrica, pero con un cuello y una escala más largos, y cuatro o seis cuerdas o cursos. El bajo eléctrico generalmente usa cuerdas de metal y una captación electromagnética que detecta las vibraciones en las cuerdas. Al igual que la guitarra eléctrica, el bajo está conectado a un amplificador y un altavoz para actuaciones en vivo.


title: Historia de la tecnología musical

text: La tecnología de música electrónica o digital es cualquier dispositivo, como una computadora, una unidad de efectos electrónicos o software, que es utilizado por un músico o compositor para ayudar a hacer o interpretar música. El término generalmente se refiere al uso de dispositivos electrónicos, hardware informático y software informático que se utiliza en la interpretación, reproducción, grabación, composición, grabación y reproducción de sonido, mezcla, análisis y edición de música. La tecnología de música electrónica o digital está conectada a la creatividad artística y tecnológica. Los músicos y los expertos en tecnología musical se esfuerzan constantemente por idear nuevas formas de expresión a través de la música, y físicamente están creando nuevos dispositivos y software para que puedan hacerlo. Aunque en la década de 2010, el término se usa más comúnmente en referencia a dispositivos electrónicos modernos y software de computadora, como estaciones de trabajo de audio digital y software de grabación de sonido digital Pro Tools, las tecnologías musicales electrónicas y digitales tienen precursores en las tecnologías de música eléctrica de principios del siglo XX., como el órgano electromecánico de Hammond, que se inventó en 1929. En la década de 2010, el rango ontológico de la tecnología musical ha aumentado considerablemente, y ahora puede ser electrónico, digital, basado en software o incluso puramente conceptual.


title: Historia de la tecnología musical

text: Un sintetizador es un instrumento musical electrónico que genera señales eléctricas que se convierten en sonido a través de amplificadores de instrumentos y altavoces o auriculares. Los sintetizadores pueden imitar sonidos existentes (instrumentos, voces, sonidos naturales, etc.) o generar nuevos timbres electrónicos o sonidos que no existían antes. A menudo se tocan con un teclado musical electrónico, pero se pueden controlar a través de una variedad de otros dispositivos de entrada, incluidos secuenciadores de música, controladores de instrumentos, diapasones, sintetizadores de guitarra, controladores de viento y baterías electrónicas. Los sintetizadores sin controladores integrados a menudo se denominan módulos de sonido y se controlan mediante un dispositivo controlador.


title: Marcello Bondi

text: Marcello Bondi (Sassuolo, Módena, Italia, 11 de julio de 1995) es un escritor y guionista de cómic italiano.


title: Marcello Bondi

text: En 2015 debutó como guionista de cómics publicando una historia breve de "Diabolik". En el bienio 2015-2016 asistió a las clases de guionización y escritura creativa de la "Scuola internazionale di Comics". Creó el web-comic "Altrove...", una serie antológica de historias breves, publicada en el sitio Oltrecomics, y escribió una historia breve para el álbum antológico "No Words" del dibujante Marco Turini, editada por la editorial RandO Comics en República Checa. También realizó historias breves para la revista digital "SBAM! Comics", la "Revista Comics" rumana y la "Revista HB" argentina.


title: Marcello Bondi

text: Para la editorial canadiense Lucha Comics escribió la novela gráfica "Senza Nome", en diez álbumes. Volvió a escribir un guion de "Diabolik", esta vez para la serie regular. Publicó historias breves para revistas de la casa inglesa Future Quake Press e de la italiana Aurea. Realizó entrevistas para "Fumo Di China" y "Diabolikando". Para Art Steady escribió algunas historias de la web-serie "90 Ways To Die". En 2018 escribió una historia breve de "Tex", guionizada por Mauro Boselli.


title: Kumano (Mie)

text: Según datos del censo japonés, la población de Kumano ha disminuido en los últimos años.


title: Hartley (unidad)

text: El hartley (símbolo Hart), también llamado ban o dit (abreviatura de decimal digit ), es una unidad logarítmica que mide información o entropía, basada en logaritmos de base 10 y potencias de 10, en lugar de potencias de 2 y logaritmos de base 2 que definen el bit o shannon. Un ban o hartley es el contenido de información de un evento si la probabilidad de que el evento ocurra es 1/10. Por lo tanto, es igual a la información contenida en un dígito decimal (o dit), suponiendo la equiprobabilidad "a priori" de cada valor posible.


title: Hartley (unidad)

text: Al igual que un bit corresponde a un dígito binario, un ban corresponde a un dígito decimal. Un deciban es una décima parte de un ban; el nombre está formado por "ban" con el prefijo del SI "deci-" .


title: Hartley (unidad)

text: Un hartley corresponde a log (10) bit = ln (10) nat, o aproximadamente 3.322 Sh, o 2.303 nat. Un deciban es aproximadamente 0.332 Sh.


title: Hartley (unidad)

text: Aunque no es una unidad del SI, el Hartley es parte del Sistema Internacional de Cantidades, definido por la Norma Internacional IEC 80000-13 de la Comisión Electrotécnica Internacional. Lleva el nombre de Ralph Hartley.


title: Hartley (unidad)

text: El término "Hartley" lleva el nombre de Ralph Hartley, quien sugirió en 1928 utilizar para medir la información una base logarítmica igual al número de estados distinguibles en su representación, lo que sería la base 10 de un dígito decimal.


title: Hartley (unidad)

text: El "ban" y el "deciban" fueron inventados por Alan Turing en colaboración con I. J. Good en 1940, para medir la cantidad de información que los descifradores de códigos de Bletchley Park podían deducir mediante el procedimiento denominado "Banburismus", con el fin de determinar la configuración desconocida de cada día de la máquina de cifrado naval alemana Enigma. El nombre se inspiró en las enormes hojas de cartulina, impresas en la ciudad de Banbury, a unas 30 millas de distancia, que se utilizaron en el proceso.


title: Hartley (unidad)

text: Jack Good argumentó que la suma secuencial de "decibans" para construir una medida del peso de la evidencia a favor de una hipótesis, es esencialmente un proceso de inferencia bayesiana. Donald A. Gillies, sin embargo, argumentó que el "ban" es, en efecto, lo mismo que la medida de Karl Popper de la rigurosidad de una prueba.


title: Hartley (unidad)

text: El deciban es una unidad particularmente útil para las probabilidades de registro, especialmente como una medida de información sobre factores de Bayes, razones de probabilidades (cocientes de probabilidades, por lo que una probabilidad de registro es la diferencia de probabilidades de registro al calcularse logarítmicamente) o ponderaciones de evidencia. 10 decibans corresponde a probabilidades de 10:1; 20 decibans a probabilidades de 100:1, etc. Según I. J. Good, un cambio en el peso de la evidencia de 1 deciban (es decir, un cambio en las probabilidades de igualar a aproximadamente 5:4) coincide con la medida en la que los humanos pueden razonablemente cuantificar su grado de creencia en una hipótesis.


title: Hartley (unidad)

text: Las probabilidades correspondientes a los decibans enteros a menudo se pueden aproximar bien mediante razones enteras simples, que se listan a continuación. La tabla contiene un valor con dos decimales, una aproximación simple (dentro de aproximadamente el 5%), y una aproximación más precisa (dentro del 1%) si la aproximación simple no es precisa:


title: Palacio del Techo de Cobre

text: El palacio del techo de cobre () es un palacio del siglo XVIII en Varsovia, Polonia. Su nombre se debe a su techo recubierto de cobre, una rareza a comienzos del siglo XVIII. Desde 1989 el Palacio es una dependencia del Museo del Castillo Real.


title: Palacio del Techo de Cobre

text: El palacio se encuentra contiguo al Castillo Real de Varsovia, y en la base de una suave pendiente de donde se alzan la Plaza del Castillo y el centro antiguo de Varsovia. Debajo del castillo, existe un alojamiento que se remonta al siglo XVII. La casa patricia original de Wawrzyniec Reffus fue construida en 1651-56. Después de su destrucción en 1657 por el ejército de Jorge Rákóczi II, el edificio fue completamente remodelado en 1698-1701 para Jerzy Dominik Lubomirski.


title: Palacio del Techo de Cobre

text: Lubomirski construyó el ala sur, perpendicular al resto de la estructura, y expandió la elevación occidental. Poco después, el palacio pasó a llamarse "Palais Martin" en referencia al nieto de Lubomirski. En 1720 el palacio fue reconstruido con la adición de una ala norte; y el interior fue decorado con pinturas rococó.


title: Palacio del Techo de Cobre

text: Después de 1777, el palacio pasó a manos del último rey de Polonia, Stanisław August Poniatowski, quien contrató al arquitecto Domenico Merlini para rediseñar las habitaciones y adosarle el ala de la biblioteca del Castillo Real. El Rey luego regaló el palacio redecorado a su sobrino, el Príncipe Józef Poniatowski. El príncipe fue un comandante exitoso en la Insurrección de Kościuszko en 1794, y más tarde uno de los mariscales de Napoleón Bonaparte. Estando en manos del Príncipe, el Palacio se convirtió en centro de la escena social de clase alta de Varsovia.


title: Palacio del Techo de Cobre

text: Cuando Varsovia se convirtió en parte del Reino de Prusia después de la Tercera Partición de Polonia (1795), el Palacio se convirtió en la sede del Ministerio de Guerra de Prusia.


title: Palacio del Techo de Cobre

text: El palacio del techo de cobre fue quemado deliberadamente en 1944 por los ocupantes alemanes. En 1948-49 fue reconstruido, basándose en pinturas del siglo XVIII de Bernardo Bellotto.


title: Palacio del Techo de Cobre

text: Desde fines del siglo XX el palacio es un museo, parte del Castillo Real de Varsovia, y alberga una biblioteca histórica y una exposición permanente de alfombras orientales.


title: Kuwana (Mie)

text: Según datos del censo japonés, la población de Kuwana ha aumentado en los últimos años.


title: Vis a vis: El Oasis

text: Vis a vis: El Oasis (también conocida únicamente como El Oasis) es una serie española de género dramático producida por Globomedia y FOX Networks Group España. Esta es una serie derivada de "Vis a vis", protagonizada por Maggie Civantos y Najwa Nimri, que se estrenó en la cadena FOX España el 20 de abril de 2020.


title: Vis a vis: El Oasis

text: Después dos años dedicándose a atracar joyerías y casinos para Macarena (Maggie Civantos) y Zulema (Najwa Nimri) es hora de separarse. Para ello preparan un último atraco que tende como objetivo robarle una tiara de diamantes a la joven hija de un importante narco mexicano durante la boda de la chica. Las dos mujeres han la ayuda de Goya (Itziar Castro), Mónica (Lisi Linder), Triana (Claudia Riera) y «La Flaca» (Isabel Naveira) para realizar este robo. Horas después del robo deben encontrarse todas en el Hotel Oasis para repartir el botín. Sin embargo, el plan no resulta tan perfecto como tenían previsto y la situación se complica a cada momento. El día 23 de enero de 2019 la cadena FOX España dijo que "Vis a vis" acabaría definitivamente en su cuarta temporada, cerrando todas las tramas de la serie. Tras la emisión del último episodio de la serie el 4 de febrero del mismo año, en el cual los personajes Macarena y Zulema acabaron fuera de prisión atracando una joyería de lujo, los seguidores de la serie empezaron a pedir una serie derivada que continuase contando las aventuras de las protagonistas. Así, hicieron trending topic numerosas veces su petición a través de la red social Twitter y organizaron diversos eventos y recogidas de firmas.


title: Vis a vis: El Oasis

text: La cadena FOX España y las productoras Globomedia y FOX Networks Group España empezaron a mantener varias reuniones para plantear la posibilidad de desarrollar la serie derivada. Al acordar que por su parte había disposición de desarrollarla, preguntaron a Maggie Civantos y Najwa Nimri si estaban dispuestas a participar en el proyecto interpretando a sus respectivos personajes. En una entrevista concedida a un portal de Internet, el creador y guionista Iván Escobar declaró que la serie dependía de lo que decidiesen las actrices.


title: Vis a vis: El Oasis

text: Unos meses después, concretamente el 23 de mayo de 2019, FOX España y Globomedia confirmaron oficialmente la producción de la serie derivada, que tendría como título "El Oasis". Asimismo se dio a conocer la presencia en la serie de las actrices Maggie Civantos y Najwa Nimri y se adelantó que varios rostros de la serie original también se dejarían ver a lo largo de los ocho capítulos que compondrían la única temporada.


title: Vis a vis: El Oasis

text: Los encargados de escribir los guiones de los ocho episodios fueron Iván Escobar (uno de los creadores de "Vis a vis"), J. M. Ruiz Córdoba (guionista de la tercera y cuarta temporada) y Lucía Carballal (guionista de la cuarta temporada). Tras estar trabajando sobre la trama y los guiones de la serie durante aproximadamente un año, a mediados de agosto enviaron a los actores los guiones de los episodios, aunque las versiones definitivas de los mismos se entregaron en septiembre. A diferencia de las anteriores temporadas, esta vez se habían escrito los guiones de todos los episodios antes de empezar el rodaje.


title: Vis a vis: El Oasis

text: La trama principal de la serie se desveló en la nota de prensa publicada el 21 de octubre. El 30 de octubre, en la presentación del rodaje ante los medios de comunicación, Iván Escobar adelantó más detalles sobre la serie, afirmando, entre otras cosas, que los espectadores verían en los capítulos cómo fue el reencuentro entre Macarena y Zulema tras salir de la cárcel, así como su primer atraco.


title: Vis a vis: El Oasis

text: A finales de julio de 2019 los medios de comunicación adelantaron el fichaje de los actores argentinos Ana María Picchio y Lucas Ferraro para la serie. La noticia fue oficializada por FOX España el 21 de octubre, mediante la nota de prensa en la que se anunciaba el comienzo del rodaje. Además, en este comunicado se confirmaron los nombres de los actores que completaban el reparto, entre los que se encontraban Itziar Castro, Lisi Linder, Claudia Riera e Isabel Naveira, entre otros. De la misma manera, se anunció que Ramiro Blas y Daniel Ortiz, que ya participaron en anteriores temporadas de "Vis a vis", también colaborarían en la producción. El 28 de enero de 2020, en la última semana de rodaje, se confirmó la colaboración especial de Alba Flores en la serie, interpretando a su personaje de "Vis a vis" Saray Vargas para despedir definitivamente la franquicia.


title: Vis a vis: El Oasis

text: La filmación de la serie comenzó oficialmente el 21 de octubre de 2019 en Madrid, aunque la semana anterior, concretamente el 17 de octubre, ya se grabaron los primeros planos. Después de rodar durante un mes escenas exteriores como la del gran atraco, en noviembre el rodaje se trasladó a Almería. De esta forma, la grabación de los exteriores del Hotel Oasis se produjo en Agua Amarga, y también se rodó en el Desierto de Tabernas. Tras estar tres semanas en Almería, en diciembre volvieron a Madrid para seguir rodando escenas de plató en los estudios de Adisar Media así como otros exteriores. Finalmente, el rodaje de la serie concluyó la noche del 31 de enero de 2020.


title: Rebobinado

text: Rebobinado es una película argentina filmada en colores dirigida por Juan Francisco Otaño sobre su propio guion escrito en colaboración con Leonardo Centeno que se estrenó el 1 de agosto de 2019 y que tuvo como actores principales a Matías Dinardo, Estefania Bavassi, Juan Carrasco, Dario Fontana , Lucas Di Consa y Fabio Taphanel.


title: Rebobinado

text: Alejandro, un joven de 30 años de vida monótona, que sueña con ser como los protagonistas de películas, encuentra una antigua casetera que puede transportarlo al pasado y trata de modificarlo.


title: Rebobinado

text: Intervinieron en el filme los siguientes intérpretes: Ezequiel Boetti en Página 12 opinó: Matías Orta en el sitio web asalallena escribió: Bruno Calabrese en el sitio web cineargentinohoy escribió: Daniel Alvarez en el sitio web la butaca web escribió: Ale Turdó en el sitio escribiendo cine escribió:  Los premios otorgados a la película son:


title: Jodi Huisentruit

text: Jodi Sue Huisentruit (Long Prairie, Minnesota; 5 de junio de 1968 - declarada legalmente muerta en mayo de 2001) fue una presentadora de noticias de televisión estadounidense que desapareció en la madrugada del 27 de junio de 1995, poco después de hablar con un conocido y decirle que se dirigía a su puesto de trabajo. La policía encontró signos de violencia en su domicilio, lo que llevó la investigación en un primer momento a pensar que fue un secuestro. Posteriores investigaciones no consiguieron determinar su paradero ni encontrar nuevas pistas sobre su desaparición.


title: Jodi Huisentruit

text: Huisentruit nació y creció en Long Prairie, localidad del estado de Minnesota. Era la hija menor de Maurice Nicholas Huisentruit (1920–1982) e Imogene L. "Jane" Huisentruit (nacida Anderson, 1923–2014). En la escuela secundaria destacó en el equipo de golf, siendo considerada un talento prometedor, y llevando a su equipo a ganar el torneo estatal de Clase A en 1985 y 1986. Después de la secundaria, fue a la Universidad Estatal de St. Cloud, donde se graduó en Comunicación en 1990. Su primer trabajo después de la universidad fue en la aerolínea Northwest Airlines. Llegó a ser contratada por la cadena de televisión KGAN (filial de CBS) en Iowa. Tras un receso en su estado natal, en otra emisora local, regresó a Iowa para trabajar en KIMT, otra filial de CBS.


title: Jodi Huisentruit

text: El día antes de su desaparición, Huisentruit participó en un torneo de golf; y de acuerdo con un amigo suyo, John Vansice, residente de Mason City (Iowa), ella fue a su casa para ver el vídeo casero de la celebración del cumpleaños que él mismo había organizado para ella a principios de ese mes.


title: Jodi Huisentruit

text: Aproximadamente a las 4 de la madrugada del martes 27 de junio de 1995, la productora de KIMT Amy Kuns notó que Huisentruit no se había presentado a trabajar como estaba programado. Fue entonces cuando llamó a su domicilio. Huisentruit llegó a contestar al teléfono, y explicó que se había quedado dormida y que se estaba preparando para irse a la estación. Sin embargo, dos horas más tarde, a las 6 de la mañana, todavía no había llegado, y Kuns tuvo que reemplazarla en el programa matutino que debía presentar. Al finalizar el programa, a las 7 de la mañana, y con Huisentruit sin aparecer por la redacción, el equipo de KIMT llamó a la policía de Mason City.


title: Jodi Huisentruit

text: Cuando la policía se personó en el domicilio, encontraron que su Mazda Miata rojo seguía aparcado fuera. Encontraron pruebas que determinaron que pudo haber una lucha cerca de su automóvil. Se encontraron artículos personales, entre estos las llaves del coche. La policía también informó que recuperó una huella de palma no identificada de su vehículo.


title: Jodi Huisentruit

text: La investigación posterior reveló al menos tres vecinos en su complejo de apartamentos que dijeron haber escuchado gritos aproximadamente cuando Huisentruit probablemente se habría ido a trabajar. Un vecino cercano informó haber visto una camioneta blanca estacionada con sus luces encendidas en el estacionamiento aproximadamente al mismo tiempo. Esta camioneta nunca fue identificada positivamente.


title: Jodi Huisentruit

text: En septiembre de 1995, la familia Huisentruit contrató a los investigadores privados de McCarthy & Associates, de Minneapolis (Minnesota), que a su vez solicitaron la asistencia del investigador privado Doug Jasa, de Omaha (Nebraska). McCarthy y Jasa aparecieron en varios programas de televisión nacionales, incluidos los misterios más buscados y sin resolver de Estados Unidos. En noviembre de 1995, junto a algunos miembros de la familia de Jodi viajaron a Los Ángeles para reunirse con tres psíquicos prominentes. Esta reunión fue televisada y sirvió como piloto para el programa de televisión "Psychic Detectives". Aunque cada programa generó varias pistas, ninguna resultó en evidencia concreta o identificación de un sospechoso.


title: Jodi Huisentruit

text: En mayo de 1996, unos 100 voluntarios registraron un área del condado de Cerro Gordo y dejaron banderas para marcar cualquier cosa que pareciera sospechosa. Cada uno de estos sitios fue reexaminado por la policía, pero no se encontraron pruebas prometedoras.


title: Jodi Huisentruit

text: Desde la desaparición de Huisentruit en 1995, la policía y los investigadores privados han realizado más de 1000 entrevistas para investigar su caso. Sin embargo, ninguno ha resultado en evidencia concluyente que apunte hacia un sospechoso. Huisentruit fue declarado legalmente muerto en mayo de 2001.


title: Jodi Huisentruit

text: Tiempo después surgieron diversos resurgimientos periódicos en la historia. Pero no se ha identificado ningún sospechoso en la desaparición de Huisentruit y todos los restos descubiertos al destino han demostrado ser de otras fuentes. En 2005, muchos medios de comunicación, nuevamente se centraron en la historia a medida que se acercaba el décimo aniversario de su desaparición.


title: Jodi Huisentruit

text: A principios de junio de 2008, las fotocopias de las 84 páginas del diario personal de Huisentruit se enviaron por correo anónimamente a un periódico local. El "Mason City Globe Gazette" recibió el material en un sobre grande sin dirección de devolución y un matasellos del 4 de junio de Waterloo (Iowa). El diario original ha estado en posesión de la policía desde que comenzó la investigación de la desaparición. En unos días, la policía de Mason City informó que el remitente se había presentado y luego la identificó como la esposa del exjefe de policía de Mason City. Aunque señaló que el exjefe había llevado una copia del diario a su casa cuando dejó el cargo, la policía no dio motivos para que su esposa lo enviara al periódico.


title: Jodi Huisentruit

text: El FBI, el Departamento de Policía de Mason City, la División de Investigación Criminal de Iowa y los investigadores privados continuaron trabajando activamente en la desaparición de Huisentruit y el programa de televisión "Nancy Grace: America's Missing" destacó su caso el 23 de febrero de 2011, y nuevamente el 6 de diciembre de 2013.


title: Jodi Huisentruit

text: En diciembre de 2016, el político John Kooiker, que representó al Cuarto Distrito del Estado de Iowa en la Cámara de Representantes entre 2015 y 2017, describió su experiencia con el caso como miembro del Comité de Seguridad Pública de la Casa del Estado de Iowa y sugirió un encubrimiento por parte de funcionarios de Mason City. Su artículo de opinión fue publicado en "The N'West Iowa Review".


title: Aseret Yemei Teshuvá

text: Aseret Yemei Teshuvá (en hebreo: עשרת ימי תשובה): Son los diez días de arrepentimiento entre Rosh Hashaná, y Yom Kipur, inclusive estos dos días. El propósito de los diez días es el arrepentimiento, la reconciliación y la expiación de los pecados del año anterior. Durante estos días los creyentes piden perdón a Dios por los pecados cometidos contra Él, al mismo tiempo que buscan la reconciliación con aquellas personas contra quienes se han cometido agravios, puesto que las faltas contra otras personas solo se pueden expiar previo perdón de la persona agraviada. Durante los diez días, también conocidos con el nombre de "Yamim noraim" se trabaja y se llevan a cabo las actividades de un día normal, excepto los dos días de Rosh Hashaná (1 y 2 de Tishréi), el día de Yom Kipur (10 de Tishréi), y el Shabat.


title: Gibraltar National League 2019-20

text: La Primera División de Gibraltar 2019-20 fue la primera edición de la Gibraltar National League. La liga se anunció en junio de 2019 cuando la Asociación de Fútbol de Gibraltar decidió fusionar la Primera División con la Segunda División de Gibraltar al final de la temporada 2018-19. El 1 de agosto de 2019, se confirmó que la liga sería disputada por 16 equipos.


title: Gibraltar National League 2019-20

text: A la luz de la pandemia del Covid-19, la temporada se suspendió en marzo de 2020. El Grupo Challenge fue abandonado, mientras que la FA de Gibraltar buscó concluir el Grupo Campeonato de alguna forma. El 1 de mayo de 2020, la Asociación de Fútbol de Gibraltar anunció que la temporada del fútbol nacional había terminado. Después de que la liga discutió si se otorgaría el título, la FA de Gibraltar anunció el 7 de mayo de 2020 que la temporada fue declarada nula y el título permanecería vacante.


title: Gibraltar National League 2019-20

text: El 1 de agosto de 2019, la GFA confirmó los detalles de la reestructuración del fútbol nacional en Gibraltar y el formato de la nueva liga de 16 equipos. Los equipos jugarán en una sola ronda como una sola liga, antes de dividirse en dos grupos: el Grupo de Campeonato disputado por los 8 mejores equipos y el Grupo de desafío entre los 8 peores. Los ganadores del Grupo Challenge recibirán el Trofeo GFA Challenge y entrarán directamente a la segunda ronda de la Rock Cup de la próxima temporada.


title: Gibraltar National League 2019-20

text: Un total de 16 equipos disputaran la liga incluyendo los 10 equipos participantes de la Primera División de Gibraltar 2018-19, y los 6 participantes de la Segunda División de Gibraltar 2018-19 excepto el Hound Dogs. Sin embargo, Gibraltar Phoenix, Gibraltar United, y Leo se retiraron de la liga antes de jugar un juego. El 11 de septiembre, la GFA expulsó al FC Olympique.


La Comisión Mixta para las Relaciones con el Tribunal de Cuentas es una comisión conjunta de las Cortes Generales compuesta por 39 miembros del Congreso de los Diputados y del Senado. A través de esta comisión las Cortes ejercen sus funciones de control sobre el Tribunal de Cuentas.


title: Comisión Mixta para las Relaciones con el Tribunal de Cuentas

text: Constituye un antecedente indirecto de la actual Comisión Mixta, la Comisión prevista en el artículo 4 de la Ley de 25 de junio de 1870, compuesta de siete senadores y siete diputados, cuya presidencia ejercían alternativamente por legislaturas cada uno de los Presidentes de las Cámaras y cuya función era el nombramiento del Presidente y de los Ministros del Tribunal.


text: Durante la larga historia del Tribunal de Cuentas, este ha dependido bien del poder ejecutivo o bien del poder legislativo. Esta última dependencia ha ocurrido en dos únicos periodos históricos, la Segunda República y el actual periodo democrático. Es por ello que el antecedente directo de la Comisión Mixta encargada de las relaciones con el Tribunal de Cuentas lo constituye la Comisión permanente que para entender en los asuntos que se relacionaran con el Tribunal de Cuentas de la República estaba prevista en el artículo 123 del Reglamento del Congreso de los Diputados de 20 de noviembre de 1934.


text: Esta disposición traducía así el sistema de relaciones configurado en el artículo 120 de la Constitución republicana de 1931 entre el Tribunal y el Parlamento. Este artículo 120 utilizaba la fórmula «el Tribunal de Cuentas dependerá directamente de las Cortes» luego retomada por la actual Constitución de 1978. Esta Comisión permanente estaba integrada por veintiún miembros (designados proporcionalmente a. la representación de cada grupo en la Cámara) y estaba presidida por el Presidente de la Cámara. Entre sus funciones figuraba la de realizar la propuesta de nombramiento del Presidente, Ministros, Fiscales y Secretario del Tribunal de Cuentas al Pleno del Congreso, así como dictaminar el Proyecto de Presupuesto del Tribunal redactado por el Pleno de este organismo, que debía ser sometido a la aprobación de las Cortes.


text: Si bien es una comisión mixta, la preponderancia del Congreso de los Diputados es evidente, puesto de los 39 miembros que la conforman, 22 son diputados y 17 senadores. De entre sus miembros se escoge una mesa formada por un presidente, dos vicepresidentes y dos secretarios. Dependiendo de si su presidente es diputado o senador, se reunirá en el Palacio de las Cortes o en el Palacio del Senado.


text: Las convocatorias las realiza el presidente de la Comisión con el beneplácito del presidente de la Cámara en la que ésta se reúna. Asimismo, de forma unilateral puede el presidente del Congreso o el presidente del Senado convocar una reunión de la Comisión Mixta, y de igual forma ambos cargos podrán presidir la Comisión.


text: II LegislaturaIII LegislaturaIV LegislaturaV LegislaturaVI LegislaturaVII LegislaturaVIII LegislaturaIX LegislaturaX LegislaturaXI LegislaturaXII LegislaturaXIII Legislatura


title: Vía Domiciana

text: La Vía Domiciana es el nombre moderno de la Vía Domitiana en la región de Campania en Italia, una importante calzada romana construida en el año 95, durante el reinado del emperador Domiciano, llamada así en su honor, con el propósito de facilitar el acceso hacia y desde los importantes puertos de Puteoli (la moderna Pozzuoli) y Portus Julius (puerto de origen de la flota imperial occidental, que comprendía las aguas alrededor de Bayas y el Cabo Miseno) en el golfo de Nápoles.


title: Vía Domiciana

text: La Vía Domiciana no fue construida desde cero, más bien se basó en una carretera secundaria existente y utilizó obras emprendidas en el período neroniano para la construcción de la "Fossa Neronis," un canal destinado a conectar Roma con Pozzuoli.


title: Vía Domiciana

text: Este camino nacía en la Vía Apia en Formia o Sinuesa. Seguía por la costa y cruzaba los ríos Savona y Volturno, pasaba por un área de lagunas costeras por Linterne y Cumas y terminaba en Pozzuoli. En 102 Trajano prolongó la Vía Domiciana hasta Nápoles. Los restos del puente romano sobre el Volturno, insertados en la fortaleza medieval, todavía son visibles en Castel Volturno.


title: Vía Domiciana

text: Fue dañado por Alarico en el año 420 y finalmente destruido por Genserico en 455. Fue parcialmente restaurado bajo varios gobernantes del Reino de Nápoles durante la Edad Media y su aspecto moderno es una carretera costera de importancia que conduce al norte desde Nápoles.


title: Vía Domiciana

text: Estacio escribió un poema completo sobre la Vía Domiciana. Recordó el progreso realizado por el nuevo camino y alabó al emperador. El poema también es un testimonio interesante sobre la construcción de carreteras en la época del Imperio Romano.


title: Bengala neerlandesa

text: La Bengala neerlandesa fue una dirección de la Compañía Neerlandesa de las Indias Orientales en la Bengala Mogol entre 1610 y hasta la liquidación de la compañía en 1800. Luego se convirtió en una colonia del Reino de los Países Bajos hasta 1825, cuando fue cedida a los británicos de acuerdo con el Tratado anglo-neerlandés de 1824. La presencia neerlandesa en la región comenzó con el establecimiento de un puesto comercial en Pipili en la desembocadura del río Subarnarekha en Odisha. La antigua colonia es parte de lo que hoy se llama la India neerlandesa. El 50% de los textiles y el 80% de las sedas se importaron de Bengala al Imperio neerlandés.


title: Bengala neerlandesa

text: A partir de 1615, la Compañía Neerlandesa de las Indias Orientales comercio con Bengala. En 1627, se estableció un puesto comercial en Pipily. En 1635 se estableció un asentamiento en Chinsurah adyacente a Hooghly para comerciar opio, sal, muselina y especias. Construyeron un fuerte llamado Fort Gustavus, una iglesia y varios otros edificios. Un famoso francés, el general Perron, que se desempeñó como asesor militar de los Marathas, se estableció en esta colonia neerlandesa y construyó una casa grande aquí.


title: Bengala neerlandesa

text: El comercio prosperó en la Subah de Bengala, la región más desarrollada del Imperio mogol a principios del siglo XVIII, a tal punto que los administradores de la Compañía Neerlandesa de las Indias Orientales permitieron a Hooghly-Chinsura en 1734 comerciar directamente con la República Holandesa, en lugar de entregar primero sus bienes a Batavia. El único otro acuerdo de la Compañía Neerlandesa de las Indias Orientales que tenía este derecho fue el Ceilán neerlandés.


title: Bengala neerlandesa

text: El control holandés sobre Bengala estaba disminuyendo frente a la rivalidad anglo-francesa en India a mediados del siglo XVIII, y su estatus en Bengala se redujo al de una potencia menor con la victoria británica en la Batalla de Plassey en 1757.


title: Bengala neerlandesa

text: Bengala neerlandesa fue ocupada por las fuerzas británicas en 1795, debido a las cartas de Kew escritas por el titular holandés Guillermo V, Príncipe de Orange, para evitar que la colonia fuera ocupada por Francia. El Tratado angloholandés de 1814 restauró la colonia al dominio holandés, pero con el deseo de dividir a las Indias en dos esferas de influencia separadas, los holandeses cedieron todo su establecimiento en la península india a los británicos con el Tratado angloholandés de 1824.


title: Bengala neerlandesa

text: Desde entonces, Fort Gustavus fue borrado de la faz de Chinsurah y la iglesia se derrumbó recientemente debido al desuso, pero gran parte de la herencia neerlandesa permanece. Estos incluyen el cementerio holandés, los viejos cuarteles (ahora Tribunal de Chinsurah), la residencia del gobernador, la casa del general Perron, ahora el Colegio Chinsurah conocido como Hooghly Mohsin College y el antiguo edificio de la fábrica, ahora la oficina del Comisionado de División. Hugli-Chinsurah es ahora la ciudad del distrito del distrito de Hooghly en la moderna Bengala Occidental.


title: La música experimental

text: La música experimental es una etiqueta general para cualquier música que supera los límites existentes y las definiciones de género. La práctica compositiva experimental se define ampliamente por sensibilidades exploratorias que se oponen radicalmente y cuestionan las convenciones institucionalizadas de composición, interpretación y estética en la música Los elementos de la música experimental incluyen la música indeterminada, en la que el compositor introduce los elementos del azar o la imprevisibilidad con respecto a la composición o su interpretación. Los artistas también pueden acercarse a un híbrido de estilos dispares o incorporar elementos heterodoxos y únicos .


title: La música experimental

text: La práctica se hizo prominente a mediados del siglo XX, particularmente en Europa y América del Norte. John Cage fue uno de los primeros compositores en utilizar el término y uno de los principales innovadores de la música experimental, utilizando técnicas de indeterminación y buscando resultados desconocidos. En Francia, ya en 1953, Pierre Schaeffer había comenzado a usar el término "musique expérimentale" para describir actividades de composición que incorporaban música de cinta, musique concrète y elektronische Musik . Además, en Estados Unidos, a fines de la década de 1950 se utilizó un sentido bastante distinto del término para describir la composición controlada por computadora asociada con compositores como Lejaren Hiller . Harry Partch y Ivor Darreg trabajaron con otras escalas de afinación basadas en las leyes físicas de la música armónica. Para esta música, ambos desarrollaron un grupo de instrumentos musicales experimentales . Musique concrète ( francés ; literalmente, "música concreta"), es una forma de música electroacústica que utiliza el sonido acústico como recurso compositivo. La improvisación libre o la música libre es música improvisada sin ninguna regla más allá del gusto o la inclinación del músico involucrado; En muchos casos, los músicos hacen un esfuerzo activo para evitar clichés, es decir, referencias abiertas a convenciones o géneros musicales reconocibles.


title: La música experimental

text: El "Groupe de Recherches de Musique Concrète" (GRMC), bajo el liderazgo de Pierre Schaeffer, organizó la Primera Década Internacional de Música Experimental entre el 8 y el 18 de junio de 1953. Esto parece haber sido un intento de Schaeffer para revertir la asimilación de la música concreta en el "elektronische Musik" alemán, y en su lugar trató de integrar la música concreta, la "elektronische Musik", la música de cinta y la música del mundo bajo la rúbrica ""musica experimental"" . La publicación del manifiesto de se retrasó cuatro años, momento en el que Schaeffer estaba favoreciendo el término "recherche musicale" (investigación musical), aunque nunca abandonó por completo la "musique expérimentale" ( ; )


title: La música experimental

text: John Cage también estaba usando el término ya en 1955. Según la definición de Cage, "una acción experimental es una cuyo resultado no está previsto" , y estaba específicamente interesado en trabajos terminados que realizaron una acción impredecible . En Alemania, la publicación del artículo de Cage fue anticipada por varios meses en una conferencia pronunciada por Wolfgang Edward Rebner en la Darmstädter Ferienkurse el 13 de agosto de 1954, titulada "Amerikanische Experimentalmusik". La conferencia de Rebner extendió el concepto en el tiempo para incluir a Charles Ives, Edgard Varèse, y Henry Cowell, así como Cage, debido a su enfoque en el sonido como tal y no en el método compositivo (Rebner, 1997).


title: La música experimental

text: El compositor y crítico Michael Nyman parte de la definición de Cage , y desarrolla el término "experimental" también para describir el trabajo de otros compositores estadounidenses ( Christian Wolff, Earle Brown, Meredith Monk, Malcolm Goldstein, Morton Feldman, Terry Riley, La Monte Young, Philip Glass, Steve Reich, etc.), así como compositores como Gavin Bryars, John Cale, Toshi Ichiyanagi, Cornelius Cardew, John Tilbury, Frederic Rzewski y Keith Rowe . Nyman opone la música experimental a la vanguardia europea de la época ( Boulez, Kagel, Xenakis, Birtwistle, Berio, Stockhausen y Bussotti ), para quienes "La identidad de una composición es de suma importancia" La palabra "experimental" en los primeros casos "es apta, siempre que se entienda no como descriptiva de un acto que luego se juzgará en términos de éxito o fracaso, sino simplemente como un acto cuyo resultado se desconoce"


title: La música experimental

text: David Cope también distingue entre experimental y vanguardia, describiendo la música experimental como "lo que representa una negativa a aceptar el status quo " . David Nicholls también hace esta distinción, diciendo que "... en general, la música de vanguardia puede verse como ocupando una posición extrema dentro de la tradición, mientras que la música experimental se encuentra fuera de ella" .


title: La música experimental

text: Warren Burt advierte que, como "una combinación de técnicas de vanguardia y una cierta actitud exploratoria", la música experimental requiere una definición amplia e inclusiva, "una serie de "ands", si se quiere", que abarque áreas tales como "influencias "y" trabajo de Cageian". con baja tecnología "y" la improvisación "y" la poesía sonora "y" la lingüística "y la" nueva construcción de instrumentos "y" multimedia "y" el teatro musical "y" el trabajo con la alta tecnología "y" la música de la comunidad, entre otros, cuando estas actividades se realizan con el objetivo de encontrar las músicas 'no nos gusta, sin embargo, '[citando a Herbert Brün ] en un' entorno de búsqueda de problemas '[citando a Chris Mann ] ” .


title: La música experimental

text: Benjamin Piekut argumenta que esta "visión de consenso del experimentalismo" se basa en una "agrupación" a "priori", en lugar de hacer la pregunta "¿Cómo se han reunido estos compositores en primer lugar, que ahora pueden ser objeto de una descripción? " Es decir, "en su mayor parte, los estudios experimentales de música "describen" una categoría sin realmente "explicarla" " . Encuentra excepciones loables en el trabajo de David Nicholls y, especialmente, Amy Beal , y concluye de su trabajo que" El El cambio ontológico fundamental que marca el experimentalismo como un logro es el del representacionalismo a la performatividad ", de modo que" una explicación del experimentalismo que ya asume la categoría que pretende explicar es un ejercicio de metafísica, no de ontología " .


title: La música experimental

text: Leonard B. Meyer, por otro lado, incluye en la "música experimental" compositores rechazados por Nyman, como Berio, Boulez y Stockhausen, así como las técnicas de " serialismo total" , sosteniendo que "no hay música experimental única, ni siquiera preeminente, sino más bien una gran cantidad de métodos y clases diferentes" .


title: La música experimental

text: En la década de 1950, los críticos conservadores de la música a menudo aplicaban el término "experimental", junto con otras palabras, como "arte de ingenieros", "división musical del átomo", "cocina de alquimistas", "atonal" y "serial", como un término de jerga despreciable, que debe considerarse como "conceptos abortivos", ya que no "captan un tema" . Este fue un intento de marginar y, por lo tanto, descartar varios tipos de música que no se ajustaban a las convenciones establecidas . En 1955, Pierre Boulez lo identificó como una ""nueva definición que permite restringir a un laboratorio, que es tolerado pero sujeto a inspección, todos los intentos de corromper la moral musical. Una vez que han establecido límites al peligro, las buenas avestruces se van dormir de nuevo y despertarse solo para estampar sus pies con rabia cuando se ven obligados a aceptar el amargo hecho de los estragos periódicos causados por el experimento" ". Concluye: ""No existe la música experimental ... pero hay una distinción muy real entre esterilidad e invención"" . A partir de la década de 1960, la "música experimental" comenzó a usarse en los Estados Unidos con el propósito casi opuesto, en un intento de establecer una categoría histórica para ayudar a legitimar a un grupo de compositores "externos" radicalmente innovadores. Independientemente del éxito que esto pudiera haber tenido en la academia, este intento de construir un género fue tan abortivo como la llamada sin nombre señalada por Metzger, ya que según la propia definición del "género" el trabajo que incluye es "radicalmente diferente y altamente individualista" . Por lo tanto, no es un género, sino una categoría abierta, ""porque cualquier intento de clasificar un fenómeno como inclasificable y (a menudo) evasivo como música experimental debe ser parcial"" . Además, la indeterminación característica en la interpretación "garantiza que dos versiones de la misma pieza prácticamente no tendrán" hechos "musicales perceptibles en común" .


title: La música experimental

text: A fines de la década de 1950, Lejaren Hiller y LM Isaacson usaron el término en relación con la composición controlada por computadora, en el sentido científico de "experimento" : haciendo predicciones para nuevas composiciones basadas en técnicas musicales establecidas . El término "música experimental" se utilizó de forma contemporánea para la música electrónica, particularmente en los primeros trabajos de música concrète de Schaeffer y Henry en Francia . Existe una superposición considerable entre la y lo que generalmente se llama música experimental, especialmente porque ese término fue definido extensamente por Nyman en su libro Experimental Music: Cage and Beyond (1974, segunda edición, 1999).


title: La música experimental

text: Varios compositores estadounidenses de principios del siglo XX, vistos como precedentes e influencias en John Cage, a veces se conocen como la "Escuela Experimental Americana". Estos incluyen a Charles Ives, Charles y Ruth Crawford Seeger, Henry Cowell, Carl Ruggles y John Becker ( ; ).


title: La música experimental

text: Artistas: John Cage, Earle Brown, Christian Wolff, Morton Feldman, David Tudor, Relacionado: Merce Cunningham


title: La música experimental

text: Musique concrète ( francés ; literalmente, "música concreta"), es una forma de música electroacústica que utiliza el sonido acústico como recurso compositivo. El material de composición no se limita a la inclusión de sonoridades derivados de instrumentos musicales o voces, ni a los elementos tradicionalmente pensado como "musical" ( melodía, armonía, ritmo, metros y así sucesivamente). Los fundamentos teóricos de la estética fueron desarrollados por Pierre Schaeffer, comenzando a fines de la década de 1940.


title: La música experimental

text: Fluxus fue un movimiento artístico iniciado en la década de 1960, caracterizado por una mayor teatralidad y el uso de técnicas mixtas . Otro aspecto musical conocido que apareció en el movimiento Fluxus fue el uso de Primal Scream en las actuaciones, derivado de la terapia primaria . Yoko Ono utilizó esta técnica de expresión .


title: La música experimental

text: El término "experimental" a veces se ha aplicado a la mezcla de géneros musicales reconocibles, especialmente aquellos identificados con grupos étnicos específicos, como se encuentra, por ejemplo, en la música de Laurie Anderson, Chou Wen-chung, Steve Reich, Kevin Volans, Martin Scherzinger, Michael Blake y Rüdiger Meyer ( ; ; ).


title: La música experimental

text: La improvisación libre o la música libre es música improvisada sin ninguna regla más allá del gusto o la inclinación del músico involucrado; En muchos casos, los músicos hacen un esfuerzo activo para evitar referencias abiertas a géneros musicales reconocibles. El término es un tanto paradójico, ya que puede considerarse como una técnica (empleada por cualquier músico que desee ignorar géneros y formas rígidas) y como un género reconocible por derecho propio.


title: La música experimental

text: Los residentes comenzaron en los años setenta como un grupo musical idiosincrásico que mezclaba todo tipo de géneros artísticos como música pop, música electrónica, música experimental con películas, cómics y performance . Rhys Chatham y Glenn Branca compusieron composiciones de guitarra múltiple a fines de la década de 1970. Chatham trabajó durante algún tiempo con LaMonte Young y luego mezcló las ideas musicales experimentales con el punk rock en su pieza "Guitar Trio" . Lydia Lunch comenzó a incorporar la palabra hablada con el punk rock y Mars exploró nuevas técnicas de guitarra deslizante. Arto Lindsay no utilizó ningún tipo de práctica o teoría musical para desarrollar una técnica de interpretación atonal idiosincrásica. DNA y James Chance son otros famosos artistas sin onda. Chance más tarde se trasladó más a la improvisación libre . El movimiento No Wave estaba estrechamente relacionado con el arte transgresor y, al igual que Fluxus, a menudo mezclaba el arte de performance con la música. Sin embargo, se lo ve alternativamente como una rama vanguardista del punk de los años 70 y un género relacionado con el rock experimental .


title: Bankipur (Bengala)

text: Bankipur era una antigua aldea en el río Hugli ubicada en lo que hoy es Bengala Occidental, al norte de Barrackpore, un poco al norte de Ishapore. Ahora es un suburbio de Barrackpore y no debe confundirse con la ciudad de Bankipur (Bengala Occidental) ubicada en la costa (a 21.76 ° N y 87.86 ° E).


title: Bankipur (Bengala)

text: Bankipur fue famoso como el principal asentamiento de la Compañía de Ostende, el gran esfuerzo realizado por los Países Bajos Austríacos para asegurar un punto de apoyo en la India. La Compañía de Ostende se formó en 1722–1723, y con un capital de menos de un millón de libras esterlinas fundó dos asentamientos, uno en Coblom (Covelong) en la costa de Madras entre la Madras inglesas y la Sadras holandesas, y la otra en el Hugli entre la inglesa Calcuta y la holandesa Chinsura. Tanto los ingleses como los holandeses se ofendieron y, en 1727, para obtener la garantía europea para la Pragmática Sanción , el tribunal de Viena resolvió sacrificar la Compañía y suspendió su carta. Se declaró en bancarrota en 1784 y dejó de existir en 1793. Mientras tanto, en 1733, los ingleses y holandeses agitaron al general musulmán en Hugli para entablar una pelea. Atacó a Bankipur y la guarnición de solo catorce personas zarpó hacia Europa. Así, los intereses imperiales austriacos desaparecieron de la India.


title: Michael O'Riordan

text: Michael O'Riordan ( ; 12 de noviembre de 1917 - 18 de mayo de 2006) fue el fundador del Partido Comunista de Irlanda y también luchó con la Columna Connolly en las Brigadas Internacionales durante la Guerra Civil Española.


title: Michael O'Riordan

text: O'Riordan nació en el número 37 de Pope's Quay, en Cork, el 11 de noviembre de 1917. Era el menor de cinco hijos. Sus padres vinieron del West Cork Gaeltacht de Ballingeary-Gougane Barra. A pesar de que sus padres eran hablantes nativos de la lengua irlandesa, no fue hasta que O'Riordan fue internado en el campo de Curragh durante la Segunda Guerra Mundial que aprendió irlandés, y fue enseñado por su compañero interno, Máirtín Ó Cadhain, quien fue a dar una conferencia en el Trinity College de Dublín.


title: Michael O'Riordan

text: Durante su adolescencia se unió al movimiento juvenil republicano Fianna Éireann, y luego al Ejército Republicano Irlandés. El IRA en ese momento estaba inclinado hacia la política de izquierda y el socialismo. Gran parte de su actividad se refería reyertas callejeras con el movimiento cuasi fascista de la Guardia Nacional. O'Riordan era amigo de republicanos inclinados a la izquierda como Peadar O'Donnell y Frank Ryan, y en 1934 los siguió al Congreso republicano, un partido republicano socialista de corta duración.


title: Michael O'Riordan

text: O'Riordan se unió al Partido Comunista de Irlanda en 1935 mientras todavía estaba en el IRA y trabajó en el periódico comunista "The Irish Workers' Voice". En 1937, siguiendo los impulsos de Peadar O'Donnell, varios cientos de irlandeses, en su mayoría hombres del IRA y exmiembros del IRA, fueron a luchar por la República española en la Guerra Civil española con la XV Brigada Internacional. Estaban motivados en parte por la enemistad hacia los aproximadamente 800 "Blueshirts", liderados por Eoin O'Duffy, que viajaron a España para luchar en el bando sublevado en la Brigada irlandesa.


title: Michael O'Riordan

text: O'Riordan se integró en un partido dirigido por Frank Ryan. En la ofensiva final republicana del 25 de julio de 1938, O'Riordan llevó la bandera de Cataluña al otro lado del río Ebro. El 1 de agosto, sufrió heridas graves por metralla en el frente del Ebro. Fue repatriado a Irlanda al mes siguiente, después de que las Brigadas Internacionales se disolvieran.


title: Michael O'Riordan

text: En 1938, el Estado Libre de Irlanda le ofreció a O'Riordan una Comisión del Ejército irlandés, pero en su lugar eligió entrenar unidades del IRA en Cork. Como resultado de sus actividades, durante la Segunda Guerra Mundial, o la Emergencia como se la conocía en Irlanda neutral, fue internado en el campo de internamiento de Curragh desde 1939 hasta 1943, donde fue oficial al mando y participó en la Liga Gaélica de Cadhain, así como la publicación de "Splannc" (irlandés para "Spark", llamado así por el periódico de Lenin).


title: Michael O'Riordan

text: En 1944 fue secretario fundador de la Rama Liam Mellows del Partido Laborista y en 1945 fue secretario fundador del Partido Socialista de Cork, cuyos otros miembros notables incluyeron a Derry Kelleher, Kevin Neville y Máire Keohane-Sheehan (Máire Keohane- Sheehan era la hermana de la esposa de O'Riordan, Kay Keohane-O'Riordan).


title: Michael O'Riordan

text: Posteriormente, O'Riordan trabajó como conductor de autobuses en Cork y participó activamente en el Sindicato de Trabajadores Generales y de Transporte de Irlanda (ITGWU). Se presentó como candidato del Partido Socialista de Cork en la elección parcial del condado de Cork en 1946, quedando tercero detrás de Patrick McGrath de Fianna Fáil y Michael O'Driscoll de Fine Gael con 3.184 votos. Luego, se mudó a Dublín donde vivió en Victoria St. con su esposa Kay, continuó trabajando como conductor de autobuses y permaneció activo en el Sindicato de Trabajadores Generales y de Transporte de Irlanda.


title: Michael O'Riordan

text: En 1948, O'Riordan fue secretario fundador de la Liga de los Trabajadores de Irlanda y secretario general a partir de entonces, y de su organización sucesora, el Partido de los Trabajadores de Irlanda, de 1962 a 1970.


title: Michael O'Riordan

text: En la década de 1960, fue una figura fundamental en el Comité de Acción de Vivienda de Dublín, que agitó las autorizaciones de los barrios marginales de Dublín y la construcción de viviendas sociales. Allí, se hizo amigo del padre Austin Flannery, liderando al entonces Ministro de Finanzas y futuro Taoiseach Charles Haughey para despedir a Flannery como "un clérigo crédulo" mientras que el Ministro de Gobierno Local, Kevin Boland, lo describió como un "supuesto clérigo" por compartir una plataforma con O'Riordan.


title: Michael O'Riordan

text: En total, se postuló a las elecciones cinco veces, haciendo campaña por el establecimiento de una república socialista en Irlanda, pero dado el conservadurismo católico de Irlanda y el miedo al comunismo, lo hizo sin éxito. Sin embargo, recibió el respaldo del dramaturgo Seán O'Casey en 1951. O'Casey escribió: "El Sr. O'Riordan es su propio mensaje. No tiene nada más que vender que su alma. Pero no lo ha hecho, aunque se le dirá que lo perderá si se aferra a él". La participación de O'Riordan en la Guerra Civil española siempre fue una parte importante de su identidad política. En 1966 asistió a la Reunión de las Brigadas Internacionales en Berlín y fue instrumental para que los restos de Frank Ryan fueran repatriados de Alemania a Irlanda en 1979.


title: Michael O'Riordan

text: Fue miembro del Comité Irlandés de Solidaridad por Chile y asistió al Primer Congreso del Partido Comunista de Cuba en 1984. También hizo campaña en nombre de los Seis de Birmingham y asistió a su juicio de apelación en 1990. O'Riordan sirvió entre 1970-1983 como Secretario General del Partido Comunista de Irlanda ; y de 1983 a 1988 se desempeñó como Presidente Nacional del partido publicando muchos artículos bajo los auspicios del IPC. O'Riordan, firme dirección del partido pro-soviético, llevó a varios miembros a partir para formar la sociedad marxista irlandesa eurocomunista.


title: Michael O'Riordan

text: Su última gran salida pública fue en 2005 en la re-dedicación del memorial fuera del Salón de la Libertad de Dublín a los veteranos irlandeses de la Guerra Civil española. Con otros veteranos, O'Riordan fue recibida por la Mary McAleese. El cónsul cubano Teresita Trujillo le entregó también la Medalla de la Amistad de Cuba a Irlanda en nombre del presidente cubano Fidel Castro.


title: Michael O'Riordan

text: En 1969, según el disidente soviético Vasili Mitrokhin, O'Riordan fue abordado por los líderes del IRA Cathal Goulding y Seamus Costello, con miras a la obtención de armas de la KGB para defender a los republicanos irlandeses del área de Belfast durante la violencia comunal que marcó el comienzo del conflicto de Irlanda del Norte. Mitrokhin alega que O'Riordan contactó con el Kremlin, pero el envío de armas no llegó a Irlanda hasta 1972. La operación se conocía como Operación Splash.


title: Michael O'Riordan

text: O'Riordan supuestamente escribió:


title: Michael O'Riordan

text: Mientras tanto, el IRA se había dividido entre el IRA Provisional y el IRA Oficial y fue la última facción la que recibió las armas soviéticas. Las acusaciones de Mitrokhin se repitieron en la autobiografía de Borís Yeltsin.


title: Michael O'Riordan

text: Su libro "Connolly Column: The Story of the Irishmen who fought for the Spanish Republic, 1936–1939" (en español: Columna Connolly: La historia de los irlandeses que lucharon por la República española, 1936-1939), publicado en 1979, trata sobre los voluntarios irlandeses de la Brigada Internacional que lucharon en apoyo de la República española contra Franco durante la Guerra Civil española (1936-1939). Una versión actualizada del libro fue reimpresa en 2005 y fue lanzada por el alcalde de Dublín, Cllr. Michael Conaghan en la sede del SIPTU, Liberty Hall. El libro fue la inspiración para la famosa canción de "la" cantante y compositora irlandesa Christy Moore "Viva la Quinta Brigada."  Moore dijo:  En 1991, la esposa de O'Riordan, Kay Keohane, de Clonakilty, murió en su casa a los 81 años. Continuó viviendo en la casa de su familia antes de mudarse a Glasnevin en 2000 para estar cerca de su hijo Manus, que vivía cerca. Vivió allí hasta enfermarse en noviembre de 2005 y fue llevado al Hospital Mater. Su salud se deterioró rápidamente desarrollando la enfermedad de Alzheimer. Poco después fue trasladado al Hospital St. Mary's en Phoenix Park, donde pasó los últimos meses de su vida, antes de morir a los 88 años.


title: Michael O'Riordan

text: Al funeral de O'Riordan en el crematorio Glasnevin asistieron más de mil personas. Tras una estela la noche anterior en Finglas Rd, cientos de personas aparecieron frente a la casa de su hijo Manus y el tráfico se detuvo cuando familiares, amigos y camaradas, muchos de los cuales agitaban la bandera roja del Partido Comunista de Irlanda, escoltaron a O 'Riordan al cementerio de Glasnevin. Se llevó a cabo una ceremonia secular dirigida por Manus O'Riordan (Jefe de Investigación en SIPTU) con contribuciones de la familia de O'Riordan, el secretario general del Partido Comunista Eugene McCartan y la representante de IBMT Pauline Frasier.


title: Michael O'Riordan

text: La congregación fúnebre incluyó a políticos como el líder del partido laborista Pat Rabbitte, su predecesor Ruairi Quinn, el líder del partido Joan Burton ; Sinn Féin TD Seán Crowe y el concejal Larry O'Toole; el exlíder del Partido de los Trabajadores, Tomás Mac Giolla, y la ex eurodiputada de Fianna Fáil, Niall Andrews. También asistieron los líderes sindicales Jack O'Connor (SIPTU), Mick O'Reilly (ITGWU) y David Begg (ICTU). Los actores Patrick Bergin, Jer O'Leary; cantante Ronnie Drew ; artista Robert Ballagh ; lector de noticias Anne Doyle también se encontraban entre los asistentes. Homenajes y fueron pagados por la Mary McAleese, Taoiseach Bertie Ahern, el líder del Sinn Féin Gerry Adams y los TD del Partido Laborista Ruairi Quinn y Michael D. Higgins.


title: Plataspidae

text: Plataspidae, también conocida como "Plataspididae", en violación del código internacional de nomenclatura zoológica (ICZN), Article 29.5, es una familia de heterópteros del viejo mundo. Recientemente una especie, "Megacopta cribraria", ha sido introducida accidentalmente y se ha establecido en el sudeste de los Estados Unidos, donde se ha convertido en plaga de los cultivos de soja.


title: Plataspidae

text: Tienen apariencia de escarabajos. El escutelo cubre el abdomen completamente. Las alas son muy largas. Se mantienen plegadas bajo el escutelo. Miden de 2 a 20 mm. Son herbívoros. Algunos se alimentan de hongos.


title: Andrea Cavaletto

text: Andrea Cavaletto (Castellamonte, Turín, Italia, 23 de julio de 1976) es un guionista de cómics y de cine, escritor y diseñador gráfico italiano.


title: Andrea Cavaletto

text: Se graduó en el "Istituto Europeo del Design" de Turín. A partir de 1998, trabaja como creativo con varias editoriales como Madden Comics o Nicola Pesce, que editó su primer trabajo como autor completo, titulado ""Né luce, né vento, né ombra, nulla..."", posteriormente transformado en un cortometraje dirigido por Roberto Lojacono y guionizado por el mismo Cavaletto ("The projectionist").


title: Andrea Cavaletto

text: En 2009 escribió otras obras como "Sangue di tenebra" (editado por Cagliostro E-Press), "Pornofagia" (Absoluteblack) y la historieta "Dibbuk" (Edizioni BD), que fue presentada al Comicon de Nápoles de 2010. Ese mismo año, empezó su colaboración con la editorial Bonelli en calidad de guionista de "Dylan Dog", "Martin Mystère" y "Tex". Para la editorial Edizioni Inkiostro realizó "Paranoid Boyd".


title: Andrea Cavaletto

text: En 2011 escribió el guion de "Il giocatore di scacchi di Maelzel", episodio de la película "P.O.E. Poetry of Eerie", dedicada a Edgar Allan Poe. En 2014, publicó el relato ""Primi riti"" en la antología "Oltre la paura" y, el año siguiente, ""La casa di Mezzanotte"", en el libro "Incubi rurali", junto a Enrico Teodorani; ambos libros fueron editados por EF Libri.


title: Andrea Cavaletto

text: También ha sido guionista de cine para varios largometrajes, como la película de terror "En las afueras de la ciudad", del director chileno Patricio Valladares, que ganó el premio como mejor film en la categoría "Asti Horror Picture Show" del Asti Film Festival 2012, o la coproducción italo-anglo-estadounidense "A Taste of Phobia".


title: Mujer demente (La monomaníaca de la envidia)

text: La mujer demente o La monomaníaca de la envidia es un óleo sobre tela pintado en 1822 por Théodore Géricault como parte de su serie de diez retratos de enfermos mentales, de los que se conocían cinco hasta la identificación de un sexto "El hombre melancólico" en una colección privada italiana en 2020. "La mujer demente" se encuentra en el Museo de Bellas Artes de Lyon, Francia.


text: Aberración mental y estados irracionales de la mente no podían dejar de interesar a los artistas contrarios a la racionalidad de la Ilustración. Géricault, como muchos de su contemporáneos, examinó la influencia de los estados mentales en el rostro humano y compartió la creencia, común en su tiempo, de que la cara revelaba con exactitud el carácter, especialmente en casos de locura y al momento de la muerte. Dará lugar al nacimiento de la frenología, pero ambos conceptos quedarán luego obsoletos al no ser confirmados por los avances científicos. Géricault realizó muchos bocetos de reclusos en hospitales e instituciones para criminales dementes, y estudió las cabezas de víctimas de la guillotina, pero solo diez acabaron convertidos en óleos.


text: "La mujer demente", con su boca tensa, los ojos enrojecidos por el padecimiento psíquico, es uno de sus varios retratos de enfermos mentales que muestra un extraño poder hipnótico. Estos retratos presentan los hechos físicos con autenticidad asombrosa, especialmente en contraste con sus anteriores retratos encargados, más idealizados. La retratada probablemente padecía esquizofrenia.


title: Paula Jean Welden

text: Paula Jean Welden (Stamford, Connecticut; 19 de octubre de 1928 - desaparecida en Bennington, Vermont el 1 de diciembre de 1946) fue una estudiante universitaria estadounidense que desapareció mientras realizaba senderismo. Se criticó fuertemente a la policía local por realizar una pobre investigación del suceso, lo que llevó a la creación de la Policía Estatal de Vermont. Su destino sigue siendo incierto.


title: Paula Jean Welden

text: Paula Welden era la mayor de las cuatro hijas del ingeniero industrial, arquitecto y diseñador William Archibald Welden (1900-1970) y de su esposa Jean Douglas (1901-1976). Paula se graduó en 1945 en la Stamford High School.


title: Paula Jean Welden

text: En 1946, Welden era estudiante de segundo año en la Bennington College, un centro universitario ubicado en Bennington, estado de Vermont. Su dormitorio universitario estaba en la residencia Dewey House, una de las más antiguas en los terrenos de la universidad, y que permanece hasta el día de hoy. Paula comenzó a hacerse amiga de otros estudiantes y se involucró en bailes cuadrados (un baile tradicional para cuatro parejas, que danzan dándose la espalda formando las esquinas de un cuadrado) y caminatas con grupos de amigos.


title: Paula Jean Welden

text: Welden trabajaba a tiempo parcial en el comedor del Commons en el campus. El domingo 1 de diciembre había trabajado durante el turno del almuerzo. Al término de su turno, decidió salir del centro y adentrarse en una ruta de senderismo a pocas millas del campus llamada Long Trail. Paula conocía dicho sendero, que era bastante popular, pero aún no había tenido la oportunidad de caminarlo. Había tratado que otros estudiantes la acompañaran, pero no pudieron al estar atareados, por lo que decidió irse sola.


title: Paula Jean Welden

text: Su ropa era adecuada para el clima de esa tarde, pero no para la caída anticipada de temperatura por la noche. No empacó ninguna bolsa con ropa extra ni cogió dinero para posibles incidentes, esperando que dicho paseo no se alargara más de unas pocas horas. Welden caminó por la entrada del campus y giró hacia la ruta estatal 67A, cerca de la entrada de la Universidad. Siguió este paseo hasta alcanzar la ruta estatal 9, cerca de Benningtony Woodford Hollow. El contratista local Louis Knapp la recogió y la condujo hasta su casa en la Ruta 9, a unos 4 kilómetros de la ruta. Desde ese punto, Welden pudo haber hecho autostop o continuar andando el resto del camino.


title: Paula Jean Welden

text: Un grupo de excursionistas caminaba por el sendero mientras Welden lo realizaba en sentido opuesto. Ella se acercó a ellos y les hizo algunas preguntas sobre el tramo. Continuó caminando en dirección norte en la parte del camino ahora conocida como Harbour Road. Welden estaba en Long Trail a última hora de la tarde y la oscuridad caía, cuando se acercaba al final de Harbor Road. Es posible que continuase en el bosque cuando oscurecía, y se presumió que pudiera continuar su caminata por la zona del valle de Bolles Brook, pero nadie pudo confirmar esta hipótesis.


title: Paula Jean Welden

text: Welden no regresó al campus. Su compañera de cuarto pensó que debía haber ido a la biblioteca para estudiar para los exámenes, pero a la mañana siguiente, Welden aún no había regresado. Una vez que los administradores de la Universidad fueron notificados, inmediatamente comenzó la búsqueda en el campus. El fiscal del Condado de Bennington fue notificado, y se dispuso a las fuerzas del sheriff del condado para ayudar con la búsqueda. Durante los siguientes días, su visita al Long Trail fue descubierta cuando uno de los excursionistas a los que se había acercado la identificó en la foto del periódico "Bennington Banner", donde trabajaba.


title: Paula Jean Welden

text: La búsqueda de Paula duró varias semanas. La Universidad cerró durante varios días, y los estudiantes y la facultad participaron en búsquedas organizadas. Cientos de voluntarios, miembros de la familia, tropas de la Guardia Nacional, estudiantes y bomberos la buscaron en vano. Las búsquedas terrestres y aéreas se concentraron en el largo sendero hasta la montaña Glastenbury (al norte de la zona de búsqueda), las diversas ramificaciones del sendero y a lo largo de la ruta 9 de Vermont desde Bennington a Brattleboro. La mayoría de los que buscaban suponían que Paula se había perdido en el bosque. Pero cuando no se encontraron pistas sobre su paradero, otras teorías comenzaron a considerarse.


title: Paula Jean Welden

text: Las teorías alternativas especularon que ella había estado de muy buen humor por lo que había decidido huir para comenzar una nueva vida, que iba a encontrarse con un amante secreto y se había ido con él, o había sufrido un accidente, resultado herida y sufría amnesia. Las teorías más oscuras especularon que Paula estaba deprimida y podría haberse suicidado, o que podría haber sido secuestrada o asesinada. Aunque su caso fue el más conocido, en la zona desaparecieron sin rastro cuatro personas más entre 1945 y 1950: un experimentado cazador de 74 años, un veterano de guerra que viajaba en autobús, un niño de 8 años y una mujer de 53, la única de la que se encontró el cuerpo.