title: Historia del desnudo artístico

text: Desde mediados de siglo surgió una tendencia que puso énfasis en la realidad, la descripción del mundo circundante, especialmente de obreros y campesinos en el nuevo marco de la era industrial, con un cierto componente de denuncia social, ligado a movimientos políticos como el socialismo utópico y filosóficos como el positivismo. En el marco de la disolución de la teoría clásica del arte operada en la primera mitad del siglo XIX, el realismo, junto a la liberación técnica operada por la aparición de la fotografía, en la que se inspiran muchos de los nuevos artistas, supuso una liberación temática, donde los protagonistas ya no son nobles, héroes o dioses, sino gente normal, de la calle, retratada con toda su miseria y su crudeza.


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text: Su principal exponente fue Gustave Courbet, artista de temperamento apasionado y comprometido políticamente, resuelto a superar los «errores de los románticos y los clasicistas». La obra de Courbet supuso la introducción del realismo en el desnudo, que si bien en épocas anteriores había tenido planteamientos más o menos naturalistas, generalmente estaban supeditados a una concepción idealizadora del cuerpo humano. Courbet fue el primero en retratar el cuerpo tal como lo percibía, sin idealizar, sin contextualizar, sin enmarcarlo en un tema iconográfico, transcribiendo las formas que captaba del natural. Generalmente, sus modelos eran de robusta constitución, como su "Bañista" (1853), la modelo de "El taller del pintor" (1855), "Mujer desnuda acostada" (1862), "La mujer con el papagayo" (1865), "Lot y sus hijas" (1844), "Dos bañistas" (1858) y "El manantial" (1867). En ocasiones se inspiró en otros artistas, como en "La Fuente" (1868) —réplica de la famosa obra de Ingres— o "El sueño" (1866), que recuerda "Las dos amigas" de Fragonard. Una de sus obras más famosas es "El origen del mundo" (1866), donde presenta un cuerpo femenino sin cabeza, mostrando el pubis en primer plano, en una visión radicalmente novedosa que sorprendió y escandalizó al público de la época.


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text: Otro exponente fue Camille Corot, que fue principalmente paisajista, añadiendo ocasionalmente figuras humanas a sus paisajes, algunas de ellas desnudos, en un tipo de paisajes de aire arcádico, con atmósferas vaporosas y tonos delicados, como en "Ninfa recostada" (1855) y "Ninfa a orillas del mar" (1860). Más adelante disoció el paisaje de la figura humana, y entre 1865 y 1875 realizó numerosas obras centradas en el estudio de la figura femenina, como "Lectura interrumpida" (1865-1870) y "Mujer con la perla" (1869). Otras obras suyas son: "Marietta, la odalisca romana" (1843), "Muchacha con la falda rosa" (1853-1865), "El baño de Diana" (1855), "Ninfas desarmando al Amor" (1857), etc.


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text: El equivalente escultórico del realismo fue Constantin Meunier, que retrató preferentemente a obreros y trabajadores de la nueva era industrial, sustituyendo al héroe clásico por el proletario moderno, en obras donde se otorga especial relevancia al sentido volumétrico de la figura, como en "El Pudelador" (1885) y "El Anciano", en el "Monumento al Trabajo" de Bruselas (1890-1905). Otro notable escultor fue Aimé-Jules Dalou, discípulo de Carpeaux, que pese a su naturalismo denota una cierta influencia barroca, en obras como: "Bacanal" (1891), "Mujer secándose el pie" (1895) y "El triunfo de Sileno" (1898).


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text: El americano instalado en Europa John Singer Sargent fue el retratista con más éxito de su época, así como un pintor con talento en la representación de paisajes y un gran dibujante, que dejó un gran número de academias. Influido por Velázquez, Frans Hals, Anton Van Dyck y Thomas Gainsborough, tenía un estilo elegante y virtuoso, que demostró también en desnudos como "Chico desnudo en la playa" (1878) y "Nicola D'Inverno" (1892).


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text: En España también se impuso a mediados del siglo el realismo: Eduardo Rosales trató numerosos géneros, y aunque realizó pocos desnudos ("Mujer dormida", 1862; "Mujer saliendo del baño", 1869), merecen destacarse por su calidad. De Raimundo Madrazo también conviene destacar una única obra, "Después del baño" (1895), de admirable traza y sentido compositivo. Mariano Fortuny, formado en el nazarenismo, realizó varias obras de temática oriental ("La odalisca", 1861), junto a escenas de género o desnudos ubicados en paisajes ("Idilio", 1868; "Elección de modelo", 1870-1874; "Viejo desnudo al sol", 1871; "Carmen Bastián", 1871-1872; "Desnudo en la playa de Portici", 1874). Otros artistas fueron: Casto Plasencia ("El rapto de las sabinas", 1874), José Jiménez Aranda ("Esclava en venta", 1897), Enrique Simonet ("¡Y tenía corazón!", 1890; "El Juicio de Paris", 1904) y, como escultor, Ricardo Bellver ("El ángel caído", 1877).


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text: El impresionismo fue un movimiento profundamente innovador, que supuso una ruptura con el arte académico y una transformación del lenguaje artístico, iniciando el camino hacia los movimientos de vanguardia. Los impresionistas se inspiraban en la naturaleza, de la que pretendían captar una «impresión» visual, la plasmación de un instante en el lienzo —por influjo de la fotografía—, con una técnica de pincelada suelta y tonos claros y luminosos, valorando especialmente la luz.


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text: La obra de los impresionistas fue de gran rupturismo con la tradición clásica, concibiendo un nuevo estilo pictórico que buscó su inspiración en la naturaleza, alejado de todo convencionalismo y cualquier tipo de reglamentación clásica o académica. Así, "Le Déjeuner sur l'Herbe" (1863) de Édouard Manet fue en su día un completo escándalo, pese a estar claramente influido por los contornos clásicos de Rafael, aunque la polémica no provenía del desnudo en sí, sino de ser un desnudo injustificado, una mujer anónima, contemporánea. Otra revolución promovida por Manet fue su "Olympia" (1863), con un aire caravaggesco que le otorgaba un aspecto de delicada afectación, pero cuya apariencia de verosimilitud provocó un escándalo en su época, que obligó al autor a abandonar París. "Olympia" es una mujer real, de carne y hueso —descaradamente real, ya que representa una prostituta—, y está en un escenario real, no en un bucólico bosque o unas pintorescas ruinas. Es una escena íntima, que enseña al espectador la faceta más privada del ser humano, su intimidad. Por otro lado, los rasgos concretos e individualizados de la modelo le confieren una identidad propia, alejada de los rostros idealizados del desnudo clásico.


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text: Otros autores continuaron el camino iniciado por Manet, como Edgar Degas, quien después de unos primeros desnudos de influencia ingresiana evolucionó a un estilo personal basado en el diseño de dibujo, preocupado esencialmente por la transcripción del movimiento, en escenas llenas de vida y espontaneidad. Degas se alejó voluntariamente de los cánones de belleza convencionales, optando por un tipo de cuerpo poco desarrollado, de adolescente, como se aprecia en "Jóvenes espartanos" (1860) y sus representaciones de bailarinas. Por otro lado, sus obras tienen un marcado carácter de instantánea, de momento captado de forma espontánea, por influencia de la fotografía y de las estampas japonesas, con cierto componente de voyeurismo ("Mujer en el baño", 1880; "Después del baño", 1883; "Mujer secándose los pies", 1886; "La toilette", 1886; "Mujer secándose el cuello después del baño", 1895). Degas inició un subgénero dentro del desnudo, el de la "toilette", las mujeres en el baño, realizando su aseo personal, que tendría gran desarrollo a finales del siglo XIX y principios del XX. En su "Serie de desnudos de mujeres bañándose, lavándose, secándose, peinándose o siendo peinadas", presentada en la última exposición de los impresionistas, en 1886, pretendió ofrecer una nueva visión del desnudo, enseñado de costado o de espaldas pero no de frente, para remarcar el efecto de instante robado, y que no parezca que se están presentando al público; en sus propias palabras: «hasta ahora el desnudo había sido presentado en posturas que presuponían un público. Pero mis mujeres son gente sencilla, honesta, que sólo se ocupa de su esmero físico. He aquí otra: está lavándose los pies y es como si yo la mirara por el ojo de la cerradura».  Pero fue Renoir uno de las más grandes intérpretes del cuerpo femenino, que transcribió de una forma realista pero con cierto grado de adoración que le confería un aire de idealizada perfección. En la "Baigneuse au griffon" (1870) se inspiró en un grabado sobre la "Afrodita de Cnido", mientras que el concepto compositivo está tomado de Courbet. Renoir buscaba sintetizar la postura canónica clasicista con un aire de realidad natural, en ambientes luminosos y evocadores que traslucían una visión serena y plácida de la desnudez, un ideal de comunión con la naturaleza. Se afanó en diluir el contorno de sus figuras, siguiendo la técnica impresionista, a través de un moteado del espacio con manchas de luz y de sombra, inspirándose en la escuela veneciana para plasmar la forma por medio del color, como se percibe en "Anna" (1876) y "Torso" (1876). Más adelante, en un intento de simplificar el desnudo, se inspiró en los frescos de La Farnesina de Rafael, así como las pinturas de Pompeya y Herculano, como se denota en su "Baigneuse blonde" (1882). En las "Grandes baigneuses" (1885-1887) realizó unos desnudos de corte escultural, inspirados en la "Fuente de las ninfas" de Girardon (Versalles), con líneas fluidas y un gran sentido del relieve. En sus últimas obras estuvo influido tanto por el helenismo alejandrino como por el manierismo miguelangelesco y el barroquismo de Boucher y Clodion, con figuras rollizas de aspecto exuberante y actitud natural hacia el cuerpo y el entorno que las rodea, generalmente ríos, lagos, bosques y playas ("Bañista sentada", 1885; "Bañista secándose", 1895; "El juicio de Paris", 1908-1910; "Bañistas", 1916). Heredero del impresionismo fue el neoimpresionismo, un estilo basado fundamentalmente en la técnica puntillista, la elaboración del cuadro por puntos de color. Uno de sus principales representantes fue Georges Seurat, quien a lo largo de su carrera mostró preferencia por temas diversos, como las marinas, las escenas campestres, el circo, el "music-hall" y el desnudo. Su principal obra en este terreno fue "Las modelos" (1886-1888), donde quiso demostrar que la técnica puntillista servía para cualquier género, ya que a menudo se le reprochaba que solo sabía elaborar paisajes en esa técnica. En esta obra reinterpretó en clave moderna el conocido tema de las tres Gracias, mediante unas modelos de dibujo situadas en el propio taller del artista, con una visión deudora en cierta forma de la obra de Ingres. Posteriormente, los llamados postimpresionistas fueron una serie de artistas que, partiendo de los nuevos hallazgos técnicos efectuados por los impresionistas, los reinterpretaron de manera personal, abriendo distintas vías de desarrollo de suma importancia para la evolución del arte en el siglo XX. Así, más que un determinado estilo, el postimpresionismo fue una forma de agrupar a diversos artistas de distinto signo. Paul Cézanne estructuraba la composición en formas geométricas (cilindro, cono y esfera), en una síntesis analítica de la realidad precursora del cubismo. Trató el desnudo como el paisaje o el bodegón, como expresión de la relación entre volúmenes de color inmersos en la luz, como en sus "Bañistas" (1879-1882) del Petit-Palais parisiense. Paul Gauguin experimentó con la profundidad, dando un nuevo valor al plano pictórico, con colores planos de carácter simbólico. Tras unos inicios en el puntillismo ("Estudio de un desnudo", 1880) y una estancia en Pont-Aven con los nabis ("El Cristo amarillo", 1889), su estancia en Tahití le sirvió para recrear un mundo de primitiva placidez donde la desnudez era contemplada con naturalidad, como se percibe en "I Raro te Oviri" (1891), "La pérdida de la inocencia" (1891), "La Eva tahitiana" (1892), "Dos tahitianas en la playa" (1892), "Mujer en el mar" (1892), "Manao tupapau" (1892), "La Luna y la Tierra" (1893), "Otahí o la soledad" (1893), "Día delicioso" (1896), "La mujer de los mangos" (1896), "¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos? ¿Adónde vamos?" (1897), "Vairumati" (1897), "Nevermore" (1897), "Y el oro de sus cuerpos" (1901), etc. Henri de Toulouse-Lautrec, en contraposición a los estilizados desnudos de los salones académicos, estudió la figura femenina en su más cruenta carnalidad, sin soslayar las imperfecciones propias del cuerpo, con preferencia por escenas de circo y music-hall, o bien de ambientes bohemios y de prostíbulos: "La gorda Marie" (1884), "Mujer estirándose las medias" (1894), "La inspección médica" (1894), "Dos amigas" (1894-1895), "La toilette" (1896), "La mujer levantándose la camisa" (1901), etc. Vincent van Gogh fue autor de obras de fuerte dramatismo y prospección interior, con pinceladas sinuosas y densas, de intenso colorido, deformando la realidad, a la que otorgó un aire onírico. Realizó pocos desnudos, la mayoría efectuados en París en 1887: "Desnudo femenino echado", "Desnudo femenino sobre una cama", "Desnudo femenino de espaldas". En el terreno escultórico, Auguste Rodin fue un gran renovador, no solo en el plano físico sino también en la innovación temática, más centrada en el ser humano corriente, el de su tiempo y su entorno, alejado ya de la mitología y la religión. Era un profundo conocedor del cuerpo humano, que trató de forma intimista, con un fuerte componente de introspección psicológica. Recibió cierta influencia de Miguel Ángel y Delacroix, pero en esencia su obra fue innovadora, aportando nuevas tipologías al tema del desnudo. Para ello utilizaba modelos a los que dejaba vagar libremente por su estudio, adoptando todo tipo de formas posibles, que Rodin captaba con una maestría para inmortalizar la espontaneidad de cualquier momento y cualquier postura. Sus figuras tienden al dramatismo, a la tensión trágica, a la plasmación del concepto que el artista tenía de la lucha del hombre contra el destino. Así, durante más de treinta años estuvo elaborando figuras para un proyecto inacabado, "Las Puertas del Infierno" (1880-1917) para el Museé des Arts Décoratifs de París — actualmente en el Museo Rodin—, de cuyo proyecto se desgajaron varias obras que quedaron como figuras independientes, como "El pensador" (1880-1900), para el que se inspiró en el "Ugolino" de Carpeaux, o "El Beso" (1886-1890), que representa los amores de Paolo y Francesca narrados en "La Divina Comedia". Otras obras suyas fueron "La edad de bronce" (1877), "San Juan Bautista" (1878), "Eva" (1881), "El invierno" (o "La Belle Heaulmière", 1884-1885), "La mártir" (1885), "El torso" (1889), "La Musa" (1896), "Tres sombras" (1899), "Danaide" (1901), etc. Siguieron la estela de Rodin escultores como Antoine Bourdelle ("Hércules arquero", 1909), Camille Claudel ("La implorante", 1894-1905; "La madurez", 1899-1913), Joseph Bernard ("La joven del caldero", 1910) y Charles Despiau ("Eva", 1925).


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text: El sueco Anders Zorn realizó desnudos descaradamente voluptuosos y saludables, generalmente en paisajes, con vibrantes efectos de luz sobre la piel, en brillantes pinceladas de gran colorido, como en "Al aire libre" (1888), "Las bañistas" (1888), "Mujeres bañándose en la sauna" (1906), "Muchacha tomando el sol" (1913), "Helga" (1917), " Idilio en el estudio" (1918).


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text: En España, destacó la obra de Joaquín Sorolla, que interpretó el impresionismo de una forma personal, de técnica suelta y pincelada vigorosa, con un colorido brillante y sensitivo, donde cobra especial importancia la luz, el ambiente lumínico que envuelve sus escenas de temática mediterránea, en playas y paisajes marinos donde juegan los niños, pasean las damas de sociedad o los pescadores se dedican a sus tareas. En su obra figuran algunos desnudos, como "Triste Herencia" (1899), "Desnudo de mujer" (1902), "El baño del caballo" (1909), "Niños en la playa" (1910), "Después del baño" (1911), etc. Discípulos suyos fueron: su yerno Francisco Pons Arnau ("Composición"), Ignacio Pinazo ("Desnudo de frente", 1872-1879), Rigoberto Soler ("Nineta", "Después del baño") y Julio Moisés ("Eva", "Pili").


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text: El simbolismo fue un estilo de corte fantástico y onírico, que surgió como reacción al naturalismo de la corriente realista e impresionista, poniendo especial énfasis en el mundo de los sueños, así como en aspectos satánicos y terroríficos, el sexo y la perversión. Una característica principal del simbolismo fue el esteticismo, reacción al utilitarismo imperante en la época y a la fealdad y materialismo de la era industrial. Frente a ello, surgió una tendencia que otorgaba al arte y a la belleza una autonomía propia, sintetizada en la fórmula de Théophile Gautier "l'art pour l'art" («el arte por el arte»), llegando incluso a hablarse de «religión estética». Esta postura pretendía aislar al artista de la sociedad, buscando de forma autónoma su propia inspiración y dejándose llevar únicamente por una búsqueda individual de la belleza.


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text: Una de las características del simbolismo es la oscura atracción por la mujer perversa, la "femme fatale", la Eva convertida en Lilith, la mujer enigmática y distante, turbadora, la mujer que Manuel Machado definió como «quebradiza, viciosa y mística, virgen prerrafaelista y gata parisina». Es una mujer amada y odiada, adorada y vilipendiada, exaltada y repudiada, virtuosa y pecadora, que adoptará numerosas formas simbólicas y alegóricas, como esfinge, sirena, quimera, medusa, genio alado, etc. Se puso de moda un tipo de belleza artificial y andrógina, ambigua, un tipo de belleza leonardesca, de rasgos indefinidos, que tendrá un equivalente simbólico en flores como el lirio o animales como el cisne y el pavo real. El simbolismo se desarrolló especialmente en Francia, siendo uno de sus iniciadores Gustave Moreau, artista heredero del romanticismo, al tiempo que sentía gran devoción por los maestros del Quattrocento italiano. Sus obras son de corte fantástico y estilo ornamental, con composiciones abigarradas densamente pobladas de todo tipo de objetos y elementos vegetales, con un erotismo sugestivo que refleja sus miedos y obsesiones, con un prototipo de mujer ambigua, entre la inocencia y la perversidad: "Edipo y la Esfinge" (1864), "Orfeo" (1865), "Jasón y Medea" (1865), "Leda" (1865-1875), "La Quimera" (1867), "Prometeo" (1868), "El rapto de Europa" (1869), "Las sirenas" (1872), "La aparición" (1874-1876), "Salomé" (1876), "Hércules y la Hidra de Lerna" (1876), "Galatea" (1880), "Júpiter y Sémele" (1894-1896).


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text: Siguieron sus pasos artistas como Pierre Puvis de Chavannes, que realizó grandes decoraciones murales donde retornó a la linealidad después de los experimentos impresionistas, con melancólicos paisajes donde abunda la figura desnuda, como en "El trabajo" (1863), "Otoño" (1865), "La esperanza" (1872), "Jóvenes en la orilla del mar" (1879), "Bosque sagrado de artes y musas" (1884-1889), etc. Odilon Redon desarrolló una obra de fuerte contenido onírico, hallando en los sueños una inagotable fuente de inspiración, con un estilo basado en un suave dibujo y un colorido de aspecto fosforescente ("El cíclope", 1898-1900). Aristide Maillol se inició en la pintura, con gran interés por la figura femenina en la naturaleza ("Mediterránea", 1898; "La ola", 1898; "Dos desnudos en un paisaje", 1900), para pasar posteriormente a la escultura, donde encontró su medio de expresión más idóneo: "La noche" (1902-1909), "Mediterránea" (1902-1923), "Acción encadenada" (1906), "Ciclista joven" (1908), "Bañista secándose" (1921), "La Venus del collar" (1930), "Las tres ninfas" (1930-1937), "La Montaña" (1937), "El río" (1938-1943), "El Aire" (1939). En Pont-Aven se reunió un grupo de artistas conocidos como Nabis, influidos por Gauguin y preocupados por el uso expresivo del color. Entre sus miembros se encontraban: Félix Vallotton, que desarrolló un estilo irónico con connotaciones de humor negro, con un erotismo sin pudor, donde los cuerpos tienen una constitución plana, de influencia japonesa, con rostros que parecen máscaras ("Baño en una tarde de verano", 1892); Pierre Bonnard, que pintaba desnudos bajo distintos tipos de luz, tanto natural como artificial, generalmente en escenas íntimas, de alcoba y "boudoir", con gusto por los reflejos en espejos, basándose a menudo en fotografías ("Mujer tendida en el lecho", 1899; "La siesta", 1900; "El hombre y la mujer", 1900; "Desnudo a contraluz", 1907; "Efecto de espejo", 1909; "Tocador y espejo", 1913; "Desnudo en el balde", 1916); y Charles Filiger, que desarrolló un estilo de inspiración medieval —especialmente de las vidrieras góticas—, de colores planos con contornos negros, como en "El Cristo yacente" (1895), inspirado en "El cadáver de Cristo en el sepulcro" de Holbein, reducido a formas simples y puras, mostrando una candidez simbólica que convierte a Cristo en una figura trascendental, evocadora, de una ingenuidad que sugiere pureza. En Bélgica, Félicien Rops también se inspiró en el mundo de lo fantástico y lo sobrenatural, con inclinación hacia lo satánico y las referencias a la muerte, con un erotismo que refleja el aspecto oscuro y pervertido del amor: "Los diablos fríos" (1860), "Las tentaciones de San Antonio" (1878), "Pornokrates" (1878), "El sacrificio" (1882). Jean Delville estaba interesado por el ocultismo, mostrando en su obra obsesiones secretas, donde sus figuras son una mezcla de carne y espíritu: "El ídolo de la perversidad" (1891), "Los tesoros de Satán" (1895), "La escuela de Platón" (1898), "El amor de las almas" (1900). En escultura, George Minne fue autor de la "Fuente con jóvenes arrodillados" (1898-1906), donde la misma figura de joven desnudo se repite cinco veces rodeando un estanque, como Narciso contemplando su imagen reflejada en el agua, conduciendo la mirada hacia el espacio interior en busca de la solución a la angustia que reflejan.


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text: En los Países Bajos destacó Jan Toorop, autor de "Las tres novias" (1893), que denota la influencia de las sombras chinescas de Java —donde nació—, con figuras de largos brazos y delicada silueta. Piet Mondrian, antes de llegar a la abstracción neoplasticista, realizó algunas obras simbolistas, generadas por su interés por el esoterismo: "Evolución" (1910-1911) es un tríptico que muestra tres figuras desnudas completamente espiritualizadas, que simbolizan el acceso al conocimiento y a la luz mística. En Gran Bretaña surgió la escuela de los prerrafaelitas, que se inspiraban —como su nombre indica— en los pintores italianos anteriores a Rafael, así como en la recién surgida fotografía. Aunque su temática era de preferencias líricas y religiosas, también abordaron el desnudo, como Dante Gabriel Rossetti ("Venus Verticordia", 1868), Edward Burne-Jones (la serie "Pigmalión", 1868-1870; "El jardín de Pan", 1876; "La rueda de la Fortuna", 1883; "Las Tres Gracias", 1890), John Everett Millais ("Caballero errante libertando una bella", 1870), John William Waterhouse ("Hilas y las Ninfas", 1896), etc. Entre el simbolismo prerrafaelita y el decorativismo modernista estuvo la obra del ilustrador Aubrey Beardsley, que realizó numerosas obras de carácter erótico (como sus ilustraciones para "Lisístrata" y la "Salomé" de Oscar Wilde), con un gran sentido satírico e irreverente, con un estilo basado en un trazo muy estilizado y grandes superficies negras y blancas. El alemán Franz von Stuck desarrolló un estilo decorativo próximo al modernismo, aunque por su temática es más simbolista, con un erotismo de tórrida sensualidad que refleja un concepto de la mujer como personificación de la perversidad: "El pecado" (1893), "El beso de la esfinge" (1895), "Aire, Agua, Fuego" (1913). En Austria, Gustav Klimt recreó un mundo de fantasía de fuerte componente erótico, con una composición clasicista de estilo ornamental, donde se entrelazan el sexo y la muerte, tratando sin tabúes la sexualidad en aspectos como el embarazo, el lesbianismo o la masturbación. En "Nuda Veritas" (1899) se alejó de la simbología iconográfica del desnudo femenino, pasando a ser un símbolo autorreferencial, la mujer ya no es alegoría, sino imagen de sí misma y de su sexualidad. Otras obras suyas son: "Agua agitada" (1898), "Judith I" (1901), el "Friso Beethoven" (1902), "La esperanza I" (1903), "Las tres edades de la mujer" (1905), "Dánae" (1907), "Judith II (Salomé)" (1909), "Las amigas" (1917), "Adán y Eva" (1917-1918), etc. Alfred Kubin fue sobre todo dibujante, expresando en sus dibujos un mundo terrorífico de soledad y desesperación, poblado de monstruos, esqueletos, insectos y animales horrendos, con referencias explícitas al sexo, donde la presencia femenina juega un rol maléfico y perturbador, como se pone de manifiesto en obras como "Lubricidad" (1901-1902), donde un perro priápico acosa a una joven acurrucada en un rincón; o "Salto mortal" (1901-1902), donde un pequeño homúnculo salta como en una piscina sobre una enorme vulva femenina. En Suiza, Ferdinand Hodler estuvo influido por Durero, Holbein y Rafael, con un estilo basado en el paralelismo, repitiendo líneas, colores y volúmenes: "La noche" (1890), "Elevarse en el espacio" (1892), "El día" (1900), "La sensación" (1901-1902), "Joven admirado por mujeres" (1903), "La verdad" (1903). Arnold Böcklin era heredero del romanticismo de Friedrich, con un estilo alegórico basado en leyendas y personajes imaginarios, recreados en una atmósfera fantástica y obsesiva, como en "Venus Genitrix" (1895). El checo František Kupka también se interesó por el ocultismo, pasando por una fase simbolista antes de llegar a la abstracción: "La mujer y el dinero" (1899), "Balada de Epona (Las alegrías)" (1900), "La ola" (1902). En Rusia, Kasimir Malevich, futuro fundador del suprematismo, tuvo en sus inicios una fase simbolista, caracterizada por el erotismo aunado con cierto misticismo de corte esotérico, con un estilo tendente a la monocromía, con predominio del rojo y el amarillo: "Mujer cogiendo flores" (1908), "Encina y dríadas" (1908).


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text: Ligado al simbolismo estuvo también el llamado arte naïf, cuyos autores eran autodidactas, con una composición algo ingenua y desestructurada, instintiva, con cierto primitivismo, aunque plenamente consciente y expresiva. Su máximo exponente fue Henri Rousseau, que partiendo del academicismo desarrolló una obra innovadora, de gran frescura y sencillez, con toques humorísticos y fantásticos, y predilección por el paisaje exótico, selvático. Realizó algunos desnudos, como "Encantadora de serpientes" (1907), "Eva" (1907) y "Sueño" (1910).


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text: El arte del siglo XX padeció una profunda transformación: en una sociedad más materialista, más consumista, el arte se dirige a los sentidos, no al intelecto. Igualmente, ha cobrado especial relevancia el concepto de moda, una combinación entre la rapidez de las comunicaciones y el aspecto consumista de la civilización actual. Surgieron así los movimientos de vanguardia, que pretendían integrar el arte en la sociedad, buscando una mayor interrelación artista-espectador, ya que es este último el que interpreta la obra, pudiendo descubrir significados que el artista ni conocía. Las últimas tendencias artísticas han perdido incluso el interés por el objeto artístico: el arte tradicional era un arte de objeto, el actual de concepto. Hay una revalorización del arte activo, de la acción, de la manifestación espontánea, efímera, del arte no comercial (arte conceptual, "happening", "environment").


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text: En el siglo XX el desnudo ha ido ganando cada vez más protagonismo, sobre todo gracias a los medios de comunicación de masas, que han permitido su mayor difusión, especialmente en el cine, la fotografía y el cómic, y más recientemente, internet. También ha proliferado en buena medida en la publicidad, debido a su cada vez mayor aceptación social, y al ser un gran reclamo para la gente. El desnudo ya no tiene actualmente la connotación negativa que tenía en épocas anteriores, principalmente debido al aumento de la laicidad entre la sociedad, que percibe el desnudo como algo más natural y no censurable moralmente. En este sentido, el nudismo y el naturismo han ido ganando adeptos en estos últimos años, y ya nadie se escandaliza al ver a otra persona desnuda en una playa. También hay que remarcar el cada vez mayor culto al cuerpo, con prácticas como el culturismo, el fitness y el aeróbic, que permiten forjar el cuerpo acorde a unos estándares que se consideran estéticos.


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text: En los primeros años del siglo XX se forjaron las bases del llamado arte de vanguardia: el concepto de realidad fue cuestionado por las nuevas teorías científicas (la subjetividad del tiempo de Bergson, la relatividad de Einstein, la mecánica cuántica); también influyó la teoría del psicoanálisis de Freud. Por otra parte, las nuevas tecnologías provocaron que el arte cambiase de función, ya que la fotografía y el cine ya se encargaban de plasmar la realidad. Gracias a las colecciones etnográficas fomentadas por el colonialismo europeo los artistas tuvieron contacto con el arte de otras civilizaciones (africano, asiático, oceánico), que aportó una visión más subjetiva y emotiva del arte. Todos estos factores comportaron un cambio de sensibilidad que se tradujo en la búsqueda de nuevas formas de expresión por parte del artista.


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text: El vanguardismo artístico tenía como objetivo insuflar nueva vida al arte, volver a las raíces naturales del diseño y la composición artística, para lo que se rebelaron contra el arte académico, sujeto a reglas que a estos nuevos artistas les parecían anuladoras de la creatividad y la inspiración artística. Dos de las primeras obras que supusieron una revolución en el arte de principios de siglo fueron desnudos: el "Desnudo azul" de Matisse y "Las señoritas de Avignon" de Picasso, ambas de 1907. En estas obras el desnudo pasa a ser un elemento simbólico, conceptual, una referencia a la pureza de la vida sin reglas, sin constricciones, un retorno a la naturaleza, a la percepción subjetiva del arte. La reducción de la figura humana a formas básicas, esquemáticas, inició en estas dos obras el camino hacia la abstracción de la forma, que se verá reducida a líneas básicas y estructuras geométricas, como el "Desnudo" de Constantin Brâncuşi, donde un torso femenino es reducido a una simple forma cilíndrica.El fauvismo es considerado el primer movimiento vanguardista. Los fauvistas prescinden de la perspectiva, el modelado y el claroscuro, experimentando con el color, que es concebido de modo subjetivo y personal, aplicándole valores emotivos y expresivos, independientes respecto a la naturaleza. Su principal representante fue Henri Matisse, un discípulo de Gustave Moreau, que abrió las puertas a la independencia del color respecto al tema, organizando el espacio de acuerdo con planos de color y buscando nuevas sensaciones mediante el efecto impactante de las violentas zonas de colores estridentes. Pese a su afán modernizador, Matisse conservó elementos clásicos, como el desnudo: en 1898 comenzó su estilo personal con "Desnudo ante la ventana", donde empezó a aplicar el color de forma arbitraria, no imitativa; el cuadro recrea una realidad distinta, en que el color es autónomo a la forma. En "Lujo, calma y voluptuosidad" (1905) aplicó colores básicos (rojo, amarillo, azul) y complementarios (violeta, naranja, verde), dispuestos por zonas y estructurados por figuras geométricas. Con el "Desnudo azul" (1906-1907) inició una simplificación de la forma humana en busca de una síntesis perfecta de la estructura del cuerpo, proceso que le obsesionaría por muchos años y que culminaría con el "Desnudo rosa" (1935). En "El lujo" (1907) se centró en la figura humana, con una composición triangular y colores arbitrarios, destacando el movimiento de la figura, y con rostros esquemáticos. "El lujo II" (1907) es una segunda versión más precisa, con manchas puras y planas del color, destacando la carnación de un rosa salmón, que sería típica de Matisse. "Bañistas con tortuga" (1908) tiene un fondo austero, abstracto, de franjas de color, creando espacio por la distinción de colores. "Desnudo negro-dorado" (1908) tiene influencia de las tallas negroafricanas, con una tonalidad cercana a la madera y ojos almendrados. "La danza" (1910) es un estudio de la figura humana en movimiento, con un esquematismo exagerado y gran austeridad de color, reducido al rojo y azul —realizó dos grandes murales sobre "La Danza", uno en Moscú (1910) y otro en Filadelfia (1931)—. "Odalisca en rojo" (1924) tiene influencia de Modigliani, suavizada con un cierto aire renacentista. En "Figura femenina sobre fondo ornamental" (1925) recuperó la influencia de Moreau, con gran decorativismo y "horror vacui". En "Desnudo rosa" (1935) se percibe la influencia de Mondrian, con figuras abstractizantes y un fondo cuadriculado, en blanco y negro. Otras obras suyas son: "La alegría de vivir" (1906), "Desnudo erguido" (1907), "Juego de bolos" (1908), "Dos negras" (1908), "Bodegón con figuras de danza" (1909), "Desnudo en el paisaje iluminado por el sol" (1909), "Peces rojos y escultura" (1911), "Desnudo con alfombra española" (1919), "La pose hindú" (1923), "Desnudo sobre almohadón azul" (1924), "La odalisca de los calzones rojos" (1924-1925), "Desnudo sobre fondo rojo" (1926), "Gran desnudo acostado" (1935), "Desnudo acostado de espaldas" (1944), etc.


title: Historia del desnudo artístico

text: Siguieron la estela de Matisse artistas como André Derain, que en su obra denota la influencia del arte primitivo: en "La edad de oro" (1905) practicó un cierto macropuntillismo, notándose el influjo de "Lujo, calma y voluptuosidad" de Matisse. Maurice de Vlaminck sentía predilección por los colores puros, con un volumen de origen cézanniano: en "Desnudo reclinado" (1905) y "Mujeres bañándose" (1908) realizó un tratamiento matissiano del desnudo femenino. Albert Marquet tenía un estilo más naturalista, con predilección por el paisaje, aunque realizó desnudos como: "Desnudo fauvista" (1898), "Desnudo a contraluz" (1909-1911) y "Desnudo sobre fondo azul" (1913). Kees van Dongen fue un apasionado desnudista, contando con innumerables modelos de la alta sociedad parisiense, donde estuvo muy de moda en el periodo de entreguerras. Entre sus obras destacan: "La mujer de las joyas" (1905), "Anita" (1905), "Las saltimbanquis de los senos desnudos" (1906), "Muchacha desnuda" (1907), etc.Surgido como reacción al impresionismo, los expresionistas defendían un arte más personal e intuitivo, donde predominase la visión interior del artista —la «expresión»— frente a la plasmación de la realidad —la «impresión»—, reflejando en sus obras una temática personal e intimista con gusto por lo fantástico, deformando la realidad para acentuar el carácter expresivo de la obra. En Alemania, su principal centro difusor, se organizó en torno a dos grupos: "Die Brücke" (fundado en 1905), y "Der Blaue Reiter" (fundado en 1911), aunque hubo algunos artistas no adscritos a ningún grupo.


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text: A los miembros de "Die Brücke" les interesaba un tipo de temática centrada en la vida y la naturaleza, reflejada de forma espontánea e instintiva, por lo que sus principales temas eran el desnudo —sea en interior o exterior—, así como escenas de circo y music-hall, donde encontraban la máxima intensidad que podían extraer a la vida. Esta temática fue sintetizada en obras sobre bañistas que sus miembros realizaron preferentemente entre 1909 y 1911 en sus estancias en los lagos cercanos a Dresde: Alsen, Dangast, Nidden, Fehmarn, Hiddensee, Moritzburg, etc. Son obras donde expresan un naturismo sin tapujos —en consonancia con el "Wandervögel", la vida en el campo despojada de tabúes y prejuicios—, un sentimiento casi panteísta de comunión con la naturaleza, a la vez que técnicamente van depurando su paleta, en un proceso de deformación subjetiva de la forma y el color, que adquiere un significado simbólico. Según palabras de Kirchner, su objetivo era «estudiar con toda naturalidad el desnudo, el fundamento de todas las artes plásticas». Un precursor del expresionismo fue Edvard Munch: influido en sus inicios por el impresionismo y el simbolismo, pronto derivó hacia un estilo personal que sería fiel reflejo de su interior obsesivo y torturado, con escenas de ambiente opresivo y enigmático —centradas en el sexo, la enfermedad y la muerte—, caracterizadas por la sinuosidad de la composición y un colorido fuerte y arbitrario. En "Madonna" (1895-1904) presentó una figura de mujer con el torso desnudo, en una actitud ambigua, mientras el cuerpo sugiere sensualidad, el rostro con los ojos cerrados y girado hacia arriba da una sensación de misticismo, de introspección; en el marco se encuentra un feto, que junto a una línea de espermatozoides sugieren el rechazo por parte del artista hacia la actitud tradicional del hombre hacia la mujer. En "Pubertad" (1914) retrató una adolescente de mirada lánguida, reflejando en su semblante el estado meditativo y perplejo que denota el paso de niña a mujer, cuya profunda introspección psicológica ha conseguido recrear magistralmente el artista con colores puros y distorsionando las líneas. Pertenece a una serie de obras realizada entre 1890 y 1908, con las que Munch pretendía elaborar un «friso de la vida humana», empeñado en analizar todos los problemas derivados de la soledad, la enfermedad, las adicciones, el amor insatisfecho y la angustia de la edad —especialmente en la adolescencia y la vejez—. Estas obras denotan un gran análisis psicológico, pero traslucen un cierto componente morboso y turbador, explorando sin reparos lo más profundo del interior del hombre.


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text: También fue un antecedente la obra de Emil Nolde: a principios de siglo empleaba la técnica divisionista, con empaste muy grueso y pinceladas cortas, y con fuerte descarga cromática, de influencia postimpresionista. Posteriormente abandonó el proceso de imitación de la realidad, denotándose en su obra una inquietud interior, una tensión vital, una crispación que se refleja en el pulso interno de la obra. Así se percibe en desnudos como: "Danza alrededor del becerro de oro" (1910), "Naturaleza muerta con bailarinas" (1914) y "El entusiasta" (1919). Otro referente fue Lovis Corinth: formado en el impresionismo —del que fue una de las principales figuras en Alemania junto a Max Liebermann y Max Slevogt—, derivó en su madurez hacia el expresionismo con una serie de obras de introspección psicológica, con una temática centrada en lo erótico y macabro. Si bien siguió anclado en la impresión óptica como método de creación de sus obras, cobró un creciente protagonismo la expresividad, culminando en "El Cristo rojo" (1922), escena religiosa de notable angustia cercana a las visiones de Nolde. Otras obras suyas son "Desnudo acostado" (1895) y "Salomé" (1899).


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text: De los miembros de "Die Brücke" destacó Ernst Ludwig Kirchner: gran dibujante, desde su visita a una exposición de xilografía de Durero en 1898 comenzó a hacer grabados en madera, material en el que también realizó tallas de influencia africana, con un acabado irregular, sin pulir, destacando los componentes sexuales ("Bailarina", 1911). Como pintor, utilizaba colores primarios, como los fauvistas, con cierta influencia de Matisse, pero con líneas quebradas, violentas —al contrario que las redondeadas de Matisse—, en ángulos cerrados, agudos, con figuras estilizadas, con un alargamiento de influencia gótica. Entre sus obras cabría destacar: "Pareja en el sofá" (1908), "Joven con sombrilla japonesa" (1909), "Marzella" (1909-1910), "Bañistas en un interior" (1909-1920), "Bañistas en Moritzburg" (1909-1926), "Desnudo acostado delante del espejo" (1910), "Desnudos al sol" (1910-1920), "Desnudos en el campo" (1910-1920), "Dos desnudos con barreño y estufa" (1911), "Desnudo con sombrero negro" (1911-1912), "El juicio de Paris" (1912), "Tres bañistas" (1913), etc.


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text: Otros miembros de "Die Brücke" fueron: Erich Heckel, que entre 1906 y 1907 realizó una serie de cuadros de composición vangoghiana, de pinceladas cortas y colores intensos —predominantemente el amarillo—, con pasta densa. Más tarde evolucionó a temáticas más expresionistas, como el sexo, la soledad y la incomunicación: "Bañistas en el juncal" (1909), "Desnudos junto al estanque" (1910), "Escena a la orilla del mar (Mujeres bañándose)" (1912), "El día cristalino" (1913). Karl Schmidt-Rottluff practicó en sus inicios el macropuntillismo, para pasar a un expresionismo de figuras esquemáticas y rostros cortantes, de pincelada suelta y colores intensos: "Muchacha aseándose" (1912), "Después del baño" (1912), "Cuatro bañistas en la playa" (1913). Max Pechstein realizó en 1914 un viaje por Oceanía, recibiendo como tantos otros artistas de la época la influencia del arte primitivo y exótico: "Mujer e indio sobre una alfombra" (1909), "Al aire libre (Bañistas en Moritzburg)" (1910), "Tres desnudos en un paisaje" (1911), "Amanecer" (1911), "La danza, bailarines y bañistas en el estanque del bosque" (1912), "Tríptico de Palau" (1917). Otto Mueller realizó obras sobre paisajes y desnudos con formas esquemáticas y angulosas donde se percibe la influencia de Cézanne y Picasso. Sus desnudos suelen situarse en paisajes naturales, evidenciando la influencia de la naturaleza exótica de Gauguin. Sus figuras delgadas y esbeltas están inspiradas en Cranach, de cuya "Venus" tenía una reproducción en su estudio. Son desnudos de gran sencillez y naturalidad, sin rasgos de provocación o sensualidad, expresando una perfección ideal, la nostalgia de un paraíso perdido, en que el ser humano vivía en comunión con la naturaleza: "Tres desnudos en el bosque" (1911), "Desnudos al pie del agua" (1913), "Estanque del bosque con dos desnudos" (1915), "Joven en los rosales" (1918), "Dos mujeres sentadas en las dunas" (1922), "Dos muchachas en la hierba" (1926).


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text: Fuera de los principales grupos expresionistas se situó la obra de Paula Modersohn-Becker: en unas visitas a París entre 1900 y 1906 recibió la influencia de Cézanne, Gauguin y Maillol, combinando de forma personal las formas tridimensionales de Cézanne y los diseños lineales de Gauguin, principalmente en retratos y escenas maternas, así como desnudos, evocadores de una nueva concepción en la relación del cuerpo con la naturaleza, como en "Madre arrodillada con niño" (1907). En Viena destacó Egon Schiele, discípulo de Klimt, cuya obra giró en torno a una temática basada en la sexualidad, la soledad y la incomunicación, con cierto aire de voyeurismo, con obras muy explícitas por las que incluso estuvo preso, acusado de pornografía. Dedicado principalmente al dibujo, otorgó un papel esencial a la línea, con la que basó sus composiciones, con figuras estilizadas inmersas en un espacio opresivo, tenso. Recreó una tipología humana reiterativa, con un canon alargado, esquemático, alejado del naturalismo, con colores vivos, exaltados, destacando el carácter lineal, el contorno. Algunas obras suyas entre su extensa producción son: "Joven desnuda con los brazos sobre el pecho" (1910), "Desnudo tumbado con los brazos hacia atrás" (1911), "Dos muchachas" (1911), "Desnudo femenino sentado" (1914), "Pareja de mujeres" (1915), "Desnudo acostado" (1917), "El abrazo" (1917), etc.


title: Historia del desnudo artístico

text: En escultura destacó Georg Kolbe, dedicado especialmente al desnudo, con figuras dinámicas, en movimientos rítmicos cercanos al ballet, con una actitud vitalista, alegre y saludable. Su obra más famosa fue "La Mañana", expuesta en el Pabellón de Alemania construido por Ludwig Mies van der Rohe para la Exposición Internacional de Barcelona de 1929. Por otro lado, el noruego Gustav Vigeland realizó entre 1924 y 1942 un extraordinario conjunto escultórico en el Parque Frogner de Oslo —luego llamado Parque de Vigeland—, con más de un centenar de figuras desnudas, que representan la vida humana analizada en las diversas etapas y edades de la vida, desde la infancia hasta la vejez, con un estilo sereno y confiado, sano y optimista, que expresa sin prejuicios ni moralinas el sentido pleno y natural de la vida. En Francia se formó la denominada Escuela de París, un grupo heterodoxo de artistas que trabajaron en el período de entreguerras, vinculados a diversos estilos artísticos como el postimpresionismo, el expresionismo, el cubismo y el surrealismo. Uno de sus principales exponentes fue Amedeo Modigliani, artista de vida bohemia, sumido en el sexo, las drogas y el alcohol. Recibió una formación clásica, donde cobró preferencia por el manierismo y la escuela veneciana. En 1902 estudió en la Scuola Libera di Nuodo de Florencia, dedicada especialmente al desnudo. En sus obras remarcaba con fuerza el contorno, de líneas fluidas, herederas del arabesco modernista, mientras que el espacio se formaba por yuxtaposición de planos de color, con figuras alargadas inspiradas en los maestros italianos del Cinquecento. Entre sus obras cabría citar: "Desnudo doloroso" (1908), "Desnudo sentado" (1910), "Cariátide" (1913-1914), "Desnudo rojo con los brazos abiertos" (1917), "Desnudo sentado en un diván" (1917), "Desnudo con collar" (1917), "Desnudo echado sobre un cojín azul" (1917), "Desnudo tumbado de espaldas" (1917), "Desnudo recostado" (1919), etc.


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text: Otros miembros de la Escuela de París fueron: Marc Chagall, que realizó obras de carácter onírico, cercanas a un cierto surrealismo, distorsionando la realidad a su capricho, en escenas que se encuentran en un espacio irreal, ajeno a reglas de perspectiva o escala, en un mundo donde evoca sus recuerdos infantiles, mezclados con el mundo de los sueños, la música y la poesía: "Desnudo sobre Vitebsk" (1933), "A mi mujer" (1933), "El crucificado de Vitebsk" (1938). Georges Rouault estuvo vinculado en principio al simbolismo ("Stella matutina", 1895) y al fauvismo, pero su temática de índole moral —centrada en lo religioso— y su colorido oscuro lo acercaron al expresionismo. Sus obras más emblemáticas son las de desnudos femeninos, que tienen un aire amargo y desagradable, con figuras lánguidas y blanquecinas ("Odaliscas", 1907). Ejecutó entre 1903 y 1904 diversos cuadros de prostitutas desnudas donde se recrea en la depravación de su oficio, reflejando de forma horrenda la materialidad de la carne, despojada de cualquier componente ideal o moral, con un sentido de denuncia de la decadencia de la sociedad procedente de su ideario neocatólico, en un estilo expresionista de trazos rápidos y líneas básicas. Obras suyas son: "Desnudo al espejo" (1906), "Mujer joven" (1906) y "Otoño" (1936). Jules Pascin expresó en su obra el desarraigo y la alienación del desterrado, así como las obsesiones sexuales que le marcaron desde su adolescencia. Tenía una delicada técnica, con una línea finamente sugerida y un color de tonos iridiscentes, mostrando en sus desnudos un aire lánguido y evanescente, de cierta influencia degasiana: "Manolita" (1929). También cabría recordar a Marcel Gromaire, autor de desnudos de formas sensuales y vigorosas, con predominio de colores ocres y amarillos ("Desnudo con un tapiz de Oriente", 1926; "Desnudo rubio", 1926; "Desnudo con abrigo", 1929); y Tsuguharu Foujita, que realizó una síntesis de la tradición japonesa y la occidental, con un grafismo preciso y un acabado brillante, como si fuera de laca ("El salón de Montparnasse", 1928).Este movimiento se basó en la deformación de la realidad mediante la destrucción de la perspectiva espacial de origen renacentista, organizando el espacio según una trama geométrica, con visión simultánea de los objetos, una gama de colores fríos y apagados, y una nueva concepción de la obra de arte, con la introducción del "collage". Su principal exponente fue Pablo Picasso: de formación académica ("Desnudo femenino de espaldas", 1899; "Desnudo femenino sentado", 1899), pasó por diversos periodos antes de desembocar en el cubismo, de los que conviene recordar para el tema del desnudo su «período rosa», de un clasicismo influenciado por Ingres, con temáticas ambientadas en el mundo circense y de la "toilette" impresionista: "Saltimbanquis" (1904), "Familia de arlequín" (1905), "Holandesa con cofia" (1905), "Muchacho desnudo con caballo" (1905), "Desnudo de Fernande Olivier" (1905), "Dos desnudos" (1906), "El harén" (1906), "Los dos hermanos" (1906), "Desnudo de la cabellera" (1906), "Desnudo con las manos juntas" (1906). En 1907 realizó "Las señoritas de Avignon", que supuso una ruptura total con el arte tradicional, haciendo un alegato contra la belleza convencional, la belleza basada en reglas y proporciones. Ya el tema elegido —un burdel— es sintomático de protesta, de rebeldía, pero además el tratamiento de las figuras, deformadas y reducidas a cuerpos geométricos simples (cubo, cilindro), denota su afán desmitificador del concepto clásico de belleza. En esta obra Picasso trasluce una fuerte influencia por la escultura africana, de formas estilizadas y basadas en líneas simples de construcción geométrica, con un sentido más intuitivo que realista de la representación del cuerpo, un estilo que evoca más la presencia anímica que la corporeidad física. Sin embargo, la desmembración de los cuerpos no es aleatoria, sino sometida a leyes de refracción, encuadrada en contornos agudos y planos cóncavos tomados de la espacialidad del arte africano.  "Las señoritas de Aviñón" inició el llamado «período negro» de Picasso, un breve lapso hasta su etapa plenamente cubista, en el que realizó además "Desnudo con paños" (1907), "Tres mujeres" (1908) y "La dríada (Desnudo en el bosque)" (1908). Del período plenamente cubista destacan "Desnudo" (1910) y "La mujer en camisa" (1913), aunque en esta etapa no se dedicó especialmente al desnudo. Posteriormente, tras una visita a Pompeya en 1917, redescubrió la frescura y el componente vital del arte clásico primigenio, y en su dibujo de unas "Bañistas" de ese año realizó una composición de formas más naturalistas, aunque estilizadas y tratadas con la libertad artística de su original creatividad. Durante los primeros años 1920 realizó desnudos de concepción más clásica, como en sus ilustraciones de Ovidio y Aristófanes, pero eran desnudos de una voluntaria objetividad que les privaba de vitalidad, la cual se reafirmaría cuando posteriormente volvió a la deformación de sus figuras, como en su "Mujer desnuda en un sillón rojo" de 1929, cuya distorsión parece deliberadamente cruel y desmitificadora. Esta obra no atenta ya contra el desnudo clásico, sino contra el desnudo contemporáneo, ya que el decorado donde se encuentra la figura recuerda al de las "Odaliscas" de Matisse realizadas pocos años antes. Aquí se percibe el Picasso rebelde, iconoclasta, siempre en busca de caminos nuevos y en contra de todo convencionalismo, sea del pasado o del presente. Realizó en este sentido diversas versiones de obras clásicas de la historia del arte, como "Parodia de la “Olympia” de Manet" (1901-1903), "La Venus del espejo" (1932) y "Le Déjeuner sur l'herbe" (1961). Desde aquí inició Picasso un camino cada vez más abstrayente de la figura humana, sometido a un proceso distorsionador cada vez mayor, como se percibe en la serie de litografías "Les Deux Femmes nues" (1945-1946), que presenta una figura acostada durmiendo y otra sentada despierta —quizá una alusión al mito de Cupido y Psique—, que en sucesivas fases se muestra desde unas formas naturalistas hasta casi la abstracción. Otras obras suyas son: "Bañista sentada" (1930), "Desnudo" (1932), "La Musa" (1935), "Figuras en la playa" (1937), "Mujer peinándose" (1940), "Masacre en Corea" (1951), "Las mujeres de Argel" (1955), "Mujeres arreglándose" (1956), "Desnudo bajo un pino" (1959), etc.


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text: Otros representantes del cubismo fueron: Georges Braque, iniciador del estilo con Picasso, cuyo "Gran desnudo" (1908) guarda un gran paralelismo con "Las señoritas de Aviñón", con influencia africana y un cierto aire totémico, con un movimiento rítmico. Fernand Léger recreó en sus obras una estructura volumétrica de la forma basada en tubos —por lo que su estilo fue denominado «tubismo»—: "Figuras desnudas en un bosque" (1910), "La modelo desnuda en el taller" (1912-1913), "Tres mujeres desayunando" (1921), "Desnudos sobre fondo rojo" (1923), "Las tres mujeres sobre fondo rojo" (1927), "Dos mujeres con flores" (1954). Robert Delaunay realizó en "La ciudad de París" (1910) una curiosa mezcla entre la figuración y la abstracción geométrica, con un espacio estructurado por bloques, con un cromatismo matizado que difumina las formas en el entorno que les rodea. Joan Miró pasó por el fauvismo y el cubismo antes de llegar al surrealismo, su etapa más conocida: "Desnudo con pájaro y flor" (1917), "Desnudo con espejo" (1919), "Desnudo de pie" (1921).


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text: En escultura, Alexander Archipenko fue el creador de la «construcción», la variante escultórica del "collage". En "Mujer caminando" (1912) introdujo un nuevo análisis de la figura humana, descompuesta en formas geométricas y horadada en ciertos puntos con agujeros que crean un contraste entre lo sólido y lo hueco, en una nueva forma de entender la materia. En "Mujer peinándose" (1915) siguió el criterio cubistizante de "Las señoritas de Aviñón", y en "Mujer sentada" (1916) experimentó con el espacio cóncavo, mientras que en "Torso de mujer" (1922) acentuó la estilización de la figura, proceso que culminó en "Torso en el espacio" (1935). Julio González utilizó en su escultura planchas de hierro para simular la epidermis, en partes del cuerpo humano que denotan la ausencia de lo que sería el conjunto del cuerpo, efecto acentuado por la vacuidad de la obra ("Busto femenino", 1934; "Torso", 1936). Henri Laurens trabajó en diversos materiales, desde la madera y el metal hasta los "papiers collés" y los "tableaux-objets", pasando por métodos mixtos y ensamblajes, a menudo pintados posteriormente ("sculpto-peintures"). Junto a otras obras, la figura femenina fue una de sus máximas fuentes de inspiración, como en "Mujer del abanico" (1921), "Mujer en cuclillas" (1922) y "Desnudo con espejo" (1922). Movimiento italiano que exaltó los valores del progreso técnico e industrial del siglo XX, destacando aspectos de la realidad como el movimiento, la velocidad y la simultaneidad de la acción, el futurismo aspiraba a transformar el mundo, a cambiar la vida, mostrando un concepto idealista y algo utópico del arte como motor de la sociedad. Aunque los futuristas no se dedicaron especialmente al desnudo, conviene recordar a Umberto Boccioni y su "Formas únicas de continuidad en el espacio" (1913), una versión moderna del «desnudo heroico» clásico, con la que pretendía «la abolición de la línea finita y de la estatua cerrada», otorgando a su figura una fuerza centrífuga. Con esta escultura Boccioni intentó ir más allá de la impresión de movimiento, explorar la noción de velocidad y fuerza en la escultura, pretendiendo asignar valores lumínicos a la superficie tallada. La escultura excede los límites corpóreos del ser humano, y se asemeja a una bandera ondeando en el viento. Parece que el cuerpo que se representa serpentea, luchando contra una fuerza invisible. Aunque el resultado (físico) es un retrato en tres dimensiones, el cuerpo en movimiento introduce una cuarta dimensión, el tiempo.


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text: Movimiento de reacción a los desastres de la guerra, el dadaísmo supuso un planteamiento radical del concepto de arte, que pierde cualquier componente basado en la lógica y la razón, reivindicando la duda, el azar, lo absurdo de la existencia. Esto se traduce en un lenguaje subversivo, donde se cuestionan tanto las temáticas como las técnicas tradicionales del arte, experimentando con nuevos materiales y nuevas formas de composición, como el "collage", el fotomontaje y los "ready-made". Su principal factótum fue Marcel Duchamp, que tras una fase fauvista ("Desnudo con medias negras", 1910; "Joven y muchacha en primavera", 1911; "El matorral", 1910-1911), realizó en "Desnudo bajando una escalera" (1911) una síntesis entre cubismo y futurismo, donde el cuerpo ha sido descompuesto en volúmenes geométricos y serializado en diversos movimientos superpuestos. En esta obra Duchamp se aleja de la realidad, donde el desnudo no tiene significación, solo es un medio de experimentación. En "El rey y la reina con los desnudos ágiles" (1912) representó la figura humana como piezas de ajedrez. Una de sus obras más famosas es "El gran vidrio" (o "La novia desnudada por sus solteros, incluso", 1915-1923), desnudo abstracto formado por dos planchas de vidrio unidas por un marco de plomo, y situadas en una caja de vidrio, instalada en el Philadelphia Museum of Art. Según el libro de instrucciones que dejó el autor, la novia se desnuda para excitar a los solteros que la cortejan, aunque su separación física impide que puedan lograr el objetivo de consumar su amor, en un claro mensaje de lo fútil de las pasiones humanas y cómo el ser humano transita en soledad por la vida. Otra emblemática obra suya fue "Dándose: 1. La caída de agua, 2. El gas de alumbrado" (1944-1966), instalación con diversos materiales (una puerta de madera, una lámpara de gas, ladrillos, cuero, leña, plexiglás), que presenta un cuerpo de mujer tendido sobre unos matorrales, visto a través de un agujero en la puerta, en referencia a la mujer como algo inaccesible, enigmático.


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text: Otros exponentes del dadaísmo fueron: Francis Picabia, artista subversivo y de fuerte temperamento individualista, autor de desnudos como "Mujer e ídolo" (1940), "La morena y la rubia" (1941), "Dos desnudos" (1941), "Desnudo" (1942) y "Cinco mujeres" (1942). Man Ray fue pintor, escultor y fotógrafo, uno de los más originales del movimiento, con una desbordante fantasía creadora. Una de sus esculturas más famosas es la "Venus restaurada" (1936), un torso de mujer que recuerda una Venus griega, pero atado con cuerdas que le rodean todo el cuerpo.El surrealismo puso especial énfasis en la imaginación, la fantasía, el mundo de los sueños, con una fuerte influencia del psicoanálisis, como se percibe en su concepto de «escritura automática», por la que intentan expresarse liberando su mente de cualquier atadura racional, mostrar la pureza del inconsciente. Uno de sus precursores fue Giorgio de Chirico, iniciador de la llamada pintura metafísica, con obras de atmósfera inquietante, con espacios vacíos y extrañas perspectivas, y figuras antropoides que semejan maniquíes: "Perseo y Andrómeda" (1910), "La estatua silenciosa Ariana" (1913), "Mujeres romanas" (1926), "Desnudo de mujer" (1929), "Autorretrato desnudo" (1942), "Escuela de gladiadores" (1953).


title: Historia del desnudo artístico

text: Salvador Dalí fue uno de los grandes genios del arte del siglo XX, con una personalidad megalómana e histriónica que lo convirtió en una figura mediática, ensalzándolo como paradigma del artista excéntrico. Tuvo una formación académica, y sus primeras obras de adolescencia estaban cercanas a un impresionismo puntillista ("Merienda en el campo", 1921; "Musa de Cadaqués", 1921; "Desnudo en un paisaje", 1922-1923; "Bañistas de la Costa Brava", 1923). Con posterioridad pasó rápidamente por diversas fases relacionadas con movimientos vanguardistas, desde el fauvismo y el cubismo hasta el futurismo y la pintura metafísica ("Composición satírica", 1923, inspirado en "La danza" de Matisse; "Desnudo femenino", 1925; "Venus y cupidillos", 1925). En 1928 se instaló en París, adentrándose en el surrealismo, del que sería uno de sus máximos representantes, y al año siguiente conoció a Gala Éluard, que sería su gran musa, y a la que retrató en numerosas ocasiones, algunas de ellas desnuda. Comenzó en esa época su interés por el psicoanálisis freudiano, llegando a inventar un método de interpretación de los sueños que denominó «método paranoico-crítico». Gran parte de sus reflexiones psicológicas se centran en el sexo, tema recurrente en su obra, que gira en torno a la pugna freudiana entre el principio de placer y el principio de realidad. De la fase surrealista son la mayor parte de sus obras: "El gran masturbador" (1929), "Rosas ensangrentadas" (1930), "Sin título (Guillermo Tell y Gradiva)" (1931), "Instrumento masoquista" (1933-1934), "El sueño apoya su mano sobre el hombro de un hombre" (1936), "La edad de oro - Familia de centauros marsupiales" (1940-1941), "Traje de desnudo con cola de bacalao" (1941), "La miel es más dulce que la sangre" (1941), "Sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada un segundo antes de despertar" (1944), "Galarina" (1944-1945, inspirado en "La Fornarina" de Rafael), "La apoteosis de Homero" (1944-1945), "Mi mujer desnuda contemplando su propio cuerpo transformándose en escalones, tres vértebras de una columna, cielo y arquitectura" (1945), "La tentación de San Antonio" (1946), etc. Entre 1940 y 1955 residió en Estados Unidos, donde desde 1947 cobró interés por el misticismo religioso y la física atómica, así como por la perspectiva basada en la sección áurea. De esta época son obras como: "Leda atómica" (1949, sobre el mito de Leda y el cisne, donde Leda es su mujer, Gala), "El juicio de Paris" (1950), "Crucifixión (Corpus hypercubus)" (1954), "Dalí desnudo, en contemplación ante cinco cuerpos regulares metamorfoseados en corpúsculos, en los que aparece repentinamente la Leda de Leonardo cromosomatizada por el rostro de Gala" (1954), "Dos adolescentes" (1954). Posteriormente regresó a España, donde se consagró a la tarea de fundar un museo, el Teatro-Museo Dalí de Figueras, al tiempo que seguía trabajando: "Gala desnuda de espaldas" (1960), "Sin título (San Juan)" (1964), "La pesca del atún" (1966-1967), "El torero alucinógeno" (1968-1970), "Tres gracias hiperrealistas" (1973), "Desnudo de calcomanía" (1974), "Gala mirando al mar Mediterráneo que, a una distancia de veinte metros, se transforma en el retrato de Abraham Lincoln - Homenaje a Rothko" (1974-1975), "La mano de Dalí levantando un Vellocino de Oro en forma de nube para mostrar a Gala la aurora completamente desnuda, muy lejos detrás del sol" (1977, inspirado en el "Paisaje con el embarco en Ostia de Santa Paula Romana" de Claude Lorrain), "Los vinos de Gala y el divino" (1977), "Munumento imperial a la mujer-niña" (1977, basado en "Las Oréades" de Bouguereau). Dalí fue también escultor ("Busto de mujer retrospectivo", 1933; "Desnudo femenino histérico y aerodinámico", 1934; "Venus de Milo con cajones", 1936; "El esclavo de Michelin", 1964, con el "Esclavo moribundo" de Miguel Ángel atravesado por una rueda Michelin; "Homenaje a Newton", 1969; "Cristo twisteado", 1976), y colaboró con el fotógrafo Philippe Halsman en varias composiciones fotográficas: "Dalí cósmico" (1948), "Cráneo humano compuesto de siete cuerpos femeninos desnudos" (1951).


title: Historia del desnudo artístico

text: Paul Delvaux se encuadró en un tipo de pintura figurativa pero extrañamente inquietante, donde unas figuras que parecen sonámbulas deambulan por espacios arquitectónicos o paisajísticos de perfecta factura, influidos por Piero della Francesca y la perspectiva renacentista, y donde las mujeres desnudas conviven con hombres que las miran con ávido voyeurismo, o con esqueletos que recuerdan el género barroco de la "vanitas", consiguiendo recrear un ambiente de un erotismo de pesadilla. Delvaux transmite una visión pesimista del amor, que a menudo relaciona con la muerte, en una conjunción entre Eros y Thanatos. Así, en "La ciudad dormida" (1938) presenta una ciudad nocturna, de arquitectura clásica, donde mujeres desnudas deambulan como sonámbulas, representando el mito de la mujer soñada, inalcanzable, mientras un hombre las mira impotente. En "Pigmalión" (1939) invierte los roles, siendo una mujer desnuda la que abraza una estatua masculina. "El Congreso" (1941), pese a lo realista de la imagen, recrea una atmósfera inquietante, donde unas mujeres desnudas se pasean entre un grupo de hombres que discuten de sus asuntos sin reparar en ellas. En "La vía pública" (1948) presenta una Venus reclinada que recuerda a las de Giorgione o Tiziano, pero situada en medio de la calle y frente a un tranvía que avanza hacia ella. Otras obras suyas son: "La pareja" (1929), "Crisis" (1930), "Ninfas bañándose" (1938), "La visita" (1939), "Entrada en la ciudad" (1940), "Sirena a la luz de la luna" (1940), "Boda" (1941), "Venus durmiendo" (1944), "La conversación" (1944), "Mujer ante el espejo" (1945), "El enigma" (1946), "Sirenas" (1947), "Leda" (1948), "Dríadas" (1966), etc.


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text: René Magritte desarrolló una obra donde lo corriente y lo banal convive con lo fantástico y extraño, a menudo con fuertes connotaciones eróticas, en atmósferas perturbadoras con una iconografía recurrente, destacando la ambigüedad de los objetos que retrata. En "Las cómplices del mago" (1927), a pesar de la figuración realista el artista recrea un ambiente onírico donde la interpretación queda abierta a la imaginación. En "Manía de grandezas" (1961) elaboró un torso femenino seccionado en tres partes, que se van estrechando según van ascendiendo, creando una forma de zigurat, como la famosa Torre de Babel. "La violación" (1934) es un rostro donde la cara está sustituida por un torso desnudo, siendo los ojos los pechos y la boca el pubis. Otras obras suyas son: "Amistades peligrosas" (1926), "El bosque" (1926), "Luz polar" (1927), "Los días gigantescos" (1928), "Invención colectiva" (1934), "Bañista entre luz y oscuridad" (1935), "Flores del diablo" (1946), "Mar de llamas" (1946), "Olimpia" (1947), "La libertad del espíritu" (1948), "El vestido de la noche" (1954), etc.


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text: Óscar Domínguez realizaba asociaciones automáticas de objetos, donde las figuras se alargan y adquieren consistencia gelatinosa, combinando humor y deseo como motores de la actividad humana. En "La máquina de coser electrosexual" (1935) muestra un delirio onírico donde el componente sexual se combina con la mecanicidad de la era industrial, a través de un cuerpo de mujer desnudo y tendido boca abajo, con una planta carnívora devorándole los pies y un chorro de sangre que cae sobre su espalda a través de un embudo proveniente de una cabeza de toro. Es una representación de un erotismo sádico, donde el sexo se mezcla con la muerte. El toro representa lo primitivo, la lucha entre la vida y la muerte, mientras que la máquina representa lo racional, el triunfo de la voluntad del hombre sobre el entorno que le rodea.


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text: Otros surrealistas que practicaron el desnudo fueron: Max Ernst, que solía trabajar en "collage" por su formación dadaísta, y que mostró un gran interés por la irracionalidad y el arte efectuado por dementes: "Los grandes enamorados" (1926), "Jóvenes desnudas" (1926), "Vistiendo a la novia" (1940); y André Masson, interesado en la vía automática (libre asociación de ideas), con una obra gestualista, agresiva, con interés por el sadomasoquismo: "Desnudo matemático" (1928), de influencia mironiana.  En escultura, Constantin Brâncuşi efectuó un proceso de reducción de la figura humana hacia la más estricta simplicidad, cercana a la abstracción ("Musa dormida", 1911). Siguió su estela Alberto Giacometti, con figuras reducidas a simples filamentos, que él denominaba «construcciones transparentes», muy alargadas y demacradas, mostrando el aislamiento del hombre: "Desnudo de pie" (1953), "Mujer alta" (1960). Hans Bellmer practicó un erotismo de corte sado-masoquista, con maniquíes articulados en diversas posturas, como "La muñeca" (1934). Henry Moore se inspiró en el cuerpo humano en muchas de sus obras, que suponen una abstracción de la forma donde el cuerpo queda esbozado en unas líneas simples y dinámicas, ondulantes, que sugieren más que describen la forma básica del cuerpo. Algunas de sus obras, como "Figura recostada" (1938) y "Figura reclinada" (1951), recuerdan vagamente algunas figuras del Partenón como el "Iliso" y el "Dioniso", pero esquematizadas en formas alargadas y fluidas, de líneas serpenteantes, que evocan la erosión del mar en una roca.


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text: Se relaciona con el surrealismo la obra por lo demás personal e inclasificable de Frida Kahlo, que reflejó en sus lienzos su vida atormentada por un accidente que le destrozó la columna vertebral y las infidelidades de su esposo. Uno de sus primeros desnudos fue "Desnudo de Mujer India" (1929), donde ya muestra su estilo, de una figuración de corte fantástico y un intenso cromatismo, con abundancia de elementos anecdóticos. En "Unos cuantos piquetitos" (1935) representó un brutal asesinato real ocurrido poco antes, cometido por celos, donde el asesino se defendió diciendo «¡pero sólo fueron unos cuantos piquetitos!», escena en la que la autora proyecta su dolor por la infidelidad de su marido con su hermana pequeña, hecho corroborado por las puñaladas que asestó a la obra nada más terminarla. En "Dos desnudos en un bosque" (1939) aparecen dos mujeres desnudas, una de piel más clara y otra de piel más oscura, reclinada una sobre otra, y observadas por un mono, símbolo del pecado, en una escena que puede tener dos interpretaciones: la primera sería la del amor lésbico, mientras que la segunda sería un doble autorretrato de Frida, plasmando sus dos naturalezas, la europea y la mexicana. "La columna rota" (1944) es un autorretrato que muestra el corsé de acero que tuvo que llevar un tiempo a causa del accidente que le había destrozado la columna vertebral, representada por una columna jónica, mientras que tiene todo el cuerpo atravesado de clavos, en una imagen de intenso dramatismo; en este cuadro inicialmente aparecía desnuda, pero finalmente solo dejó los pechos al descubierto.


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text: El "Art déco" fue un movimiento surgido en Francia a mediados de los años 1920 que supuso una revolución para el interiorismo y las artes gráficas e industriales. Dirigido principalmente a un público burgués —el de la llamada "belle époque"—, destacó por la ostentación y el lujo, y se desarrolló notablemente en ilustración publicitaria (Erté) y cartelismo (Cassandre). En pintura destacó la obra de Tamara de Lempicka: se formó con el nabí Maurice Denis y el cubista André Lhote, al tiempo que sentía una gran fascinación por Ingres, por lo que su obra fue apodada de «cubismo ingresiano». Más adelante tuvo una fase surrealista, para encaminarse posteriormente a un cierto neoclasicismo. Sus desnudos presentan mujeres que son un producto de su época, elegantes y sofisticadas, con lujo y glamour, como salidas de una revista de moda, pero sometidas a los dictados de una sociedad machista, de la que en ocasiones parecen rebelarse, convirtiéndose en modernas heroínas cuyos cuerpos traslucen una vibrante potencia interior. Frente a la dicotomía clásica entre la Venus celestial y la Venus mundana, Lempicka crea un tercer tipo de mujer, no divina ni inasequible, pero tampoco vulgar ni vilipendiable, una mujer moderna que asume sin trabas su sexualidad, y que es admirada y respetada por los hombres, una mujer de alta sociedad que sigue los dictados de la moda. Entre sus obras destacan: "Las dos amigas" (1923), "Perspectiva" (1923), "Muchacha durmiendo" (1923), "Desnudo sentado" (1923), "Ritmo" (1924), "Desnudo en una terraza" (1925), "La modelo" (1925), "Grupo de cuatro desnudos femeninos" (1925), "El sueño" (1927), "Andrómeda" (1927), "La camiseta rosa" (1927), "La bella Rafaela" (1927), "Mujeres bañándose" (1929), "Dos amigas" (1930), "Desnudo con edificios" (1930), "Adán y Eva" (1932), "Susana en el baño" (1938), etc.En España, las vanguardias artísticas tuvieron una implantación más lenta, aunque muchos artistas españoles fueran pioneros de la vanguardia internacional (Picasso, Dalí, Miró). A principios de siglo, aún dominaba el panorama artístico español el academicismo, conviviendo en menor medida con el impresionismo y el modernismo (sobre todo en Cataluña), que fue sustituido en los años 1910 por el novecentismo, movimiento clasicista de inspiración mediterránea. Aun así, poco a poco se fueron introduciendo las nuevas corrientes, especialmente el cubismo, el expresionismo y el surrealismo. En este ambiente, el desnudo fue un tema muchísimo más frecuente que en todo el arte anterior practicado en la península, y muchos artistas españoles concurrieron a certámenes internacionales con obras de desnudo. Así, por ejemplo, Julio Romero de Torres debió buena parte de su fama a sus desnudos, de factura académica pero con cierta influencia leonardesca —en sus inicios estuvo tentado por el puntillismo, como en "Vividoras del amor" (1906), pero lo abandonó enseguida—, teñidos de un sentimiento dramático y sensualista propios de su origen cordobés, como se percibe en "La Musa gitana" (1908), "El retablo del amor" (1910), "El pecado" (1913), "Venus de la poesía" (1913), "La gracia" (1915), "Rivalidad" (1925-1926), "Ofrenda al arte del toreo" (1929), "Cante hondo" (1929), "La nieta de Trini" (1929), etc. Ignacio Zuloaga recibió la influencia de Toulouse-Lautrec, pero su obra se nutre de los maestros del Prado, con obras de tinte costumbrista donde destacan el "Desnudo de «la italiana»", el "Desnudo de la mantilla y el clavel" (1915) y "La Oterito" (1936). Otros artistas destacados son: José Gutiérrez Solana ("Las chicas de la Claudia", 1929), Marceliano Santa María ("Angélica y Medoro", 1910; "Figuras de romance", 1934), Fernando Álvarez de Sotomayor ("Orfeo atacado por las bacantes", 1904; "El rapto de Europa", 1907"; Leda y el cisne", 1918), Francisco Soria Aedo ("Pasión", "Fauno galante", "Fruto de amor", "Juventud de Baco"), Gabriel Morcillo ("Alegoría a Baco", "Fantasía morisca"), Eduardo Chicharro ("Los amores de Armida y Reinaldo", 1904; "Las tentaciones de Buda", 1922), Eugenio Hermoso ("El baño de las zagalas", 1923; "Tierra, Fauna y Flora", 1923; "Melancolía", 1926; "Madreselvas", 1926), Roberto Fernández Balbuena ("Desnudo de espaldas", 1926; "Desnudo Pittsburgh", 1926; "Desnudos luz sombra", 1929), Néstor Martín-Fernández de la Torre ("Adagio", 1903; "Calma", "Pleamar" y "Borrasca" de la serie "Poema del Atlántico", 1918-1924), Juan de Echevarría ("La mestiza desnuda", 1923), Francisco Iturrino ("Mujeres en el campo", "Mujeres en la playa"), Hermenegildo Anglada Camarasa ("Gitana bajo una parra", 1909), Joaquim Sunyer ("Pastoral", 1911; "Paisaje con cuatro desnudos", 1915; "Desnudo en el campo", 1925), Aurelio Arteta ("Bañistas", 1930; "Hombres del mar", 1932), Josep Maria Sert (Sala Francisco de Vitoria del Palacio de las Naciones de Ginebra), Rafael Zabaleta ("Nocturno del desnudo", 1954), etc. En el plano escultórico, cabría citar a: Mariano Benlliure ("Maja desnuda", 1902), Enric Clarasó ("Eva", 1904), Josep Llimona ("Desconsuelo", 1907), Miguel Blay ("Eclosión", 1908), Mateo Inurria ("Deseo", 1914; "Forma", 1920), Josep Clarà ("El Crepúsculo", 1907-1910; "La Diosa", 1909; "Ritmo", 1910; "Juventud", 1928), Julio Antonio ("Venus Mediterránea", 1914), Victorio Macho ("Monumento a Santiago Ramón y Cajal", 1926), Pablo Gargallo ("Gran bailarina", 1929; "El profeta", 1933), etc.


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text: Desde la Segunda Guerra Mundial el arte ha experimentado una vertiginosa dinámica evolutiva, con estilos y movimientos que se suceden cada vez más rápido en el tiempo. El proyecto moderno originado con las vanguardias históricas llegó a su culminación con diversos estilos antimátericos que destacaban el origen intelectual del arte por sobre su realización material, como el arte de acción y el arte conceptual. Alcanzado ese nivel de prospección analítica del arte, se produjo el efecto inverso —como suele ser habitual en la historia del arte, donde los diversos estilos se enfrentan y se contraponen, el rigor de unos sucede al exceso de otros, y viceversa—, retornando a las formas clásicas del arte, aceptando su componente material y estético, y renunciando a su carácter revolucionario y transformador de la sociedad. Surgió así el arte postmoderno, donde el artista transita sin pudor entre diversas técnicas y estilos, sin carácter reivindicativo, volviendo al trabajo artesanal como esencia del artista. Por último, hay que remarcar a finales de siglo la aparición de nuevas técnicas y soportes en el terreno del arte: video, informática, internet, láser, holografía, etc.


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text: El informalismo es un conjunto de tendencias basadas en la expresividad del artista, renunciando a cualquier aspecto racional del arte (estructura, composición, aplicación preconcebida del color). Es un arte eminentemente abstracto, aunque algunos artistas conservan la figuración, donde cobra relevancia el soporte material de la obra, que asume el protagonismo por encima de cualquier temática o composición. Incluye diversas corrientes como el tachismo, el "art brut", la pintura matérica o el expresionismo abstracto en Estados Unidos. Los artistas informalistas han vivido en primera persona los horrores de la guerra, por lo que su obra está impregnada de pesimismo, de una desesperación vital que se traduce en obras agresivas, donde la figura humana se encuentra mutilada, deformada, machacada, remarcando la fragilidad y vulnerabilidad del ser humano, como se percibe en la obra de artistas como Dubuffet, que aplasta las figuras, abriéndolas en canal como a un buey; Fautrier, que desfigura la forma humana reduciéndola a una desnudez informe; o Antonio Saura, que crea monstruos en blanco y negro, incluso de bellezas como Brigitte Bardot. Estos autores pretenden destruir la idea de Belleza, Desnudo, Armonía, todos aquellos ideales que el arte académico trataba con mayúsculas. Se distancian de la cultura occidental, que ha engendrado estos horrores, volviendo al primitivismo, a la infancia de la humanidad. Para ello se valen también de nuevos materiales, considerados sucios, detríticos, indignos, como el barro, el yeso, los sacos, etc. Incluso, en vez de utilizar pinceles emplean sus propias manos, arañando la tela, remarcando el efecto gestual.


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text: Jean Fautrier hacía desnudos donde la figura se encuentra deformada, confeccionados a base de diversas texturas de color, en soportes de papel, tratados con revoco y cola, sobre los que aplica una sustancia bruta, hecha con tintas y polvos, sobre los que dibuja o araña, hasta conseguir la imagen deseada. Jean Dubuffet comenzó en 1950 su serie de "Cuerpos de Dama" —título antinómico, ya que contrapone la materialidad del cuerpo a la espiritualidad de la acepción de «dama», que otorga una elevada dignidad a la mujer—, hecha con materiales brutos, dibujando la figura a base de arañazos, y tratando el cuerpo como una masa que queda aplastada en el soporte, como en una tabla de carnicero. Willem de Kooning realiza desnudos femeninos, pero distorsionados al máximo, con gran colorido. Su serie de "Mujeres" (1945-1950) está a medio camino entre la figuración y la abstracción, donde la figura femenina se reduce a manchas de color, aplicadas de forma agresiva y expresiva, con contornos que igual evocan las prehistóricas diosas de la fertilidad que obscenas pintadas callejeras.


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text: Antoni Tàpies es un pintor básicamente abstracto, aunque en sus obras introduce a veces partes del cuerpo humano, especialmente genitales, de formas esquemáticas, muchas veces con apariencia de deterioro, el cuerpo aparece rasgado, agredido, agujereado. Así lo percibimos en "El fuego interior" (1953), torso humano en forma de tela de arpillera descompuesta por quemaduras; "Relieve ocre y rosa" (1965), figura femenina arrodillada; "Materia en forma de axila" (1968), en que a la figura de un torso mostrando la axila añade cabellos reales; "Cuerpo" (1986) refleja una figura yacente, evocadora de la muerte —lo que se acentúa por la palabra «Tartaros», el infierno griego—; en "Días de Agua I" (1987) vemos un cuerpo que se sumerge en olas de pintura gris, evocando la leyenda de Hero y Leandro. Otras obras suyas son: "Dos figuras" (1947), "Desnudo de barniz" (1980), "Torso" (1985), "Prajna = Dhyana" (1993), "Hombre" (2002), "Jersey negro" (2008), etc.


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text: Como reacción a la abstracción informalista surgió un movimiento que recuperó la figuración, con cierta influencia expresionista y con total libertad de composición. Aunque se basaban en la figuración no quiere decir que esta fuese realista, sino que podía ser deformada o esquematizada a gusto del artista. En la génesis de este estilo tuvo decisiva influencia la filosofía existencialista y su visión pesimista del ser humano, y entroncaron con el movimiento "beat" y los "angry young men". Uno de sus principales exponentes fue Francis Bacon, artista de trayectoria personal, solitaria, ajena a las vanguardias —en los años 1930, cuando empezó a pintar, fue rechazado por no ser surrealista o abstracto—. En 1944 destruyó toda su obra anterior, y empezó su estilo más personal con "Tres estudios de figuras para la base de una crucifixión", donde empleó un medio tradicional, el tríptico, para exponer unas figuras cuya desnudez es deforme, vulnerable, escarnecida, enmarcadas en espacios irreales, que semejan cajas que encierran las figuras en un ambiente opresivo, angustioso. Sus desnudos, tanto masculinos como femeninos, parecen amasijos de carne amorfa, que se retuerce y libra una lucha desesperada por la existencia. Tienen consistencia aceitosa y una palidez cadavérica, acentuada por la luz artificial, de bombilla, semejando más carne de carnicería que no de ser humano. Gran amante del arte —solía visitar a menudo el Museo del Prado—, realizó versiones de muchas obras de Velázquez o Rembrandt. Otras obras suyas son: "Estudio de desnudo agachado" (1952), "Desnudo" (1960), "Figura tumbada" (1966), etc.


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text: Para Lucian Freud el desnudo fue uno de sus principales temas, que trató de forma realista, descarnada, pormenorizada, sin omitir ningún detalle, desde venas y músculos hasta arrugas y cualquier imperfección de la piel. Son desnudos crudos, epidérmicos, expresivos, íntimos, es el ser humano despojado de cualquier accesorio, puro y libre tal como viene al mundo. Son desnudos algo angustiantes, ya que reflejan la vulnerabilidad de la carne mortal, la soledad de nuestro tránsito mundano, recuerdan lo perecedero de la vida. Sus primeros desnudos tienen un tono académico, todavía idealizado, como su "Desnudo dormido" (1950), pero poco a poco van cobrando expresividad, con pinceladas sueltas y un cromatismo más intenso, como en "Muchacha desnuda riendo" (1963), que es una de sus hijas. Entre los años 1960 y 1970 llega a su estilo definitivo, con figuras en posturas íntimas, despreocupadas, en encuadres que recuerdan la fotografía, con un dibujo lineal y contornos marcados, con una luz intensa y un fuerte cromatismo donde destacan los tonos carnales, dispuestos en manchas de colores: "Chica desnuda durmiendo" (1968), "Hombre desnudo con una rata" (1977-1978), "Rose" (1979), "Figura sentada" (1980-82), "Hombre desnudo en una cama" (1987), "Hombre desnudo visto de espaldas" (1992), "Dos mujeres" (1992), "Y el novio" (1993), "Pintor trabajando, reflejo" (1993, autorretrato del artista desnudo), "Flora con las uñas de los pies azules" (2000-2001), "Lucian Freud sorprendido por una admiradora desnuda" (2005).


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text: Balthus fue un pintor obsesionado por un tema, el despertar sexual de las jóvenes adolescentes, que solía representar en interiores de aspecto lánguido e intensa iluminación, con un erotismo algo ingenuo pero que denota cierto aire de perversidad: "La lección de guitarra" (1934), "El cuarto de estar" (1941-1943), "Chica durmiendo" (1943), " El aposento" (1947), "La habitación" (1952), "Desnudo ante el espejo" (1955), "Joven preparándose para el baño" (1958), "El gato ante el espejo" (1977-1980), "Desnudo acostado" (1983), "Latente" (1995). Ivan Albright se enmarcó en el llamado realismo mágico, con un estilo meticulosamente pormenorizado, retratando con rigurosa precisión la decadencia, la corrupción y los despojos de la edad, con gran intensidad emocional ("Dios creó al hombre a su imagen", 1929-1930).


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text: En escultura destacaron: Germaine Richier, que siguió la estela de Giacometti en figuras estilizadas de miembros alargados, que semejaban insectos, con un aspecto lacerado y andrajoso, como en descomposición, otorgando igual relevancia al vacío que a la materia ("El pastor de las Landas", 1951); y Fernando Botero, autor de figuras de grandes dimensiones, que parecen muñecas hinchadas ("Torso de Mujer (La Gorda)", 1987; "Mujer con espejo", 1987; "El rapto de Europa", 1994).


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text: Surgió en Gran Bretaña y Estados Unidos como movimiento de rechazo al expresionismo abstracto, englobando una serie de autores que retornaron a la figuración, con un marcado componente de inspiración popular, tomando imágenes del mundo de la publicidad, la fotografía, el cómic y los medios de comunicación de masas. El "pop-art" asumió el sexo como algo natural, sin tapujos, en el marco de la liberación sexual de los años 60 propugnada por el movimiento "hippy". La primera obra considerada pop fue "¿Qué es lo que hace que las cosas de hoy en día sean tan atractivas y tan agradables?" (1956), de Richard Hamilton, que era el cartel anunciador de la exposición "This is tomorrow", en la White Chapel Art Gallery de Londres; era un fotomontaje, que exaltaba el consumismo como elemento modernizador, donde los objetos cotidianos se convierten en obras artísticas, y donde aparecían un culturista y una mujer semidesnuda como objetos más de la escena.


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text: Tom Wesselmann realizó en la serie "Grandes desnudos americanos" (años 1960) un conjunto de obras donde el desnudo se muestra como un producto de consumo, con una estética publicitaria y cercana a las revistas eróticas tipo Playboy, acentuada por la planitud de las obras y la simplificación de colores de raíz matissiana, destacando las partes del cuerpo más «objetuales» (labios rojos, dientes blancos, melenas rubias, pechos prominentes), junto a diversos objetos decorativos, frutas o flores. Los cuerpos tienen una consistencia fría, artificial, como muñecas hinchables, y suelen presentar las típicas zonas blancas dejadas por bikinis en contraste con el resto del cuerpo más bronceado. En la serie "Cuartos de baño" (1963) pasó a la tridimensionalidad, donde sus típicas pinturas de desnudo aparecían con objetos reales como cortinas, toallas, detergentes o lacas de uña, o se veían por una puerta entreabierta, remarcando el efecto voyeurista. En "Naturaleza muerta" (1963) aparece una mujer desnuda con un cenicero cóncavo —símbolo del sexo femenino— y un cigarrillo —símbolo fálico—, en un ambiente algo "kitsch", con colores puros.


title: Historia del desnudo artístico

text: Mel Ramos realizó obras de un erotismo más evidente, cercano a la pornografía, con figuras femeninas que parecen "pin-ups", como en "Miss Corn-Flakes" (1964) o "Philip Morris. Tobacco Rose" (1965). Roy Lichtenstein se especializó en imágenes similares a las de los cómics, destacando incluso el característico punteado de los procesos de impresión. Entre 1993 y 1994 hizo su serie de "Desnudos": "Desnudo pensando", "Dos desnudos", "Desnudo con el pelo azul".


title: Historia del desnudo artístico

text: Movimiento francés inspirado en el mundo de la realidad circundante, del consumismo y la sociedad industrial, del que extraen —al contrario que en el "pop-art"— su aspecto más desagradable, con especial predilección por los materiales detríticos. Uno de sus principales exponentes fue Yves Klein, artista revolucionario que fue precursor del arte conceptual y de acción. Durante su «época azul», en que pintaba cuadros monocromos de un azul ultramar intenso —que bautizó como "International Klein Blue" (IKB), marca registrada—, realizó diversas esculturas de desnudo inspiradas en las Venus clásicas, pero teñidas de azul, como de igual manera versionó el "Esclavo moribundo" de Miguel Ángel. También realizó varios vaciados en yeso de amigos suyos, desnudos y pintados todos de azul, como "Retrato en relieve de Claude Pascal" (1962) y "Retrato en relieve de Arman" (1962). En 1958 empezó sus «antropometrías», donde una modelo desnuda —que él llamaba sus «pinceles vivientes»—, embadurnada de pintura, se acostaba sobre un lienzo, dejando la huella de su cuerpo pintada en la tela, en diversas improntas que variaban según la posición del cuerpo, o según el movimiento, ya que a veces hacía girar a las modelos sobre la tela. En ocasiones, también realizaba «antropometrías en negativo», es decir, situando la modelo delante de la tela y pulverizando pintura, con lo que quedaba marcada su silueta. Estas experiencias marcan el punto de origen del "body-art", al tiempo que preludian los "happenings", por la escenificación que Klein confería a estas realizaciones, desarrolladas a menudo en galerías ante el público, en veladas con música y degustando un aperitivo. Son diversas tendencias basadas en el acto de la creación artística, donde lo importante no es la obra en sí, sino el proceso creador, en el que además del artista interviene a menudo el público, con un gran componente de improvisación. Engloba diversas manifestaciones artísticas como el "happening", la "performance", el "environment", la instalación, etc. Se podrían considerar como pioneros los miembros del grupo Gutai en Japón: Katsuō Shiraga efectuó en "Volver al barro" una acción en la que se sumergía desnudo en el barro, como idea de la muerte, del retorno a la materia primigenia —estos artistas estaban muy marcados por la experiencia de la Segunda Guerra Mundial—. En Europa destacó el grupo Fluxus y artistas como Wolf Vostell, que realizó varios "happenings" donde intervenía el desnudo: en "Desastres (Encofrado con cemento de la vagina)" (1972) inmovilizó un vagón de tren y una mujer desnuda con hormigón armado durante 24 horas; en "Fandango" (1975) realizó un «concierto para dos violines, operario y modelo»: mientras él tocaba el violín, el operario con una sierra cortaba puertas de coche, y la modelo desnuda escuchaba con los ojos tapados. Las acciones de Vostell eran de marcado componente político, pretendiendo denunciar la injusticia social, la destrucción de la naturaleza, la carrera armamentística, la discriminación de la mujer y otras causas por el estilo.


title: Historia del desnudo artístico

text: Como reacción al minimalismo de moda en los años 1950 y 1960 surgió esta nueva corriente figurativa, caracterizada por su visión superlativa y exagerada de la realidad, que es plasmada con gran exactitud en todos sus detalles, con un aspecto casi fotográfico. John Kacere pinta fragmentos de cuerpos femeninos, especialmente sexos y nalgas con bragas ajustadas. En escultura, John de Andrea hace desnudos de fuerte carga sexual ("El artista y su modelo", 1976). En España, Antonio López García es autor de obras de factura académica pero donde la más minuciosa descripción de la realidad se aúna con un vago aspecto irreal cercano al realismo mágico. Algunos de sus desnudos son: "Mujer en la bañera" (1968), obra de efecto fotográfico, una mujer toma un baño en un ambiente de luz eléctrica que se refleja en los azulejos del baño, creando una composición intensa y vibrante; "Hombre y mujer" (1968-1990), obra en la que trabajó más de veinte años y dejó inacabada, pretende crear unos prototipos comunes de hombre y mujer, para lo que tomó múltiples apuntes de diversos modelos, sintetizados en unas formas estándar que podrían corresponder a cualquier persona de la calle.


title: Historia del desnudo artístico

text: Tras el despojamiento matérico del minimalismo, el arte conceptual renunció al sustrato material para centrarse en el proceso mental de la creación artística, afirmando que el arte está en la idea, no en el objeto. Incluye diversas tendencias, como el arte conceptual lingüístico, el "arte povera", el "body-art", el "land-art", el "bio-art", etc. También podrían enmarcarse en esta corriente diversos géneros de reivindicación social como el arte feminista y el arte homoerótico. En relación al desnudo tiene especial relevancia el "body-art", movimiento surgido a finales de los años 1960 y desarrollado en los 1970, que tocó diversos temas relacionados con el cuerpo, en especial en relación con la violencia, el sexo, el exhibicionismo o la resistencia corporal a determinados fenómenos físicos. Se evidencian en este movimiento dos líneas: la estadounidense, más analítica, donde se valora más la acción, el componente vital, instantáneo, valorando más la percepción y la relación con el espectador, y se documentan con videos; y la europea, más dramática, que tiende más a tratar el cuerpo objetualmente y tocar temas como el travestismo, el tatuaje o el dolor, documentando los resultados mediante fotografías, notas o dibujos.


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text: Uno de sus máximos exponentes, Dennis Oppenheim, experimentó con el bronceado, dejando partes del cuerpo en blanco. Stuart Brisley se hace manchas en el cuerpo, imitando la sangre. El grupo Accionismo vienés (Günther Brus, Otto Mühl, Hermann Nitsch y Rudolf Schwarzkogler) realizan automutilaciones, incidiendo en su propio cuerpo. Youri Messen-Jaschin se centró en el "body painting", recubriendo integralmente cuerpos desnudos con colores psicodélicos y biológicos. Urs Lüthi emplea diversos medios (fotografía, pintura, escultura, video), explorando su propio cuerpo, en autorretratos de estilo "kitsch", con una fuerte carga irónica, que constituyen una reflexión sobre el cuerpo, el tiempo y la vida, así como la relación con los otros. En 2001 presentó en la Bienal de Venecia dos instalaciones que son de sus obras más conocidas ("Run for your life" y "Placebos and surrogates"), donde el tema central es el culto desmedido al cuerpo.


title: Historia del desnudo artístico

text: El arte feminista ha tratado de reivindicar la imagen de la mujer como persona y no como objeto, incidiendo en su esencia tanto material como espiritual, y remarcando aspectos de su condición sexual como la menstruación, la maternidad, etc. Un aspecto esencial es el mensaje, el intento de hacer reflexionar al espectador, si es necesario mediante la provocación, con obras impactantes, que remueven la conciencia. Una de las formas de diluir las diferencias de género ha sido a través de la degradación o mutilación del cuerpo: así, Donna Haraway crea cuerpos neutros, transhumanos, que denomina «cuerpos cyborg». Cindy Sherman hace desnudos femeninos deliberadamente feos, repulsivos, para desmitificar el género. Judy Chicago defiende el valor de la mujer como algo más que un cuerpo bello, en obras como "Red Flag" (1971). Zoe Leonard muestra el cuerpo en su más cruda realidad, como en su serie "Vagina" (1990), inspirada en "El origen del mundo" de Courbet. Kiki Smith hace esculturas frágiles, de cuerpos fragmentados, remarcando los procesos de reproducción, con elementos escatológicos.


title: Historia del desnudo artístico

text: En los años 1970, la organización "Women Against Rape" («Mujeres contra la violación») criticó —entre otros aspectos de la cultura occidental— al desnudo femenino en la pintura, al considerar que la representación del cuerpo desnudo de la mujer es una forma de violación. En los años 1980 el grupo Guerrilla Girls lanzó una campaña bajo el lema «¿Tienen que estar las mujeres desnudas para entrar al Metropolitan Museum?», remarcando el hecho de que menos del 5% de los artistas contemporáneos en este museo son mujeres, pero el 85% de los desnudos son femeninos.


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text: Una de las artistas con más éxito en los últimos tiempos ha sido Jenny Saville, que realiza obras de gran tamaño con figuras vistas desde perspectivas poco usuales, donde los cuerpos semejan montañas de carne que parecen llenar todo el espacio, con predilección por mostrar las zonas genitales, o por imperfecciones y heridas de la piel, con colores brillantes, intensos, dispuestos por manchas, predominando los tonos rojos y marrones. Generalmente son cuerpos obesos —frecuentemente se autorretrata a sí misma—, donde la carne forma pliegues y arrugas, con unas formas monumentales que parecen la visión que un niño tiene de un adulto. Inspirada por Courbet y Velázquez, pinta a la mujer real, de hoy día, sin ningún tipo de idealización, sin buscar la belleza, solo la veracidad, realizando —como ella misma denomina— «paisajes del cuerpo».


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text: Por oposición al denominado arte moderno, es el arte propio de la postmodernidad. Los artistas postmodernos asumen el fracaso de los movimientos de vanguardia como el fracaso del proyecto moderno: las vanguardias pretendían eliminar la distancia entre el arte y la vida, universalizar el arte; el artista postmoderno, en cambio, es autorreferencial, el arte habla del arte, no pretenden hacer una labor social. Entre los diversos movimientos postmodernos destacan la transvanguardia italiana y el neoexpresionismo alemán, así como el neomanierismo, la figuración libre, etc.


title: Historia del desnudo artístico

text: En Italia, Sandro Chia realiza una obra autobiográfica, retratando momentos de su propia existencia, junto a referencias de la historia del arte, especialmente los artistas que más le interesan, como Cézanne, Picasso o Chagall. En "El esclavo" (1980) hizo una simbiosis del "Esclavo moribundo" de Miguel Ángel y "El nacimiento de Venus" de Botticelli, como una forma de desmitificación del arte.