title: Margaret Millar

text: En los años de la guerra, Margaret Millar publicó tres novelas más: "Wall of Eyes" ("Muro de ojos"), "The Iron Gates" ("Las puertas de hierro") y "Fire Will Freeze" ("El fuego se helará"). En las dos citadas en primer lugar el protagonista es el inspector Sands, de la Policía de Toronto, que ya aparecía como personaje secundario en las novelas protagonizadas por el Dr. Prye; un policía solitario y compasivo, de apariencia anodina. La Warner Bros. adquirió los derechos para la pantalla de "The Iron Gates", un estremecedor relato de una mujer conducida a la locura. Aunque la película nunca llegó a realizarse, se dice que por rechazar el papel protagonista varias actrices de la Warner, con el dinero obtenido Margaret compró una casa en Santa Bárbara, a la que se trasladó a vivir la familia cuando Kenneth se licenció de la Armada. Desde entonces Santa Bárbara sería el escenario más habitual de las novelas tanto de Millar como de Macdonald, bautizada para la ficción como Santa Felicia o San Félice ("sic") en las obras de ella y como Santa Teresa en las de él. Según varias fuentes, en esta época (1945-1946) Millar trabajó también como guionista para la Warner, pero no hay detalles sobre esa actividad.


title: Margaret Millar

text: En 1955 Margaret Millar publicó uno de sus mayores éxitos y de sus novelas más apreciadas por la crítica: "Beast in View" ("La bestia se acerca"), una intriga psicológica desencadenada a partir del acoso telefónico que sufre una soltera al borde de los cuarenta años por parte de una mujer trastornada que estuvo brevemente casada con el hermano homosexual de aquella. La novela ganó el Premio Edgar de la Asociación de Escritores de Misterio de América en 1956, al año siguiente de que lo obtuviera "El largo adiós" de Raymond Chandler y el mismo año en que quedó finalista "El talento de Mr. Ripley", de Patricia Highsmith. "Beast in View" ha sido incluida en la lista de las cien mejores novelas del género de todos los tiempos, tanto por la británica "Crime Writers' Association" (1990, puesto 75º) como por la propia asociación americana (1995, puesto 79º).


title: Margaret Millar

text: El éxito de "Beast in View" llevó a dos adaptaciones televisivas, la primera emitida el 20 de marzo de 1964 en "La hora de Alfred Hitchcock" y la segunda el 19 de enero de 1986, en el programa "The New Alfred Hitchcock Presents". También "Rose's Last Summer", una novela que Millar publicó en 1952, fue llevada a la pequeña pantalla como episodio de la serie "Thriller", presentada por Boris Karloff, en la que se emitió el 11 de octubre de 1960.


title: Margaret Millar

text: Desde finales de los años 40 hasta bien entrados los 70, los Millar, juntos o por separado, acudieron con frecuencia a los juicios que se celebraban en el tribunal del condado, que les servían para acopiar material de trabajo sobre oratoria forense, cuestiones legales y pautas de conducta. La novela de Margaret Millar en la que se refleja más directamente esta experiencia es "Beyond This Point Are Monsters" ("Más allá hay monstruos"), publicada en 1970 y cuya trama se desarrolla en buena parte en las audiencias de un tribunal que debe decidir si se declara legalmente fallecido a un ranchero desaparecido. La novela está dedicada "al juez John A. Westwick", un buen amigo del matrimonio (años atrás había defendido como abogado a su hija a raíz de un accidente de tráfico con consecuencias fatales en el que Linda se había visto involucrada) que a la sazón les asesoraba sobre los intricados tecnicismos del proceso penal californiano. También la última novela que publicó Millar, "Spider Webs", de 1986, es una intriga forense, con connotaciones raciales: el capitán de raza negra de un yate privado, conocido mujeriego, es acusado de asesinato; el título de la novela es una alusión a que las leyes son como "telas de araña".


title: Margaret Millar

text: En 1957 Margaret Millar fue elegida presidenta de la Mistery Writers of América, ocho años antes de que lo fuera también Ross Macdonald. El suyo es el único caso en que marido y mujer han sido cada uno presidentes de esta asociación; y también el único en que los dos miembros de una pareja han obtenido el Gran Premio de la MWA ("Grandmaster Award") por el conjunto de su obra.


title: Margaret Millar

text: Linda, la hija de Margaret Millar y Ross Macdonald, siempre fue problemática. En 1959 desapareció durante algunas semanas y sus padres hubieron de localizarla con la colaboración de un detective privado de Reno. Ese detective real se convertiría en 1962, con el nombre de Joe Quinn y en la misma ciudad de Nevada, en el protagonista de "How Like an Angel", una novela en que Millar anticipa de algún modo el estilo de vida alternativo de las comunidades "hippies" que estaban por surgir. Cuando Linda murió en 1970, a los treinta y un años de edad, Millar entró en un silencio literario de seis años, que rompería en 1976 con "Ask for Me Tomorrow" ("Pregunta por mí mañana"), la primera de una serie de tres protagonizadas por el abogado hispano Tom Aragon, a la que seguirían la humorística "The Murder of Miranda" ("El asesinato de Miranda"), de 1979 y "The Mermaid" ("La sirena"), en 1982.


title: Margaret Millar

text: Margaret Millar también escribió algunas novelas no inscritas en el género de misterio, la primera de ellas, "Experiment in Springtime" ("Experimento en primavera"), en 1947. En la década de 1960 tanto ella como su marido participaron activamente en el movimiento para la conservación de la naturaleza en California. Sus observaciones de la vida silvestre en los cañones cercanos a su casa le sirvieron para escribir en 1968 su único libro de no ficción: "The Birds and the Beasts Were There" ("Las aves y las bestias estaban allí").


title: Margaret Millar

text: Margaret Millar murió en su casa de Santa Bárbara el 26 de marzo de 1994 de un ataque al corazón. Había sobrevivido casi once años a su marido (fallecido en 1983 a causa de la enfermedad de Alzheimer) y casi un cuarto de siglo a su única hija, por lo que a ella solo le sobrevivió su hermana Dorothy.


title: Orquesta de Cámara Escocesa

text: La Orquesta de Cámara Escocesa (en inglés: Scottish Chamber Orchestra, SCO) es la orquesta de cámara nacional de Escocia, con sede en Edimburgo. Es una se las cinco compañías de artes escénicas nacionales de Escocia, la SCO hace representaciones por toda Escocia, incluyendo giras anuales por las Highlands escocesas y las islas y el sur de Escocia. La SCO aparece con regularidad en Edimburgo, East Neuk, Festivales de St Magnus y Aldeburgh y los Proms. Las giras internacionales de la SCO recibe apoyo del gobierno escocés. La orquesta ensaya sobre todo en el Queens Hall de Edimburgo.


title: Orquesta de Cámara Escocesa

text: La orquesta se formó en 1974, con Roderick Brydon como su primer director principal, desde 1974 hasta 1983. Otros directores principales han sido Jukka-Pekka Saraste (1987-1991) e Ivor Bolton (1994-1996). El violinista y director de orquesta estadounidense Joseph Swensen sirvió como director principal desde 1996 hasta 2005, y es hoy director emérito de la SCO. Sir Charles Mackerras tuvo el cargo de director laureado hasta su muerte en 2010. El director estonio Olari Elts sirvió como el principal director invitado desde octubre de 2007 hasta septiembre de 2010. En octubre de 2008, la SCO anunció el nombramiento de Robin Ticciati como el siguiente director principal de la orquesta, efectivo para la temporada 2009-2010, con un contrato inicial de 3 años. En octubre de 2010, la SCO anunció la ampliación del contrato de Ticciati como director principal para otros 3 años adicionales, hasta la temporada 2014-2015.


title: TOPIO

text: TOPIO es un robot humanoide creado por TOSY Robotics, una firma radicada en Vietnam. Su nombre deriva de "TOSY Ping Pong Playing Robot", ya que fue diseñado para jugar tenis de mesa contra un ser humano. Se presentó una versión funcional al público en julio de 2007, pero no fue hasta el 28 de noviembre del mismo año en que se presentó una versión modificada en la International Robot Exhibition (IREX) de Tokio.


title: TOPIO

text: Existen tres versiones del robot, cada una más sofisticada que la anterior. La altura del modelo actual es de aproximadamente 1,88 m, con un peso de 120 kg. En total cuenta con 39 grados de libertad. Las versiones 2.0 y 3.0 emplean servo motores eléctricos, mientras que la versión original se movía mediante un sistema hidráulico. La versión 2.0 fue presentada en la Feria Internacional del Juguete de Núremberg de 2009, mientras que la 3.0 volvió a ser presentada en el IREX.


title: Concerto Köln

text: Concerto Köln es una orquesta de cámara alemana con sede en Colonia, que fue fundada en 1985. Se trata de una agrupación especializada en música barroca.


title: Concerto Köln

text: El grupo se formó en 1985. Es uno de los muchos grupos asociados con el interés surgido en esa época con los instrumentos de época. Sus miembros son en su mayor parte graduados recientes de los conservatorios de toda Europa. El conjunto comenzó a hacer giras por el continente, a menudo haciendo apariciones en los principales festivales. En 1992 fundaron el Festival de Colonia de la Música Antigua con la ayuda de la Deutschlandradio. No reciben subvenciones gubernamentales ni tienen un director de orquesta titular, aunque el grupo sí tiene un director artístico: Werner Ehrhardt.


title: Concerto Köln

text: Su repertorio va desde la música del primer barroco hasta la del clasicismo, y llega hasta el siglo XIX con la obra de Mendelssohn. Han hecho trabajos de colaboración, como el disco que yuxtapone música folclórica turca con piezas de estilo turco de compositores como Mozart. Han grabado con frecuencia, entre otros, con René Jacobs, Daniel Harding, Louis Langrée, David Stern, Ivor Bolton, Marcus Creed, Christopher Moulds y Evelino Pidò.


title: Concerto Köln

text: El conjunto ha publicado más de 50 discos. Éstas son algunas de sus grabaciones de ópera: en 1987, "Écho et Narcisse", de Gluck; en 1991, "Julio César en Egipto", de Händel; en 1998, "Cleopatra e Cesare", de Graun; en el 2004, "Las bodas de Fígaro", de Mozart, por la que obtuvo el Premio Grammy en el 2005.


title: Marin Constantin

text: Marin Constantin (Urleta, condado de Prahova, Rumanía, 27 de febrero de 1925 - 1 de enero de 2011) fue un galardonado músico, director y compositor rumano.


title: Marin Constantin

text: En 1963 fue fundador del Madrigal Chamber Choir siendo su director desde entonces y hasta su muerte. Consiguió relevancia mundial gracias a su conocimiento de la música del Renacimiento, canciones barrocas, gregorianas, así como música tradicional rumana. Fue nombrado embajador de buena voluntad de la UNESCO en 1992.


title: Universidad Católica de Brasilia

text: La Universidad Católica de Brasilia, también abrevidada como UCB, es una universidad privada sin fines de lucro ubicada en Taguatinga, en el Distrito Federal, Brasil. Es una de las universidades más grandes de Brasil y es mantenida por la Arquidiócesis de Brasilia.


title: Universidad Católica de Brasilia

text: Su historia comienza en 1974 con el nombre de «Universidad Católica de Humanidades», con cursos de Administración de Empresas, Economía y Educación. Sus facultades y cursos fueron aumentando con el paso del tiempo por lo que en 1980 su nombre cambia a «Escuelas católicas integradas de Brasilia». El 30 de diciembre de 1994 es reconocida como «Universidad católica de Brasilia».


title: Universidad Católica de Brasilia

text: La Universidad Católica de Brasilia tiene dos campus, ambos en el Distrito Federal, denominados «Campus I» y «Campus II», el primero está ubicado en el Areal en Taguatinga y el segundo en el Asa Norte en Brasilia. También cuentan con otras tres unidades asociadas que son el Colegio Don Bosco, el CEMA y Pio XII. Además del Hospital de la UCB que está situado en la avenida Areal en Taguatinga.


title: Universidad Católica de Brasilia

text: Humanidades Ciencias Exactas Ciencias Biológicas


title: Peter Jennings

text: Peter Charles Archibald Ewart Jennings (29 de julio de 1938 – 7 de agosto de 2005), conocido como Peter Jennings, fue un periodista estadounidense de origen canadiense. Fue especialmente conocido por ser el presentador del informativo televisivo "World News Tonight", de la cadena ABC, entre 1983 y 2005.


title: Bahía de Gwatar

text: La bahía de Gwatar (; , o 'golfo de Gwadar') es una pequeña bahía del mar Arábigo que se encuentra en las inmediaciones de la frontera marítima entre Pakistán e Irán. Es una ensenada que yace en la arenosa costa del Makrán, en la frontera irano-pakistaní. Tiene unos 32 kilómetros de largo y 16 de ancho. El río Dashtiari fluye a ella desde el noroeste, y el río Dasht del noreste.


title: Bahía de Gwatar

text: No debe de confundirse con la cercana bahía de Gwadar, localizada al este a unos 40 km, ya en Pakistán, a la que da nombre la ciudad pakistaní de Gwadar.


title: Madalena Iglésias

text: Madalena Iglésias, nacida Madalena Lucília Iglésias do Vale (Lisboa; 24 de octubre de 1939-Barcelona; 16 de enero de 2018), fue una cantante y actriz portuguesa. Conocida por representar a Portugal en el Festival de la Canción de Eurovisión 1966 con la canción «Ele e Ela». Junto con Simone de Oliveira, fue una de las voces más importantes del estilo musical llamado "nacional-cançonetismo" que dominó en Portugal durante la década de 1960.


title: Madalena Iglésias

text: Madalena Iglésias nació en el barrio de Santa Catarina de Lisboa. Con apenas 15 años entró en el Centro de Preparação de Artistas da Rádio de la Rádio e Televisão de Portugal. En 1954 se estrena a la vez en la radio y la televisión portuguesas.


title: Madalena Iglésias

text: Su carrera internacional comienza en 1959 con una actuación en Televisión Española. En 1962 actúa representando a Portugal en el Festival Internacional de la Canción de Benidorm. En 1964 participa en el primer Grande Prémio TV da Canção Portuguesa. También actúa y vence en el Festival Hispano-Portugués de la Canción del Duero celebrado en Aranda de Duero con la canción «Sonha». Participa en el Festival de la Canción de Eurovisión 1966, celebrado en Luxemburgo, con la canción «Ele e Ela», tema de Carlos Canelhas, con la que consigue la 13.ª posición de un total de 18 países. La canción es versionada al español y fue editada en España, Francia y Países Bajos.


title: Madalena Iglésias

text: También en 1966 obtiene el segundo lugar en el Festival de la Canción Mediterránea, con la canción «Setembro». Gana también el Premio de la Hispanidad en el Festival Internacional de la canción de Mallorca con «Vuelo 502».


title: Madalena Iglésias

text: En 1968, participa en la Olimpiada Mundial de la Canción celebrado en Atenas donde acabó en 4ª posición con la canción «Tu Vais Voltar» y en el Festival do Rio de Janeiro donde interpreta «Poema da Vida».


title: Madalena Iglésias

text: En 1972, contrae matrimonio con un empresario luso-venezolano Fernando Oliveira, abandona su carrera y se traslada a Venezuela. Con ocho meses de embarazo hizo un programa en Venevisión Canal 4 de la televisión venezolana y deja de actuar hasta que sus hijos tienen cinco años de edad. Más tarde comenzó a trabajar esporádicamente en RCTV con algún programa. En 1987 se traslada a Barcelona, donde vivió hasta su muerte.


title: Asociación Bet-El (Caracas)

text: La Asociación Bet-El es una sinagoga de la ciudad de Caracas, afiliada a la Asociación Israelita de Venezuela, ortodoxa de rito sefardí. La sinagoga fue construida entre los años 1969 y 1973, en el barrio caraqueño de San Bernardino. En la segunda década del siglo XXI, la comunidad estaba conformada, en su mayoría, por judíos provenientes de la ciudad de Jerusalén, Israel, y por algunos de Alepo (Siria), Melilla (España) y del norte de Marruecos, especialmente de las ciudades de Tetuán y Chauen.


title: Asociación Bet-El (Caracas)

text: La sinagoga se encuentra en la Avenida Cajigal. Tiene capacidad para unas 300 personas en la sección de hombres, la cual está adornada con vitrales diseñados por el artista plástico israelí Yaacov Agam, además de que la pared en la que se encuentra el Hejal es una escultura de Harry Abend y para unas 100 personas en la sección de mujeres en el piso de arriba. La sinagoga además tiene un salón en el sótano, el cual es empleado para fiestas como bar mitzvot, bat mitzvot, recepciones de bodas i shevá berajot y comidas rituales, el cual fue inaugurado en el año 1988. En el piso más alto del edificio, al lado del área de rezos empleada por las mujeres, se encuentra una sala de estudio o Bet Midrash. En la sinagoga están disponibles Torá con Rashi, libros de rezo en idioma hebreo y con traducción y fonética en español para aquellos que no dominan por completo el idioma hebreo. Actualmente, el rabino de la sinagoga es de origen marroquí. Los rezos y costumbres son "Yerushalmi".


title: Bisfosfoglicerato mutasa

text: La bisfosfoglicerato mutasa (BPGM) () es una enzima que se encuentra únicamente en los eritrocitos y en las células de la placenta. Es responsable de la síntesis catalítica del 2,3-bisfosfoglicerato desde el 1,3-bisfosfoglicerato.


title: Bisfosfoglicerato mutasa

text: La BPGM también tiene otra actividad mutasa y una función fosfatasa, pero éstas son mucho menos activas, en contraste con su pariente glicolítica, la fosfoglicerato mutasa, que favorece esas dos funciones y cataliza en menor medida la síntesis del 2,3-bisfosfoglicerato.


title: Bisfosfoglicerato mutasa

text: Ya que la función principal de la bisfosfoglicerato mutasa es la síntesis del 2,3-bisfosfoglicerato, esta enzima se encuentra solamente en los eritrocitos y en las células de la placenta. En la glicólisis, la conversión de 1,3-bisfosfoglicerato a 2,3-bisfosfoglicerato sería muy ineficiente, ya que añade otra etapa innecesaria. Como la principal función del 2,3-bisfosfoglicerato es desplazar el equilibrio de la hemoglobina hacia el estado reducido, su producción es solamente útil en las células que contienen hemoglobina, es decir en eritrocitos y células de la placenta.


title: Bisfosfoglicerato mutasa

text: El 1,3-bisfosfoglicerato es un compuesto intermedio de la glicólisis. Éste es convertido por la bisfosfoglicerato mutasa a 2,3-bisfosfoglicerato que tiene una función importante en el transporte de oxígeno. El 2,3-bisfosfoglicerato se une con alta afinidad a la homoglobina causando un cambio conformacional que resulta en la liberación de oxígeno que los tejidos recogen y utilizan.


title: Bisfosfoglicerato mutasa

text: Esto también es importante en la placenta, en donde la sangre materna y fetal están muy próximas. Como la placenta produce 2,3-bisfosfoglicerato, una gran cantidad de oxígeno es liberado por la hemoglobina materna y se une a la hemoglobina fetal.


title: Bisfosfoglicerato mutasa

text: La bisfosfoglicerato mutasa es un dímero compuesto de dos subunidades idénticas, cada una con su propio sitio activo. Cada subunidad consiste en 6 hebras beta (β A-F) y 10 hélices alfa (α 1-10). La dimerización ocurre a lo largo de las caras de β C y α 3 de los dos monómeros.


title: Bisfosfoglicerato mutasa

text: La BPGM es un 50% idéntica a la fosfoglicerato mutasa, conservando los residuos de los sitios activos.El 1,3-bisfosfoglicerato se une al sitio activo, lo que causa un cambio conformacional que enclava al sustrato en su sitio. El 1,3-bisfosfoglicerato forma numerosos puentes de hidrógeno con los residuos de alrededor, muchos de los cuales están cargados positivamente lo que restringe su movilidad.


title: Bisfosfoglicerato mutasa

text: Los cambios conformacionales hacen que la His-11 rote, parcialmente ayudada por el puente de hidrógeno con His-188. La His-11 es alineada con el grupo 1-fosfato y lo ataca. El grupo 2-hidroxi, entonces, ataca el fosfato unido a la histidina y lo libera creándose 2,3-bisfosfoglicerato.


title: Bisfosfoglicerato mutasa

text: La fosfoglicerato mutasa (PGAM) y la bisfosfoglicerato mutasa (BPGM) son ezimas relacionadas estructuralmente que catalizan reacciones de transferencia de grupos fosfato entre los tres átomos de carbono del fosfoglicerato. Las dos enzimas catalizan tres reacciones diferentes, aunque en diferentes proporciones:


title: Bisfosfoglicerato mutasa

text: Otra enzima de esta familia es la enzima bifuncional 6-fosfofructo-2-kinasa / fructosa-2,6-bisfosfato 2-fosfatasa (EC 2.7.1.105 y EC 3.1.3.46) (PFK2). La PFK2 cataliza la síntesis y la degradación de la fructosa-2,6-bisfosfato. La PFK2 es una enzima importante en la regulación del metabolismo de carbohidratos en el hígado. Como PGAM y BPGM, la reacción de la fructosa-2,6-bisfosfato 2-fosfatasa utiliza un intermedio fosfohistidina y el dominio fosfatasa de la PFK2 está estructuralmente relacionado con la PGAM y BPGM.


title: Distrito de Orbe

text: El distrito de Orbe es uno de los 19 antiguos distritos del cantón de Vaud, Suiza.


title: Distrito de Orbe

text: Desapareció el 1 de enero de 2008, después de una reorganización territorial del cantón de Vaud, donde las comunas que lo componían pasaron a incorporarse al nuevo distrito de Jura-Nord vaudois.


title: Distrito de Orbe

text: Administrativamente está dividido en cuatro círculos y 25 comunas.


title: Bhikangaon

text: Bhikangao es una localidad de la India en el distrito de Khargone, estado de Madhya Pradesh.


title: Bhikangaon

text: Se encuentra a una altitud de 281 msnm a 324 km de la capital estatal, Bhopal, en la zona horaria UTC +5:30.


title: Bhikangaon

text: Según estimación 2010 contaba con una población de 16 532 habitantes.


title: Fallen

text: «Fallen» puede referirse a:


title: Aderklaa

text: Aderklaa es una ciudad del distrito de Gänserndorf en Baja Austria (Austria).


title: Robbie Brady

text: Robert Brady (Dublín, Irlanda, 14 de enero de 1992) es un futbolista irlandés. Juega de centrocampista en el A. F. C. Bournemouth de la EFL Championship.


title: Robbie Brady

text: Ha sido internacional con la selección de fútbol de Irlanda.


title: Iván Fischer

text: Iván Fischer (Budapest, 20 de enero de 1951) es un compositor y director de orquesta húngaro.


title: Iván Fischer

text: Fischer nació en Budapest en una familia musical judía. Al principio estudió piano, violín, violonchelo y composición en su ciudad natal. Más tarde se trasladó a Viena para estudiar dirección con Hans Swarowsky en la Universidad de Música y Arte Dramático, donde también estudió violonchelo y música antigua, estudiando y trabajando como ayudante de Nikolaus Harnoncourt.


title: Iván Fischer

text: En 1976, Fischer ganó la competición de dirección de la Fundación Rupert en Londres. Empezó posteriormente a actuar como director invitado de orquestas británicas como la Orquesta Sinfónica de la BBC y la Orquesta Sinfónica de Londres, con quien dirigió una gira mundial en 1982. Su debut como director en los EE. UU. se produjo con la orquesta Filarmónica de Los Ángeles en 1983.


title: Iván Fischer

text: Fischer regresó a Hungría en 1983 para fundar la Orquesta del Festival de Budapest, que inicialmente se pretendía un limitado número de conciertos al año en una base parcial. Se convirtió en una institución permanente en 1992, con un programa de alrededor de 30 semanas de representaciones al año.


title: Iván Fischer

text: En los Estados Unidos, Fischer desempeñó el cargo de director invitado principal de la Orquesta Sinfónica de Cincinnati durante siete años. En 2006, Fischer fue nombrado principal artista de la Orquesta de la Age of Enlightenment. En febrero de 2011, fue nombrado director musical de la Konzerthaus Berlin y director principal de la Konzerthausorchester Berlin, con efectos desde la temporada 2012-2013, y con un contrato inicial de 3 años.


title: Iván Fischer

text: Sus composiciones están normalmente escritas para grupos pequeños de voces humanas e instrumentos. Firmó un contrato de grabación en exclusiva con Philips Classics en 1995 y sus grabaciones de Bartók y Liszt con la Orquesta del Festival de Budapest han ganado un premio Gramophone, Diapason d'Or de l'Annee, cuatro Cles de Telerama, y los premios Arte, MUM y Erasmus. Desde 2004, Fischer ha grabado para Channel Classics Records. En DVD, su grabación en Glyndebourne de la ópera de Mozart "Così fan tutte" fue nominada por Gramophone y Premio Grammy.


title: Iván Fischer

text: Su hermano Ádám Fischer (1949) es también un reconocido director de orquesta.


title: Puño de acero

text: El puño de acero, puño americano, manopla, nudillera, boxer o llave de pugilato es un arma contusa formada por una estructura que se ajusta directamente a la mano del usuario, más exactamente a los nudillos del mismo. Esto hace que al dar un puñetazo con este artefacto en la mano, las lesiones causadas al adversario sean de mayor magnitud y el impacto en la mano de quien golpea sea mínimo. Es un arma sumamente peligrosa y puede llegar a romper el cráneo de una persona de forma rápida y sencilla. Debido a ello, el porte y comercio de estos artículos está prohibido por varias legislaciones: Estados Unidos (Washington D.C., California, Illinois, Massachusetts, Míchigan, New York y Rhode Island), Austria, Suecia, Alemania, España, Colombia, México y Guatemala, entre otras.


title: Puño de acero

text: Probablemente la manopla moderna sea una evolución de los guantes con puños metálicos equipados como parte de las armaduras usadas por caballeros medievales, aunque se podría encontrar un antecedente aún más antiguo en el caestus utilizado por los gladiadores romanos. Los puños de acero fueron muy populares en la Guerra de Secesión, y a partir de la Primera Guerra Mundial comenzaron a fabricarse cuchillos de combate con puños de acero integrados en su mango. Un caso notorio es el cuchillo de paracaidista usado por tropas paracaidistas en Argentina.


title: Puño de acero

text: Su fabricación es casi siempre con metales fuertes, como acero, aluminio, fibra de vidrio y en algunas ocasiones cobre, hierro, bronce, latón, plomo, plata u oro.


title: Puño de acero

text: Actualmente algunos modelos de estas armas llevan consigo pinchos encima de los nudillos para así amplificar el daño. Otros modelos conforman el mango de un cuchillo, una navaja o un puñal por la parte que deja libre el dedo pulgar para provocar más daño; y también existen modelos mixtos que llevan púas afiladas y un cuchillo, por lo cual se convierte en un arma aún mucho más peligrosa y con la cual el daño es múltiple y mucho más severo.


title: Puño de acero

text: También existe una variante considerablemente más peligrosa llamada revólver Apache, la cual consiste en un revólver cuya empuñadura es un puño de acero que se pliega sobre el gatillo, que también es plegable. Algunos revólveres Apache también llevan consigo un cuchillo, una navaja o un puñal en la parte que deja libre el dedo pulgar; otros modelos de estas armas hacen que en lugar del cuchillo el puño de acero tenga pinchos.


title: Puño de acero

text: El puño americano es ilegal en diversos países, incluidos España, Alemania, Austria, Bélgica, Canadá, Bosnia, Croacia, Chipre, Finlandia, Grecia, Hong Kong, Hungría, Israel, Irlanda, Malasia, Países Bajos, Noruega, Polonia, Portugal, Rusia, Turquía, Singapur, Reino Unido y varios estados de Estados Unidos.


title: Puño de acero

text: Hay otros varios países (México, Francia, Italia, Suecia…) donde está permitida su tenencia pero no llevarlas en público.


title: Cleverbot

text: Cleverbot es una aplicación que recolecta datos provenientes de las conversaciones artificiales que mantiene con usuarios de Internet; una vez terminada la conversación la almacena en una base de datos y la utiliza posteriormente para simular inteligencia artificial. Fue presentado en "The Gadget Show" el 7 de marzo de 2011 y en "Radiolab" el 31 de mayo de ese mismo año. Su creador es Rollo Carpenter.


title: Cleverbot

text: Actualmente, las versiones del programa que no están en inglés no soportan la comunicación algorítmica de Cleverbot. En estos casos, el software sustituye la base de datos por una unión "peer to peer", lo que simula la inteligencia artificial. Basta con realizar una pregunta personal para evidenciar que tras la respuesta está un humano seleccionado aleatoriamente.


title: Andlersdorf

text: Andlersdorf es una ciudad del distrito de Gänserndorf en Baja Austria (Austria).


title: Bhilakhedi

text: Bhilakhedi es una localidad de la India en el distrito de Hoshangabad, estado de Madhya Pradesh.


title: Bhilakhedi

text: Se encuentra a una altitud de 308 msnm a 87 km de la capital estatal, Bhopal, en la zona horaria UTC +5:30.


title: Bhilakhedi

text: Según estimación 2010 contaba con una población de 17 112 habitantes.


title: Aduja

text: En náutica, la Aduja es cada una de las vueltas (o conjunto de las mismas) que hace el cable u otra cuerda oblonga. También es cada uno de los pliegues que forma una vela después de enrollada.


title: Marlene Dumas

text: Marlene Dumas (Ciudad del Cabo, 3 de agosto 1953) es una artista sudafricana que vive y trabaja en Ámsterdam, Países Bajos.


title: Marlene Dumas

text: Enfatizando tanto la realidad física del cuerpo humano como su valor psicológico, Dumas tiende a pintar sus sujetos en sus límites extremos del ciclo de vida, como su nacimiento y cerca de la muerte. Dumas utiliza la figura humana como un medio para criticar las ideas contemporáneas sobre la identidad racial, sexual y social.


title: Marlene Dumas

text: De 1972 a 1975 asistió a la Universidad de Ciudad del Cabo, donde obtuvo la licenciatura en Artes Visuales. Desde 1978 ha exhibido internacionalmente sus obras, y es una de las artistas más admiradas de Holanda. En 1995 representó a Holanda en la Bienal de Venecia, y en 1996 la Tate Gallery exhibió una selección de sus obras sobre papel.


title: Marlene Dumas

text: Trabajando casi exclusivamente a partir de fuentes fotográficas, extrae su material a partir de un archivo en continuo desarrollo de fotografías personales e imágenes arrancadas de revistas y periódicos. Sus pinturas no son una interpretación literal de sus fuentes fotográficas. El tamaño pequeño de las obras y la presentación delicada, las convierte en un retrato de la intimidad. Al despojar el sujeto de su imagen pública y su importancia histórica, Dumas nos deja con una crítica hacia la política y la identidad.


title: Marlene Dumas

text: Durante la década del 2000, realizó varias exposiciones personales en instituciones destacadas de todo el mundo, incluyendo el Museo Kunstpalast, Düsseldorf (2008), Museo de Arte Contemporáneo de Tokio (2007); Taidehalli, Helsinki (2005), The Art Institute of Chicago (2003), Fondazione Bevilacqua La Masa, Palazzetto Tito, Venecia (2003), el Centro Georges Pompidou, París (2001), New Museum, Nueva York, De Pont Museo de Arte Contemporáneo, Tilburg, Países Bajos (ambos de 2002) y el Instituto de Arte Contemporáneo de Boston (2001).


title: Marlene Dumas

text: Su trabajo está presente en las colecciones de importantes museos e instituciones públicas como el Centro Georges Pompidou de París, Museo Municipal, La Haya, Los Ángeles County Museum of Art, Museo de Arte Contemporáneo de Tokio, Museum für Moderne Kunst, Frankfurt, el Museo de Arte Moderno de Nueva York; Stedelijk Museum, Ámsterdam, y la Tate Gallery, Londres.


title: Auersthal

text: Auersthal es una ciudad del distrito de Gänserndorf en Baja Austria (Austria).


title: Islote de Cima (Cabo Verde)

text: Islote de Cima (en portugués: "Ilhéu de Cima") es el nombre de una isla parte del grupo de los Islotes Secos ("Ilhéus Secos" o "Ilhéus do Rombo"), en el país africano de Cabo Verde. Se ubica en el este del archipiélago y representa el segundo mayor islote del grupo. Es junto con el resto de los islotes cercanos, una división administrativa del municipio de Brava. La isla es un volcán extinto. Posee 1,5 km² y se encuentra deshabitado.


title: Islote de Cima (Cabo Verde)

text: No debe confundirse con otro lugar llamado «Islote de Cima», en el Archipiélago de Madeira, Portugal.


title: Joe Dudgeon

text: Joseph Patrick Dudgeon (Leeds, Inglaterra, 26 de noviembre de 1990), futbolista norirlandés. Juega de defensa y actualmente está sin equipo.


title: Joe Dudgeon

text: Ha sido internacional con la Selección de fútbol de Irlanda del Norte Sub-21.


title: Bisfosfoglicerato fosfatasa

text: La bisfosfoglicerato fosfatasa () es una enzima que cataliza la reacción:


title: Bisfosfoglicerato fosfatasa

text: Como bisfosfoglicerato fosfatasa se conoce a la actividad fosfatasa de la bisfosfoglicerato mutasa. Por tanto los genes, secuencia, estructura, etc, de la fosfatasa son los correspondientes a la mutasa.


title: ZF Friedrichshafen

text: ZF Friedrichshafen AG, también conocido como ZF Group, y comúnmente abreviado como ZF, es una fabricante alemán de cajas de cambios con sede en Friedrichshafen.


title: ZF Friedrichshafen

text: La empresa está especializada en ingeniería y es conocida por su diseño, investigación y desarrollo, así como fabricación en la industria automovilística. Es un proveedor global de sistemas de propulsión y trenes de conducción para automóviles y vehículos industriales, entre otros. También está presente en el sector del ferrocarril, industria naval, industria militar y de aviación. ZF tiene 123 plantas de producción en 27 países.


title: M-511

text: La M-511 es una carretera de la de la Comunidad de Madrid. Con una longitud de 4,7 km, une la autovía A-5 y la M-501 a través del Barrio de Aluche y la Ciudad de la Imagen. por lo que el tramo actual de la M-511 se encuentra entre Aluche y el cruce con la M-40.


title: M-511

text: En 2011 registró un tráfico promedio de 26.943 vehículos diarios, siendo un 6 por ciento de los mismos vehículos pesados.


title: RIM-174 Standard ERAM

text: El RIM-174 Standard Extended Range Active Missile (ERAM) o misil estándar (SM-6) es un misil que sólo ha entrado en producción para la Armada de los Estados Unidos y la Marina Real Australiana. Fue diseñado para fines de guerra antiaérea (ER-AAW) de rango extendido proporcionando capacidad contra aviones de ala fija y helicópteros, vehículos aéreos no tripulados y misiles de crucero antibuque en vuelo, tanto por mar y tierra. El misil usa el fuselaje del misil SM-2ER bloque IV anterior (RIM-156A), agregando el buscador por radar activo del AIM-120 AMRAAM C en lugar del buscador semi-activo del diseño anterior. Esto mejorará la capacidad del misil estándar contra objetivos muy ágiles y más allá del alcance de los radares de iluminación de los buques de lanzamiento. En febrero de 2016 recibió modificaciones para actuar como sustituto del Harpoon como misil SSM de la Armada de los Estados Unidos


title: RIM-174 Standard ERAM

text: El estándar ERAM es un misil de dos etapas siendo una de ellas de impulso. Es similar en apariencia a los misiles estándar RIM-156A. El buscador de radar es una versión ampliada adaptada del buscador del AIM-120 AMRAAM C (13,5 pulgadas frente a 7 pulgadas).


title: RIM-174 Standard ERAM

text: El misil puede ser empleado en varios modos: guiado inercial al objetivo con adquisición terminal mediante un buscador de radar activo, radar semiactivo durante todo el vuelo, o más allá del horizonte con capacidad de ayuda al enganche del objetivo. El misil es capaz de utilizarse para defensa terminal de misiles balísticos como suplemento para el misil SM-3.


title: RIM-174 Standard ERAM

text: A diferencia de otros misiles de la familia estándar, el ERAM puede ser periódicamente probado y certificado sin extraerlo de la celda del lanzador vertical VLS.


title: RIM-174 Standard ERAM

text: Raytheon consiguió un contrato en 2004 para desarrollar este misil de la Marina de los Estados Unidos, después de la cancelación del misil SM-2ER bloque IVA (RIM-156B). El desarrollo comenzó en 2005, seguido de la realización de pruebas en 2007. El misil fue oficialmente designado RIM-174A en febrero de 2008. La producción con una tasa baja inicial fue autorizada en 2009.


title: RIM-174 Standard ERAM

text: Raytheon recibió un contrato de 93 millones de dólares para iniciar la producción del RIM-174A en septiembre de 2009. El primer misil de producción fue entregado en marzo de 2011.


title: RIM-174 Standard ERAM

text: RIM-66 Standard (SM-1MR/SM-2MR) RIM-67 Standard (SM-1ER/SM-2ER no compatible con VLS) RIM-161 Standard Missile 3 (SM-3)


title: Fantasy

text: «Fantasy» puede referirse a:


title: Instituto Fields

text: El Instituto Fields es un centro internacional de investigación en ciencias matemáticas en la Universidad de Toronto. Recibe su nombre en honor del matemático John Charles Fields, creador de la Medalla Fields. Se fundó en 1992 y estuvo localizado brevemente en la Universidad de Waterloo antes de trasladarse a Toronto en 1995.


title: Instituto Fields

text: Siendo centro de actividad matemática, el instituto reúne matemáticos de Canadá así como de otros países. Apoya la colaboración entre matemáticos profesionales e investigadores de otros campos, tales como estadística, ciencias de la computación, ingeniería, física, ciencias biológicas, medicina, economía y finanzas, telecomunicaciones y sistemas informáticos. También realiza reuniones mensuales sobre enseñanza de las matemáticas, a las que asisten participantes de consejos de educación secundaria, departamentos de matemáticas universitarias y el sector privado.


title: Instituto Fields

text: El instituto se encuentra en un edificio diseñado y construido específicamente para sus actividades, diseñado por Kuwabara Payne McKenna Blumberg Architects. Puede dar espacio hasta 66 visitantes y los administrativos de apoyo, proporcionando espacio de oficina y acceso completo a la colección matemática de las bibliotecas de la Universidad de Toronto.


title: Instituto Fields

text: Las "Monografías del Instituto Fields" ( Fields Institute Monographs) presentan los trabajos de investigación del institito y se publican en conjunto con la American Mathematical Society.


title: Codex Campianus

text: El Codex Campianus (París, Biblioteca Nacional de Francia (Gr. 48); Gregory-Aland no. M o 021) es un manuscrito uncial del siglo IX. El códice contiene los cuatro Evangelios.


title: Codex Campianus

text: El códice consiste de un total de 257 folios de 22 x 16,3 cm. El texto está escrito en dos columnas por página, con entre 24 líneas por columna.


title: Codex Campianus

text: El texto griego de este códice es una representación del tipo textual bizantino. Kurt Aland lo ubicó en la Categoría V.


title: Joe Davis

text: Joe Davis (Whitwell, Derbyshire, 15 de abril de 1901 - Hampshire, 11 de agosto de 1978) fue un jugador profesional de billar y snooker. Entre 1926 y 1934 disputó ocho finales del Campeonato del Mundo de Billar, de las cuales resultó victorioso en cuatro, y además, desde 1927 hasta 1946, ganó quince ediciones del Campeonato Mundial de Snooker, competición que él mismo impulsó. En 1963 recibió el título de Oficial de la Orden del Imperio Británico ("OBE" en inglés). Su hermano Fred Davis también fue campeón mundial de billar y snooker. Mientras presenciaba un encuentro de Fred por el Campeonato del Mundo de Snooker de 1978, Joe Davis tuvo una crisis de salud y finalmente murió dos meses más tarde.


title: Joe Davis

text: Pese a que su padre deseaba que practicara boxeo, se convirtió en un jugador profesional de billar a la edad de 18 años, cinco años después de que ganó el Campeonato de Chesterfield. Se rumoreó al comienzo de su carrera que usaba una caja para alcanzar la mesa. En lo que respecta a su estilo, destacó por la búsqueda de nuevas jugadas que rompieran el orden inicial de las bolas. Davis realizó exhibiciones con espejos para que sus encuentros se apreciaran en mejor forma. Una encuesta realizada por News of the World en 1946 le eligió el tercer deportista de Inglaterra. Aunque a esas alturas ya se había retirado de los campeonatos mundiales de snooker, en 1955 Davis consiguió el primer 147, el "break" máximo, reconocido oficialmente de la historia.


title: Joe Davis

text: Décadas después de su muerte, Joe Davis fue acusado de coartar el desarrollo de otros jugadores,específicamente de Patsy Houlihan, a causa de sus antecedentes penales, y de Alex Higgins. A pesar de que oficialmente solo perdió cuatro partidos de snooker, incluyendo la final del Campeonato News of the World contra su hermano Fred en 1959, Houlihan, que acostumbraba jugar a puertas cerradas, sostuvo que de cinco partidos disputados él había ganado cuatro y Davis uno.


title: Joe Davis

text: En 1926 llegó a su primera final del Campeonato del Mundo de Billar, pero no tuvo éxito contra el campeón defensor Tom Newman. Llegó a la final de nuevo al año siguiente y fue subcampeón otra vez contra el mismo oponente. La tercera oportunidad fue la vencida para Davis al derrotar a Newman en 1928 para convertirse en campeón del mundo por primera vez. Retuvo su título en los siguientes tres años enfrentando a Newman de nuevo en 1929 y 1930 y al neozelandés Clark McConachy en 1932. Él disputó la final dos veces más en 1933 y 1934 perdiendo en ambas ocasiones ante Walter Lindrum de Australia. Coincidiendo con su rendimiento máximo como jugador de billar, los intereses de Davis se ampliaron y ayudó a organizar el Campeonato Mundial de Snooker por primera vez en 1927, torneo que ganó superando a Tom Dennis 20-10. Tras su victoria recibió seis libras esterlinas y diez chelines. A partir de ese año fue imbatible en la misma competencia hasta 1940, año en que derrotó a su hermano Fred Davis, que temporadas después también llegó a consagrarse como un múltiple campeón mundial. Tras el estallido de la Segunda Guerra Mundial el Campeonato del Mundo no se llevó a cabo durante los próximos cinco años. En la reanudación, en 1946, Davis defendió su título obteniendo su decimoquinta victoria consecutiva y así retuvo el campeonato por casi veinte años. En la historia de ese deporte, Davis ha sido reconocido como uno de los deportistas que le dieron a conocer. Desde 1927 hasta 1969, año en que comenzó una nueva era del snooker, ningún otro jugador ganó más campeonatos del mundo. Después de su triunfo en 1946 se retiró del máximo evento convirtiéndose en el único jugador invicto en la historia de los campeonatos mundiales. En la década del 1950 demostró que seguía siendo el rival a vencer, durante esos años ganó tres veces el Campeonato News of the World (torneo de snooker por invitación), y se convirtió en finalista en otras tres ocasiones. Sus rivales más empecinados fueron su hermano Fred y el entonces futuro campeón del mundo John Pulman, ambos obtuvieron dos títulos y le derrotaron en una final. Continuó jugando profesionalmente hasta 1964. En 1976, Davis escribió que había cumplido su promesa de retirarse y que nunca había dudado de eso. Además de los campeonatos mundiales y el News of the World, Davis obtuvo otros títulos en torneos por invitación de snooker a lo largo de su trayectoria. La Daily Mail Gold Cup en 1936-1937 y 1937-1938 ante Horace Lindrum y Willie Smith respectivamente; y el torneo Sunday Empire News en 1948-1949 frente a John Pulman. El libro "The CueSport Book of Professional Snooker" (2004), de Eric Hayton, revela que Davis ganó además el campeonato Sporting Record en 1950-1951.


title: Joe Davis

text: Joe Davis colapsó mientras observaba la semifinal del Campeonato Mundial de Snooker de 1978 entre su hermano Fred y Perrie Mans, disputada en el Teatro Crucible de Sheffield, encuentro que finalmente favoreció 18-16 a Mans. Según testimonios de la época, seguía atentamente cada punto disputado en el encuentro y fue una mala jugada de Fred la que provocó el desbarajuste, incidente conocido como «la bola que mató a Joe Davis». En su libro "Black farce and cue ball wizards" (2007), el periodista Clive Everton comentó que Davis fue operado tras el partido. Dos meses después, Joe Davis falleció en Hampshire, el 11 de agosto de 1978, a la edad de 77 años.


title: Joe Davis

text: Por su rol en la difusión de ese deporte, Davis pasó a la posteridad para una parte de la prensa inglesa como el «Padre del snooker moderno». Se le ha situado junto a referentes del snooker como Stephen Hendry, Ronnie O'Sullivan y John Pulman. El comentarista deportivo Ted Lowe (1920-2011), denominado la voz del snooker por sus relatos, confesó que consideraba a Joe Davis un dios, y le intimidaba en tal forma que en un encuentro de Davis en los años 1940 susurró para que éste no le escuchara.


title: Joe Davis

text: Steve Davis, nacido en 1957, seis veces campeón mundial de snooker, y sin relación familiar con Joe, reconoció que gran parte de sus conocimientos deportivos provenían del libro "How I play snooker", escrito por Joe Davis. Además de ese texto, Joe Davis escribió "Advanced snooker for the average player", "Improve your snooker" y "Complete snooker". El Museo Madame Tussauds posee una estatua con su imagen.


title: Islote dos Pássaros

text: Islote dos Pássaros (en portugués: "Ilhéu dos Pássaros", literalmente en español: "Islote de los Pájaros", o "Islote de las Aves") es un islote del país africano de Cabo Verde, situado entre a 2 a 3 kilómetros al noroeste de la isla de São Vicente (Mindelo) y a 2 kilómetros al noroeste del punto más cercano de Mindelo, la Ribeira João. Es administrativamente parte de la municipalidad de São Vicente. El islote es una montaña volcánica submarina. Contiene pastizales secos y salientes rocosos que se elevan hasta 40 m. Su longitud y anchura es de alrededor de 150 metros. Forma el límite con la bahía de Mindelo y el Canal de São Vicente en el Océano Atlántico.


title: Telestereoscopio

text: El telestereoscopio es un aparato inventado por Hermann von Helmholtz cuya finalidad era obtener vistas estereoscópicas de objetos lejanos, algo así como un telescopio capaz de ofrecer una sensación tridimensional. Fue presentado en una conferencia en 1857 en la Sociedad del Bajo Rin para la naturaleza y la medicina ("Niederrheinischen Gesellschaft für Natur- und Heilkunde").


title: Telestereoscopio

text: Para obtener la impresión de profundidad, el telestereoscopio recurre a un juego de espejos y prismas y a la percepción visual del ser humano de tal forma que, la luz recogida por dos grandes espejos separados entre sí y conducida al juego de prismas conectados a dos pequeños periscopios, hace que, a modo de gigantescos “ojos” separados considerablemente, los paisajes que se observen parezcan estar en relieve.


title: Telestereoscopio

text: Los prismáticos derivan de este invento.


title: Sophie Thompson

text: Sophie Thompson (Paddington, 20 de enero de 1962) es una actriz británica. Es hermana menor de la actriz Emma Thompson e hija de la actriz escocesa Phyllida Law y del actor inglés Eric Thompson.


title: Sophie Thompson

text: Actuó en la película "Emma" (adaptación de la novela homónima de Jane Austen) en el papel de la señorita Bates, así como en la película "Cuatro bodas y un funeral", y en "Relative Values" como Moxie, por este papel obtuvo una nominación. Además, interpretó el pequeño papel de Mafalda Hopkirk en "".


title: Sophie Thompson

text: Estuvo casada desde 1995 hasta el 2015 con el actor Richard Lumsden, con quien tuvo dos hijos. Actualmente vive en Londres.


title: Sinfonía n.º 100 (Haydn)

text: La Sinfonía n.º 100 en sol mayor, Hoboken I/100 es la octava de la serie de doce sinfonías tituladas "Sinfonías de Londres" (números 93-104), compuesta por Joseph Haydn. La n.º 100 se completó en 1793 o 1794 como parte de la serie de sinfonías compuestas en su primer viaje a Londres. Se conoce popularmente como la Sinfonía Militar.


title: Sinfonía n.º 100 (Haydn)

text: El subtítulo «Militar» deriva del segundo movimiento, que presenta llamativas fanfarrias para trompetas en do y efectos de percusión. Un crítico escribió tras el estreno que el segundo movimiento evocaba el «infernal murmullo de la guerra aumentando a un clímax de horrible sublimidad!»


title: Sinfonía n.º 100 (Haydn)

text: La obra está orquestada para 2 flautas, 2 oboes, 2 clarinetes, 2 fagotes, 2 trompas, 2 trompetas, timbales, triángulo), platillos, bombo y cuerda. En varias ediciones de la obra, solo se indica una flauta. La sinfonía está escrita en la forma habitual en cuatro movimientos:El primer movimiento está escrito en forma sonata con una introducción lenta que deja entrever los motivos que más tarde aparecerán en el movimiento. El "Allegro" comienza con un tema de danza que está orquestado únicamente para flautas y oboes. La cuerda responde repitiendo el tema en una octava más grave. El "tutti" modula a la dominante para presentar el segundo sujeto, que comienza con el primer tema transportado a re mayor. Este tema se desarrolla brevemente en "re menor" y entonces aparece un nuevo sujeto en la dominante con un motivo ondulante en los violines. El empleo de Haydn de los temas y las tonalidades demuestra un aspecto importante de la forma sonata: el segundo sujeto se define por la nueva tonalidad, no solo por ser un nuevo tema. La repetición del primer sujeto en la dominante en este movimiento, en el compás 75, es por lo tanto el comienzo de la sección del segundo sujeto, aunque el nuevo tema no aparezca unos veinte compases más tarde.


title: Sinfonía n.º 100 (Haydn)

text: Una "codetta" en "tutti" lleva la exposición del primer movimiento a su fin. Tras una repetición, el desarrollo empieza con una gran pausa de dos calderones, aparece entonces el motivo ondulante en la tonalidad lejana de "si bemol mayor" y es desarrollado mediante la modulación a lo largo de varias tonalidades. El primer tema regresa en "mi mayor" y se desarrolla conjuntamente con el motivo ondulante en busca de la tónica para la recapitulación. En la recapitulación, la respuesta del tema de danza de flautas y oboes es interpretada por todo el "tutti" orquestal en vez de solo las cuerdas. El motivo ondulante reaparece en repetidas ocasiones y en "tutti" toda la orquesta concluye mediante una coda.


title: Sinfonía n.º 100 (Haydn)

text: El segundo movimiento «Militar» deriva de un movimiento de un antiguo "Concierto para Lire Organizzata en sol, Hob. VIIh/3", que compuso Haydn para Fernando IV, Rey de Nápoles. El movimiento está en forma ternaria con una sección central en modo menor. La instrumentación es más rica que en los otros movimientos. Es el único en el que se emplean dos voces para viola y clarinete, pero lo más destacable es el empleo de instrumentos «turcos» (triángulo, platillos y bombo) que hacen su primera aparición en la sección central en modo menor. Concluye con una coda extendida protagonizada por una llamada de corneta para solo de trompeta, un redoble de timbal, que fue una revolucionaria técnica del instrumento y un fuerte estruendo en la bemol mayor.


title: Sinfonía n.º 100 (Haydn)

text: Contrastando con la tendencia de Haydn a acelerar sus minuetos, en este se mentiene en un "tempo" "moderato", de lo que resulta un minueto al estilo aristocrático algo anticuado.


title: Sinfonía n.º 100 (Haydn)

text: El final está escrito en forma sonata rondó. El tema principal se convirtió en una melodía popular en su época. En la parte central del movimiento tiene lugar una sección parecida a un desarrollo que contiene un repentino golpe de timbal recorriendo varias tonalidades. Hacia el final del movimiento, los instrumentos "turcos" vuelven a dar color a las secciones de "tutti" hasta llegar al fin.


title: Fantasy (canción de Earth, Wind & Fire)

text: "Fantasy" es una canción de la banda estadounidense Earth, Wind & Fire, de su álbum All 'N All, lanzada como sencillo en 1978. La selección fue escrita y compuesta por Maurice White, Verdine White y Eddie del Barrio, y alcanzó el puesto #32 en la lista pop y #12 en la lista de sencillos de R&B en los Estados Unidos, y #14 en la lista de sencillos del Reino Unido.


title: Fantasy (canción de Earth, Wind & Fire)

text: "Fantasy" recibió una nominación al premio Grammy por Mejor canción R&B.


title: Fantasy (canción de Earth, Wind & Fire)

text: En 1990, la banda italiana Black Box realizó una versión que alcanzó el puesto 5 del ranking británico. Esta canción se encuentra incluida en su álbum Dreamland.


title: Fernando Aranda Grúas

text: Fernando Aranda Grúas (Tamarite de Litera, 2 de agosto de 1910 – Barcelona, 16 de diciembre de 2002) fue piloto de motos y el primer español ganador de una prueba mundial en motociclismo. Obtuvo gran popularidad entre los años 30 y 50.


title: Fernando Aranda Grúas

text: Comenzó a correr en 1927, sustituyendo al piloto Miguel Simón en el velódromo de Sants en la carrera de 125 cc, prueba que ganó. Ese mismo año disputó otros campeonatos, todos con motos prestadas, y alcanzó el tercer puesto en el Gran Premio de Europa disputado en La Ametlla. Entre 1928 y 1930 destacó pilotando las FN de 350 y de 500 cc, así como la Ariel de 500 cc, con la que ganó la carrera de montaña de Vallvidrera. En 1930 ganó también la carrera de la Carretera de la Arrabassada con una Rudge de 500 cc, lo que le empujó a comprarse una Rudge 350, con la que corrió entre 1931 y 1933 consiguiendo victorias en España, Portugal, Francia e Italia.


title: Fernando Aranda Grúas

text: En 1934 fue campeón de España de 350 cc y 500 cc en el II Premio Barcelona utilizando una Velocette. Norton le contrató como piloto oficial para el resto de la temporada, pero Aranda tuvo la mala suerte de sufrir el peor accidente de su carrera en el Gran Premio de Alemania, justo antes de empezar a correr con Norton: una caída a más de 120 km/h le causó diversas fracturas y pasó meses ingresado en Alemania y Barcelona.


title: Fernando Aranda Grúas

text: Tras la Guerra Civil Española reapareció en 1948, corriendo con Guzzi Gambalunga tanto en 250 cc como en 500. En 1950 fue campeón de España de 250 cc y se le entregó la medalla de plata al Mérito Motorista. Con Guzzi siguió cosechando éxitos hasta 1952, año en que decidió retirarse veintiséis años después de su debut. Sin embargo, Gilera le ofreció una moto de cuatro cilindros exclusiva para el GP de España de 1953 (Montjuic), y Aranda interrumpió su retiro para correr, acabando en buena posición a pesar de sufrir una caída.


title: Fernando Aranda Grúas

text: Fue un piloto muy veloz y de gran popularidad en su época. En su larga vida profesional, además de correr en todas las carreras que podía dentro y fuera de España fue piloto oficial en la creación del motor Ducati y ayudó a la consolidación de algunas marcas de motos con los distintos locales de venta y reparación que abrió en Barcelona, siendo la última tienda y taller que tuvo de la marca Honda, aún existente como concesionario oficial de Honda. En su Tamarite natal se le brindó un homenaje al que asistió su amigo y seguidor Sito Pons. En Tamarite hay una plaza con su nombre dedicada a su memoria.


title: Uranio TV

text: Uranio TV fue un canal de televisión abierta peruano cuya programación consistía de vídeos musicales de diversos géneros.


title: Uranio TV

text: El canal fue lanzado el 21 de noviembre de 1994 como Uranio 15 dentro del canal 15 de la banda UHF en Lima. Su programación musical se caracterizaba por la variedad de géneros musicales de los vídeoclips que emitía, tanto en inglés como en español, y daba preferencia a grupos y artistas de moda. El canal transmitía hasta las 8:00 p.m. para luego retransmitir programas internacionales como "Videomatch", "Black Power", "El show de Yuly", "Uranio en la noticia" y los programas de adultos "Cueros" y "Cuerpos calientes".


title: Uranio TV

text: El 6 de diciembre de 1999, el canal cambió su programación con el eslogan «"Mira como suena"». Además, Uranio 15 añadió espacios de televenta Quality Products y algunas repeticiones de 6 a. m. hasta las 11 a. m. El canal comenzó con VJs, entre ellos Oscar Gayoso, Raúl Francia y Chris Milligan.


title: Uranio TV

text: En 2001, el canal es relanzado como Uranio TV e incluye más géneros a su programación, como merengue, salsa, bachata, Techno, Eurodance, pachanga, música infantil, entre otros. De 2003 a 2005, el canal comenzó a despedir a sus VJs y reenfocó su programación nuevamente en géneros de moda, que en esa época era el axé, reguetón, pop latino, pop y rock alternativo. Para 2006, el canal empezó a promocionar las votaciones de vídeoclips por SMS. En 2007, a mediados de año, con la masificación de cumbia peruana, Uranio TV comienza a reemitir antiguos videoclips de cumbia y tecnocumbia en concierto.


title: Uranio TV

text: Uranio TV cesó oficialmente sus emisiones el 15 de agosto de 2008, sin previo aviso. Tiempo después ese mismo año, la estación comenzó a emitir en señal de prueba sin nombre comercial transmitiendo videos antiguos de forma automática y sin interlocutor. Tras la compra del Grupo ATV por Albavisión, el canal es relanzado como La Tele el 7 de enero de 2009 en señal de prueba, con programación reenfocada en telenovelas centradas al público femenino.


title: Uranio TV

text: Reapareció en noviembre del año 2012 a través del canal 39 UHF de forma temporal, durante la disputa entre el Grupo ATV y RBC Televisión por el canal 11 de la banda VHF de Lima. Según funcionarios de ATV, el Grupo planeaba hacerse con la frecuencia 11 y usarla para relanzar a Uranio TV, ya que previamente había alquilado la señal mediante CRASA (actualmente, ATV Sur). Sin embargo, una vez que el Tribunal Supremo falla a favor de RBC, Uranio TV desaparece definitivamente y su señal en el canal 39 UHF es aprovechada para lanzar el canal ATV+ dentro de la televisión digital terrestre de Lima, en el subcanal virtual 8.1.


title: Historia del desnudo artístico

text: La evolución histórica del desnudo artístico transcurre en paralelo a la historia del arte en general, salvo pequeñas particularidades derivadas de la distinta aceptación de la desnudez por parte de las diversas sociedades y culturas que se han sucedido en el mundo a lo largo del tiempo. El desnudo es un género artístico que consiste en la representación en diversos medios artísticos (pintura, escultura o, más recientemente, cine y fotografía) del cuerpo humano desnudo. Es considerado una de las clasificaciones académicas de las obras de arte. La desnudez en el arte ha reflejado por lo general los estándares sociales para la estética y la moralidad de la época en que se realizó la obra. Muchas culturas toleran la desnudez en el arte en mayor medida que la desnudez en la vida real, con diferentes parámetros sobre qué es aceptable: por ejemplo, aun en un museo en el cual se muestran obras con desnudos, en general no se acepta la desnudez del visitante. Como género, el desnudo resulta un tema complejo de abordar por sus múltiples variantes, tanto formales como estéticas e iconográficas, y hay historiadores del arte que lo consideran el tema más importante de la historia del arte occidental.


title: Historia del desnudo artístico

text: Aunque se suele asociar al erotismo, el desnudo puede tener diversas interpretaciones y significados, desde la mitología hasta la religión, pasando por el estudio anatómico, o bien como representación de la belleza e ideal estético de perfección, como en la Antigua Grecia. Su representación ha variado conforme a los valores sociales y culturales de cada época y cada pueblo, y así como para los griegos el cuerpo era un motivo de orgullo, para los judíos —y, por ende, para el cristianismo— era motivo de vergüenza, era la condición de los esclavos y los miserables.


title: Historia del desnudo artístico

text: El estudio y representación artística del cuerpo humano ha sido una constante en toda la historia del arte, desde la prehistoria (Venus de Willendorf) hasta nuestros días. Una de las culturas donde más proliferó la representación artística del desnudo fue la Antigua Grecia, donde era concebido como un ideal de perfección y belleza absoluta, concepto que ha perdurado en el arte clasicista llegando hasta nuestros días, y condicionando en buena medida la percepción de la sociedad occidental hacia el desnudo y el arte en general. En la Edad Media su representación se circunscribió a temas religiosos, siempre basados en pasajes bíblicos que así lo justificasen. En el Renacimiento, la nueva cultura humanista, de signo más antropocéntrico, propició el retorno del desnudo al arte, generalmente basado en temas mitológicos o históricos, perdurando igualmente los religiosos. Fue en el siglo XIX, especialmente con el impresionismo, cuando el desnudo empezó a perder su carácter iconográfico y a ser representado simplemente por sus cualidades estéticas, el desnudo como imagen sensual y plenamente autorreferencial. En tiempos más recientes, los estudios en torno al desnudo como género artístico se han centrado en los análisis semióticos, especialmente en la relación entre obra y espectador, así como en el estudio de las relaciones de género. El feminismo ha criticado el desnudo como utilización objetual del cuerpo femenino y signo del dominio patriarcal de la sociedad occidental. Artistas como Lucian Freud y Jenny Saville han elaborado un tipo de desnudo no idealizado para eliminar el concepto tradicional de desnudo y buscar su esencia más allá de los conceptos de belleza y género.


title: Historia del desnudo artístico

text: El arte prehistórico es el desarrollado desde la Edad de Piedra (paleolítico superior, mesolítico y neolítico) hasta la Edad de los Metales, periodos donde surgieron las primeras manifestaciones que se pueden considerar como artísticas por parte del ser humano. En el paleolítico (25000  a. C.-8000  a. C.), el hombre se dedicaba a la caza y vivía en cuevas, elaborando la llamada pintura rupestre. Tras un periodo de transición (mesolítico, 8000 a. C.-6000 a. C.), en el neolítico (6000 a. C.-3000 a. C.) se volvió sedentario y se dedicó a la agricultura, con sociedades cada vez más complejas donde va cobrando importancia la religión, y comienza la producción de piezas de artesanía. Por último, en la llamada Edad de los Metales (3000 a. C.-1000 a. C.), surgen las primeras civilizaciones protohistóricas.


title: Historia del desnudo artístico

text: En el arte paleolítico el desnudo estaba fuertemente vinculado al culto a la fertilidad, como se puede apreciar en la representación del cuerpo humano femenino —las llamadas «venus»—, generalmente de formas algo obesas, con pechos generosos y abultadas caderas. La mayoría proceden del período auriñaciense, y están generalmente talladas en caliza, marfil o esteatita. Destacan las venus de Willendorf, Lespugue, Menton, Laussel, etc. A nivel masculino, la representación del falo —generalmente erecto—, en forma aislada o en cuerpo completo, era igualmente signo de fertilidad, como en el llamado "Gigante de Cerne Abbas" (Dorset, Inglaterra). En la pintura rupestre —sobre todo la desarrollada en la zona franco-cantábrica y levantina— son comunes las escenas de caza, o bien de ritos y danzas, donde la figura humana, reducida a trazos esquemáticos, es representada en ocasiones destacando los órganos sexuales —pechos en mujeres y el falo en los hombres—, seguramente asociado a ritos apareatorios. Algunos ejemplos se hallan en las cuevas de El Cogul, Valltorta y Alpera.


title: Historia del desnudo artístico

text: Puede llamarse así a las creaciones artísticas de la primera etapa de la historia, destacando las grandes civilizaciones del Próximo Oriente: Egipto y Mesopotamia. También englobaría las primeras manifestaciones artísticas de la mayoría de pueblos y civilizaciones de todos los continentes. Uno de los grandes avances en esta época fue la invención de la escritura, generada en primer lugar por la necesidad de llevar registros de índole económica y comercial. En las primeras religiones, desde la sumeria hasta la egipcia, se relacionó el antiguo culto a la Madre Tierra con las nuevas deidades de tipo antropomórfico, vinculando la forma femenina con la naturaleza, en cuanto ambas son generadoras de vida. Así, los dioses gemelos egipcios Geb y Nut representaban la tierra y el cielo, de cuya unión nacían todos los elementos. En otros casos, los dioses se relacionan con elementos cosmológicos, como la diosa Ishtar con el planeta Venus, representada generalmente desnuda y alada, con una luna creciente en la cabeza. Otras representaciones de la Diosa Madre suelen ser figuras más o menos vestidas pero con los pechos desnudos, como la famosa "Diosa de las serpientes" (Museo Arqueológico de Iraklion), una estatuilla minoica de alrededor del 1550 a. C. Estas representaciones fueron el punto de partida para la iconografía de diosas griegas y romanas como Ártemis, Diana, Deméter y Ceres.


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text: En Egipto la desnudez era vista con naturalidad, y abunda en representaciones de escenas cortesanas, especialmente en danzas y escenas de fiestas y celebraciones. Pero también está presente en los temas religiosos, y muchos de sus dioses representados en forma antropormórfica aparecen desnudos o semidesnudos en estatuas y pinturas murales. Igualmente aparece en la representación del propio ser humano, sea faraón o esclavo, militar o funcionario, como el famoso "Escriba sentado" del Louvre. Sin duda debido al clima, los egipcios solían llevar poca ropa, taparrabos y faldellines los hombres, vestidos de lino transparente las mujeres. Así se refleja en el arte, desde las escenas que muestran las fiestas y ceremonias de la corte hasta las escenas más populares, que muestran el trabajo diario de campesinos, artesanos, pastores, pescadores y demás oficios. Asimismo, en las escenas de guerra aparecen los lastimosos cuerpos desnudos de los esclavos y cautivos, tratados con el mismo estilo hierático y falto de dinamismo propio del arte egipcio, donde prepondera la ley de la frontalidad, del cuerpo constreñido a rígidas posturas estáticas y faltas de realismo. La pintura se caracteriza principalmente por presentar figuras yuxtapuestas en planos superpuestos, con un criterio jerárquico. Predominaba el canon de perfil, que consistía en representar la cabeza y las extremidades de perfil pero los hombros y los ojos de frente. Entre las obras que nos han llegado del Antiguo Egipto, el desnudo, parcial o completo, es perceptible tanto en pintura como en escultura, sea monumental o en pequeñas estatuillas, como la "Oferante" del Louvre o la "Muchacha tocando el arpa" del British Museum; tenemos estatuas como las de "Rahotep y Nefrit", la de "Micerino con su esposa" o la "Dama Tui" del Louvre que, aunque vestida de lino, la transparencia de la tela nos muestra su desnudez; en pintura, los murales de la tumba de Nath, contable de Tuthmosis IV, o la Tumba de los Médicos en Saqqarah. En la tumba de Tutankhamon se halló una estatua del faraón desnudo, representando a Ihy, hijo de la diosa Hathor.


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text: Por contrapartida, en Mesopotamia, cercana geográfica y cronológicamente al Antiguo Egipto, el desnudo es prácticamente desconocido, excepto algún relieve asirio como "Asurbanípal cazando leones" (British Museum), donde el rey aparece con el torso desnudo, o algunas escenas de tortura de prisioneros, mientras que en la vertiente femenina solo hallamos los pechos desnudos de un bronce caldeo representando una joven canéfora, presente en el Louvre. Tampoco encontramos desnudos en el arte fenicio o judío, donde la ley mosaica prohibía la representación humana.


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text: Se denomina arte clásico al desarrollado en las antiguas Grecia y Roma, cuyos adelantos tanto científicos como materiales y de orden estético aportaron a la historia del arte un estilo basado en la naturaleza y en el ser humano, donde preponderaba la armonía y el equilibrio, la racionalidad de las formas y los volúmenes, y un sentido de imitación («mímesis») de la naturaleza que sentaron las bases del arte occidental, de tal forma que la recurrencia a las formas clásicas ha sido constante a lo largo de la historia en la civilización occidental.


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text: En Grecia se desarrollaron las principales manifestaciones artísticas que han marcado la evolución del arte occidental. Tras unos inicios donde destacaron las culturas minoica y micénica, el arte griego se desarrolló en tres periodos: arcaico, clásico y helenístico. Caracterizado por el naturalismo y el uso de la razón en medidas y proporciones, y con un sentido estético inspirado en la naturaleza, el arte griego fue el punto de partida del arte desarrollado en el continente europeo. El punto álgido del arte griego se produjo en la llamada era de Pericles, donde el arte gozó de un gran esplendor, generando un estilo de interpretar la realidad: los artistas se basaban en la naturaleza según unas proporciones y unas reglas (κανών, canon) que permitían la captación de esa realidad por parte del espectador, recurriendo si era necesario al escorzo. Se perseguía un concepto de belleza basado en la imitación del natural pero idealizado con la incorporación de una visión subjetiva que reflejaba la armonía de cuerpo y alma, equiparando belleza con bondad (καλοκαγαθία, "kalokagathía"). Grecia fue el primer lugar donde se representó el cuerpo humano de una forma naturalista, lejos del hieratismo y la esquematización de las culturas precedentes. La cultura griega era humanista, el ser humano era el principal objeto de estudio de su filosofía y su arte, ya que su religión era más mitológica que objeto de culto. Para los griegos el ideal de belleza era el cuerpo masculino desnudo, que simbolizaba la juventud y la virilidad, como los atletas de los Juegos Olímpicos, que competían desnudos. El desnudo griego era a la vez naturalista e idealizado: naturalista en cuanto a la representación fidedigna de las partes del cuerpo, pero idealizado en cuanto a la búsqueda de unas proporciones armoniosas y equilibradas, desechando un tipo de representación más real que mostrase las imperfecciones del cuerpo o las arrugas de la edad. Desde una composición más esquemática en la época arcaica, el estudio del cuerpo fue evolucionando hacia una descripción más pormenorizada del esqueleto y los músculos, así como del movimiento y las distintas posiciones y torsiones que puede realizar el cuerpo humano. También se fue perfeccionando la descripción del rostro y la representación de estados anímicos.


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text: Los griegos concedieron gran relevancia al cuerpo desnudo, del que se sentían orgullosos, ya que no solo era el reflejo de una buena salud física, sino que era el recipiente de la virtud y la honestidad, así como le otorgaban un componente de avance social, en contraposición a las inhibiciones de otros pueblos menos civilizados. Para los griegos el desnudo era expresión de integridad, nada relacionado con el ser humano en su conjunto podía eludirse o aislarse. Relacionaban cuerpo y espíritu, que para ellos estaban unidos indisolublemente, de tal manera que incluso su religiosidad se materializó en unos dioses antropomórficos. Relacionaban elementos aparentemente antagónicos, y así como algo tan abstracto como las matemáticas podía llegar a proporcionarles placer sensorial, algo material como el cuerpo podía convertirse en símbolo de algo etéreo e inmortal. Así, el desnudo tenía un componente moral que evitaba el simple sensualismo, por lo que no les resultaba obsceno ni decadente, como en cambio les parecía a los romanos. Esta interrelación entre cuerpo y espíritu es inherente al arte griego, y cuando artistas de épocas posteriores imitaron el desnudo griego —como en el caso del neoclasicismo y el academicismo—, despojado de este componente, realizaron obras sin vida, centradas en la perfección física, pero sin la virtud moral.


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text: En el desnudo griego masculino es esencial la captación de la energía, de la fuerza vital, que transcribieron mediante dos tipologías de desnudo viril: el atleta y el héroe. En los Juegos Olímpicos era costumbre regalar al ganador un vaso de cerámica —las llamadas «ánforas panatenaicas»— con representaciones de la disciplina atlética ejercida por el laureado, excelente ejemplo de representaciones de desnudos en movimiento, en escenas de acción de gran dinamismo.


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text: El primer exponente del desnudo masculino lo constituyen un tipo de figuras que representan a atletas, dioses o héroes mitológicos, llamadas "kouros" ("kouroi" en plural), pertenecientes al periodo arcaico (siglos siglo VII a. C.-siglo V a. C.) —su variante femenina es la "koré" ("korai" en plural), que sin embargo solían representar vestida—. Si bien en origen estas figuras denotan una cierta influencia egipcia, pronto los escultores griegos siguieron su propio camino, buscando la mejor forma de representar el cuerpo humano en aras de traslucir su ideal de belleza. El "kouros" se caracteriza por la postura hierática, donde predomina la frontalidad, con los pies en el suelo y la pierna izquierda adelantada, los brazos pegados al cuerpo y las manos cerradas, y la cabeza de forma cúbica, con una larga melena y rasgos faciales básicos, destacando su característica sonrisa, denominada «sonrisa arcaica». Los primeros ejemplos datan del siglo VII a. C., procedentes de lugares como Delos, Naxos y Samos, apareciendo generalmente en tumbas y lugares de culto. Posteriormente se extendieron por el Ática y el Peloponeso, donde van ganando en naturalismo, con rasgos descriptivos y mayor interés por el modelado. Algunas obras que han llegado hasta nuestros días son: el "Kouros de Sounion" (600 a. C.), los "Gemelos Cleobis y Bitón" (600 a. C.-590 a. C.), el "Moscóforo" (570 a. C.), el "Jinete Rampin" (550 a. C.), el "Kouros de Tenea" (550 a. C.), el "Kouros de Anafi" (530 a. C.), el "Kouros de Aristódikos" (500 a. C.), etc. Posteriormente, el desnudo tuvo una lenta pero constante evolución desde las formas rígidas y geométricas de los "kouroi" hasta las líneas suaves y naturalistas del periodo clásico (el llamado estilo severo, desarrollado entre 490 a. C. y 450 a. C.). El principal factor de esta innovación fue un nuevo concepto a la hora de concebir la escultura, pasando de la idealización a la imitación. Este cambio se empezó a notar en los primeros lustros del siglo V a. C., con obras como el "Apolo de Piombino" ("circa" 490 a. C.), el "Efebo" de Kritios ("circa" 480 a. C.) o el llamado "Grupo de los Tiranicidas", que representa a Aristogitón y Harmodio, obra de Kritios y Nesiotes ("circa" 477 a. C.). En estas obras se denota el culto a la perfección física, que se expresaba principalmente en el atletismo, que conjugaba el vigor físico con la virtud moral y la religiosidad. El nuevo estilo clásico aportó mayor naturalidad no solo formal, sino vital, al proporcionar movimiento a la figura humana, especialmente con la introducción del "contrapposto" —atribuido por lo general a Kritios—, donde las diversas partes del cuerpo se contraponen armónicamente, y que proporciona ritmo y equilibrio a la figura. Con estas premisas surgieron las principales figuras de la escultura clásica griega: Mirón, Fidias, Policleto, Praxíteles, Escopas, Lisipo, etc.


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text: Mirón realizó con su "Discóbolo" (450 a. C.) un magnífico ejemplo de figura en movimiento, logrando por primera vez un efecto dinámico coordinado para el conjunto de la figura, ya que hasta entonces las figuras en movimiento estaban realizadas por partes, sin una visión global que proporcionase coherencia a la acción dinámica —como en el caso del "Poseidón del Cabo Artemision", figura en bronce de origen ático de alrededor del 470 a. C., en el que el torso es estático, no sigue el movimiento de los brazos—.


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text: Fidias se dedicó especialmente a esculturas de dioses —era llamado el «hacedor de dioses»—, especialmente Apolo, a los que trataba con una mezcla de naturalismo y ciertos vestigios de la arcaica frontalidad hierática, que otorgaban a sus figuras un aura de majestuosidad, con una equilibrada sintonía entre la fuerza y la gracia, la forma y el ideal, como en el llamado "Apolo de Kassel" ("circa" 450 a. C.). Sin embargo, también realizó obras de personajes corrientes, con un tratamiento más humano, menos idealizado, como su figura de Anacreonte ("circa" 450 a. C.). La obra de Policleto tuvo una especial relevancia en la estandarización de un canon de proporciones geométricas en el que se basaban sus figuras, junto a la búsqueda del equilibrio dentro del movimiento, como se vislumbra en sus dos principales obras, el "Doríforo" (440 a. C.) y el "Diadumeno" (430 a. C.) —lamentablemente, solo nos han llegado copias romanas de sus obras—. Otra importante contribución de Policleto fue el estudio anatómico (la "diarthrosis" o articulación de las diversas partes del cuerpo), especialmente de la musculación: la perfección de sus torsos ha llevado a que sean apodados en francés "cuirasse esthétique" («coraza estética»), y han servido durante mucho tiempo para el diseño de armaduras.


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text: Praxíteles diseñó figuras más humanas ("Apolo Sauróctono", 360 a. C.; "Sátiro escanciador", 365 a. C.; "Hermes y Dioniso niño", 340 a. C.), de gráciles movimientos, con una sensualidad latente, conjugando la potencia física con un cierto aire de gracia, casi de dulzura, con un diseño fluido y delicado.


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text: Con posterioridad, la escultura griega perdió en cierta forma esa unión entre lo físico y lo ideal, encaminándose a figuras más esbeltas y musculosas, donde predominaba la acción por sobre la expresión moral. Así se percibe en obras como el "Efebo de Anticitera" (340 a. C.), el "Atleta con estrígil" de Éfeso y el "Efebo de Maratón". Entre los artistas que descollaron en esta época sobresale Escopas, autor del friso del Mausoleo de Halicarnaso, pleno de figuras en movimiento, como sus "Griegos y amazonas" ("circa" 350 a. C.), donde es característica la utilización de los ropajes —especialmente las capas de los griegos, que por lo demás llevan el resto del cuerpo desnudo— para dar sensación de movimiento. También trabajó en el Mausoleo Leócares, autor del famoso "Apolo de Belvedere" ("circa" 330 a. C.-300 a. C.), considerada la mejor escultura antigua por los neoclásicos, que inspiró a numerosos artistas modernos, como el "Adán" de Durero (1504), el "Apolo y Dafne" de Bernini (1622-1625), el "Perseo" de Canova (1801) y el "Orfeo" de Thomas Crawford (1838). En el Mausoleo se introdujo la llamada «diagonal heroica», una postura en que la acción recorre todo el cuerpo desde los pies hasta las manos siguiendo una pronunciada diagonal, y que sería reproducida con asiduidad en el futuro —como en el "Gladiador Borghese" de Agasio de Éfeso (siglo III a. C.) o los "Dióscuros" del Quirinal, llegando hasta el "Hércules" y el "Teseo" de Canova—.


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text: Lisipo, quizá el último gran nombre de la escultura griega, introdujo un nuevo canon de proporciones, con la cabeza más pequeña, un cuerpo más esbelto y largas piernas, como en su principal obra, el "Apoxiómeno" (325 a. C.), o en el "Agias" (337 a. C.), en "Eros tensando el arco" (335 a. C.) y "Heracles en reposo" (320 a. C.). También introdujo una nueva concepción de la figura humana, menos idealista, más centrada en lo cotidiano y anecdótico, como su figura de atleta rascándose, el "Hermes descansando" (330 a. C.-320 a. C.) de Nápoles, o el "Joven orante" de Berlín. Lisipo fue el retratista de Alejandro Magno, del que hizo diversas estatuas, varias de ellas desnudo, como en el "Alejandro con la lanza" del Louvre (330 a. C.). El desnudo femenino fue menos frecuente, sobre todo en época arcaica, donde frente a la desnudez de los "kouroi" contrastaban las figuras vestidas de las "korai". Así como el arte occidental ha considerado —preferentemente desde el Renacimiento— el desnudo femenino como un tema más normal y agradable que el masculino, en Grecia ciertos aspectos religiosos y morales prohibían la desnudez femenina —como se constata en el célebre juicio a Friné, la modelo de Praxíteles—. Socialmente, en Grecia la mujer estaba relegada a sus labores domésticas, y frente a la desnudez del atletismo masculino, las mujeres debían ir vestidas de pies a cabeza. Tan solo en Esparta las mujeres participaban en alguna competición atlética, llevando entonces una túnica corta que enseñaba los muslos, hecho que resultaba escandaloso en el resto de Grecia. Los primeros vestigios de desnudo femenino se encuentran en el siglo VI a. C., en escenas cotidianas pintadas en vasos de cerámica. En el siglo V a. C. aparecieron los primeros vestigios escultóricos, como la "Venus del Esquilino", que probablemente representaba una sacerdotisa de Isis. Presenta una anatomía tosca y poco elaborada, robusta y de baja estatura, pero ya contiene unas proporciones matemáticas, basadas en el canon de la estatura de siete cabezas.


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text: La posterior evolución del desnudo femenino fue esporádica, sin apenas figuras de desnudo completo, sino parcial o con la técnica de "draperie mouillée" («paños mojados»), vestidos ligeros y adheridos al cuerpo, como la "Afrodita" del Trono Ludovisi, la "Niké" de Paionios (425 a. C.), o la "Venus Genetrix" del Museo Nacional de las Termas de Roma. Hacia el año 400 a. C. se esculpió una figura de bronce de una muchacha (Museo de Múnich), de autor anónimo, que presenta el "contrapposto" clásico, dando a la figura femenina una sinuosidad —especialmente en el arco de la cadera, que en francés se llama "déhanchement" («balanceo»)— que realzaba más su figura y que quedaría como modelo casi arquetípico de representación de la figura femenina.


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text: El principal escultor clásico que trató el desnudo femenino fue Praxíteles, autor de la famosa "Afrodita de Cnido" ("circa" 350 a. C.), representada en el momento de adentrarse en el baño, con el vestido aún en una mano. Es una imagen que conjuga sensualidad con misticismo, placer físico con evocación espiritual, y que supuso una realización material del ideal de belleza femenina griega. Fue también autor de otra famosa imagen, la de la diosa Afrodita con las piernas envueltas en ropajes y los pechos desnudos, que nos ha llegado por varias copias, la más completa la llamada "Venus de Arles" del Louvre, pero que es más famosa por la copia de un artista anónimo de alrededor del año 100 a. C., la "Venus de Milo". La posterior evolución del desnudo femenino llevó a tipologías como la «Venus púdica», que cubre su desnudez con sus brazos, como se aprecia en la "Venus Capitolina" —a veces atribuida al propio Praxíteles—, o la Venus Calipigia («de bellas nalgas»), que se levanta su peplo para descubrir sus caderas y nalgas, de la que nos ha llegado una copia romana de un original helenístico, actualmente en el Museo Arqueológico Nacional de Nápoles.


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text: Un género donde abundó un poco más el desnudo femenino fue en la representación de bacanales y ritos dionisíacos, donde junto a los sátiros y silenos aparecía todo un coro de ménades y nereidas en sensuales y desenfrenadas posturas, cuyas escenas fueron muy representadas en los sarcófagos funerarios, y fue un tema frecuente en el taller escultórico de Escopas, autor de varias figuras relacionadas con el culto a Dioniso, como la "Ménade" de Dresde. En especial, las figuras de nereidas ganaron una gran popularidad e influenciaron al arte producido con posterioridad a todo lo largo del Mediterráneo. Como símbolo del alma liberada, su representación pasó a ser un motivo ornamental frecuente en diversas técnicas artísticas, desde la pintura y la escultura hasta las joyas, camafeos, vasos y copas cerámicos, cofres, sarcófagos, etc. En el Imperio Romano tardío tuvo una gran difusión, encontrándose desde Irlanda hasta Arabia, y llegó hasta la India, donde vemos sus formas en las figuras de "gandharvas" voladoras. Incluso en la Edad Media, su tipología fue identificada con el personaje de Eva.


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text: Durante el período helenístico —iniciado con el fallecimiento de Alejandro Magno, en que la cultura griega se expandió por todo el Mediterráneo oriental—, las figuras adquirieron un mayor dinamismo y torsión del movimiento, que denotaba sentimientos exacerbados y expresiones trágicas, rompiendo el sereno equilibrio de la época clásica. Frente a la energía vital y triunfadora de los héroes y atletas surgió el "pathos", la expresión de la derrota, del dramatismo, el sufrimiento, de los cuerpos maltrechos y deformados, enfermos o mutilados. Si los héroes y atletas eran vencedores, ahora el hombre está sometido por el hado, padece la ira de los dioses, lo divino prevalece sobre lo material, el espíritu sobre el cuerpo. Así se observa en mitos como la matanza de los hijos de Níobe, la agonía de Marsias, la muerte del héroe (como Héctor o Meleagro) o el destino de Laocoonte, temas frecuentes en el arte de la época. Uno de los primeros centros productores de la escultura helenística fue Pérgamo, cuyo taller de escultores procedentes de toda Grecia estableció un estilo que, partiendo de una clara influencia lisipiana, imprimió un dramatismo a sus figuras que, primordialmente a través de la torsión del cuerpo, expresaba de una forma efectista el dolor de los personajes, como se aprecia en el "Galo moribundo" del Museo Capitolino (230 a. C.), el "Galo Ludovisi" del Museo de las Termas (230 a. C.), "Menelao y el cuerpo de Patroclo" de la Loggia dei Lanzi (230 a. C.-200 a. C., también llamado "Grupo de Pasquino") o en el "Marsias" del Conservatorio de Roma (230 a. C.-200). Su obra cumbre es el "Laocoonte y sus hijos", de Agesandro, Atenodoro y Polidoro de Rodas (siglo II a. C.), quizá la mejor expresión del patetismo en toda la historia, donde el movimiento abigarrado, la torsión de las figuras entrelazadas (padre, hijos y serpientes), la emoción exacerbada, los marcados músculos del torso y los muslos de la figura central, la expresión dramática de los rostros, confieren un sentido general de tragedia latente, que sin duda provoca en el espectador un sentimiento de terror y desesperación, de piedad para esas figuras que sufren. Según Plinio, el "Laocoonte" es «la mejor de todas las obras tanto de pintura como de escultura».


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text: De época helenística es también el "Toro Farnesio", de Apolonio y Taurisco de Tralles, copia de una obra anterior titulada "El suplicio de Dirce" (130 a. C.). Es un grupo dinámico, de gran efecto expresivo, donde sobre una base paisajística figuran los animales, de gran realismo, los jóvenes, en actitud algo rígida, y la figura de Dirce, con una compleja torsión en espiral de gran efecto dramático. Otra obra famosa de la época es la "Venus agachada" de Doidalsas de Bitinia (siglo III a. C.), muy valorada en la antigüedad y de la que se hicieron numerosas copias que decoraban palacios, jardines y edificios públicos. Actualmente existen varias copias en museos de todo el mundo, y se han efectuado diversas copias o versiones en el arte moderno —principalmente el Renacimiento—, como las de Giambologna, Antoine Coysevox y Jean-Baptiste Carpeaux, o incluso en dibujo o grabado, como las de Marcantonio Raimondi y Martin Heemskerck. Rubens también se inspiró en esta figura para varias obras suyas. Igual relevancia tuvo el "Hermafrodita dormido" de Policles (siglo II a. C.), cuyo original en bronce se perdió, existiendo varias copias realizadas en época romana, de las cuales una de las más famosas es el "Hermafrodita Borghese", hallado en las Termas de Diocleciano a principios del siglo XVII y restaurado por Bernini. Existen varias copias, algunas realizadas en época moderna, como la encargada por Felipe IV de España, actualmente en el Prado, que seguramente influyó en la "Venus del espejo" de Velázquez.


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text: Con un claro precedente en el arte etrusco, el arte romano recibió una gran influencia del arte griego. Gracias a la expansión del Imperio Romano, el arte clásico grecorromano llegó a casi todos los rincones de Europa, norte de África y Próximo Oriente, sentando la base evolutiva del futuro arte desarrollado en estas zonas. Si bien los romanos estaban muy avanzados en arquitectura e ingeniería, en artes plásticas fueron poco innovadores. La mayor parte de estatuas romanas son copias de obras griegas, o están inspiradas en ellas. Muchos de los artistas del mundo helenístico se trasladaron a trabajar a Roma, manteniendo vivo el espíritu del arte griego. Los historiadores romanos despreciaban las obras de arte producidas con posterioridad al período clásico griego, llegando a afirmar que tras esta edad dorada griega «se detuvo el arte».


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text: Las primeras producciones en escultura fueron obra de artistas griegos instalados en Roma, entre los que figuran: Apolonio de Atenas, autor del "Torso del Belvedere" (50 a. C.); Cleómenes, autor de la "Venus de Médici" (siglo I a. C.); y Pasíteles, autor de "El niño de la espina". Stephanos, un discípulo de Pasíteles, fue autor del "Atleta de Villa Albani" (50 a. C.), figura que tuvo un enorme éxito, hecho corroborado porque nos han llegado 18 copias, y que originó una variante con otra figura, creando un grupo a veces identificado con "Mercurio y Vulcano", y otras con "Orestes y Pílades", del que una copia, llamada "Grupo de San Ildefonso" (10 a. C.), se conserva en el Prado, donde las dos figuras recuerdan una al "Doríforo" de Policleto y otra al "Apolo Sauróctono" de Praxíteles. Otras obras anónimas que guardan relación estilística con el arte griego helenístico son el "Púgil en reposo" del Museo de las Termas de Roma (100 a. C.-50 a. C.) y el "Príncipe helenístico" del mismo museo (100 a. C.-50 a. C.)


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text: En cuanto a la producción propiamente romana, aun manteniendo la influencia griega, son características las estatuas de emperadores romanos divinizados, desnudos como los dioses griegos, que si bien mantienen un cierto idealismo muestran un mayor estudio del natural en cuanto a las facciones de sus retratos. En pocas obras se percibe algún sello estilístico diferenciado respecto a las griegas, como en la "Venus de Cirene" (Museo de las Termas, Roma), que muestra un mayor naturalismo anatómico que las figuras griegas, si bien manteniendo la elegancia y sensualidad del desnudo femenino griego. Una original innovación temática fue la de "Las Tres Gracias", de la que existen diversas copias (Siena, Louvre), casi todas datables en el siglo I. Es un tema iconográfico proveniente del grupo de cárites (divinidades de la belleza) que acompañaba a Afrodita, generalmente representado con tres hermanas (Eufrósine, Talía y Áglae), cogidas por los brazos y dispuestas dos de ellas en forma frontal y la del centro vuelta hacia atrás. Este tema tuvo mucho éxito en época renacentista y barroca.


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text: En época imperial el interés por el desnudo decayó, en paralelo al concepto idealizante de la escultura, cobrando mayor relevancia el realismo y la descripción pormenorizada de los detalles, aun los más feos y desagradables, estilo que tuvo su mayor cristalización en el retrato. Aun así, se facturaron magníficas piezas, como las estatuas de Marte y Mercurio que decoran la Villa Adriana (125), o la "Apoteosis de Antonino y Faustina" que figura en la basa de la Columna de Antonino —actualmente en el Museo Vaticano— (161), o aun los "Dióscuros de Montecavallo", de las Termas de Constantino, en la Plaza del Quirinal de Roma (330).


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text: En cuanto a la pintura, de la que nos han llegado numerosas muestras gracias sobre todo a las excavaciones en Pompeya y Herculano, pese a su carácter eminentemente decorativo ofrecen gran variedad estilística y riqueza temática, con una iconografía que va desde la mitología hasta las escenas más cotidianas, pasando por fiestas, danzas y espectáculos circenses. En estas escenas abunda el desnudo, con clara tendencia al erotismo, que se muestra sin tapujos, como una faceta más de la vida. Entre las múltiples escenas que decoran los muros de Pompeya y en las que está presente el desnudo conviene recordar: "Las tres Gracias", "Venus Anadiómena", "Invocación a Príapo", "Casandra raptada por Áyax", "El beso del fauno", "Bacante sorprendida por un sátiro", "La violación de la ninfa Iftima", "Hércules reconociendo a Télefo en Arcadia", "El centauro Quirón instruyendo al joven Aquiles", "Perseo liberando a Andrómeda", "Las bodas aldobrandinas", etc.


title: Historia del desnudo artístico

text: La caída del Imperio Romano de Occidente marcó el inicio en Europa de la Edad Media, etapa de cierta decadencia política y social, pues la fragmentación del imperio en pequeños estados y la dominación social de la nueva aristocracia militar supuso la feudalización de todos los territorios anteriormente administrados por la burocracia imperial. El arte clásico fue reinterpretado por las nuevas culturas dominantes, de origen germánico, mientras que la nueva religión, el cristianismo, impregnó la mayor parte de la producción artística medieval. En el arte medieval se sucedieron diversas fases, desde el arte paleocristiano, pasando por el prerrománico, hasta el románico y el gótico, incluyendo el bizantino y el de los pueblos germánicos.


title: Historia del desnudo artístico

text: En el medievo, la teología moral distinguía cuatro tipos de desnudo: "nuditas naturalis", el estado natural del ser humano; "nuditas temporalis", un estado artificial impuesto por la transitoriedad, generalmente vinculado a la pobreza; "nuditas virtualis", como símbolo de virtud e inocencia; y "nuditas criminalis", el ligado con la lujuria y la vanidad. Otro elemento frecuente de desnudo en el arte medieval —sobre todo en los "Apocalipsis" de los "Beatos"— era la representación de los muertos, como símbolo de despojamiento de todo lo terreno.


title: Historia del desnudo artístico

text: La teología cristiana dividía al ser humano en cuerpo perecedero y alma inmortal, siendo esta última la única que tenía consideración como algo precioso que había que conservar. Con la desaparición de las religiones paganas se perdió la mayor parte del contenido iconográfico relacionado con el desnudo, que quedó circunscrito a los escasos pasajes de las Sagradas Escrituras que lo justificaban. En los pocos casos de representación del desnudo son figuras angulosas y deformadas, alejadas del armonioso equilibrio del desnudo clásico, cuando no son formas deliberadamente feas y maltrechas, como señal del desprecio que se sentía por el cuerpo, que era considerado un simple apéndice del alma. En las escasas representaciones de desnudo femenino —generalmente figuras de Eva— son figuras de vientre abultado, hombros estrechos y piernas rectilíneas, aunque en cambio se suele trabajar el rostro de forma personalizada, cosa que no ocurría en la antigüedad.


title: Historia del desnudo artístico

text: La figura humana fue sometida a un proceso de estilización, en que se pierde la descripción naturalista para enfatizar el carácter trascendente y el lenguaje simbólico de la religión cristiana, en paralelo a la pérdida de perspectiva y la geometrización del espacio, dando como resultado un tipo de representación donde importa más el contenido simbólico, el mensaje inherente a la imagen, que no la descripción de la realidad. La religión cristiana, influida por la idea platónica del cuerpo como cárcel del alma, perdió el interés en el estudio de las formas anatómicas naturalistas, centrando la representación del ser humano en la expresividad. Aunque durante la Edad Media se perdió el estudio de la proporción en el cuerpo humano, este fue objeto de una simbología cosmogónica de aplicaciones matemáticas y estéticas: el "homo quadratus". Partiendo del corpus platónico, la cultura medieval consideraba el mundo como un gran animal —y, por tanto, como un ser humano—, mientras que el hombre era concebido como un mundo, un microcosmos dentro del gran cosmos de la Creación. Esta teoría relacionaba la simbología del número cuatro con la naturaleza, que a su vez se aplicaba al arte: existen cuatro puntos cardinales, cuatro estaciones, cuatro fases de la luna, cuatro vientos principales; y cuatro es el número del hombre, teoría que se retrotrae a Vitruvio y su concepción del hombre como cuadrado ideal, correspondiendo la anchura de sus brazos extendidos a su altura.


title: Historia del desnudo artístico

text: En sus inicios, el cristianismo —todavía bajo una fuerte influencia judía— había prohibido no solo el desnudo, sino casi cualquier imagen de figura humana, ya que suponía una transgresión del segundo mandamiento, y condenaba los ídolos paganos como morada de demonios. El hecho de que muchos dioses paganos estuviesen representados en pintura y escultura de forma humana, y en muchas ocasiones desnudos, hizo que los primitivos cristianos identificasen el desnudo con la idolatría pagana, sino veían directamente una vinculación diabólica. Sin embargo, el fin del paganismo y la asimilación de la filosofía neoplatónica por la moral cristiana hizo que se aceptase el cuerpo como receptáculo del espíritu, y la desnudez como un estado degradado del ser humano pero natural y aceptable. Aun así, el arte medieval perdió por completo el concepto de belleza corporal inherente al arte clásico, y cuando era representado —en los pasajes bíblicos que lo requerían, como el de Adán y Eva—, eran cuerpos deformes, reducidos a líneas básicas, con los atributos sexuales minimizados, cuerpos poco atractivos, exentos de cualidades estéticas. El período gótico supuso un tímido intento de rehacer la figura humana, más elaborada y partiendo de unas premisas más naturalistas, pero bajo un cierto convencionalismo que sujetaba las formas a una rigidez y una estructura geometrizante que supeditaba el cuerpo al aspecto simbólico de la imagen, siempre bajo premisas de la iconografía cristiana.